A todo mundo le gustan las películas. No a todos les gusta el cine, y eso está bien. Ya has recorrido las capas superiores del mundo de la cinematografía. Tu conocimiento es elevado. Conoces los nombres de algunos de los directores más populares como Quentin Tarantino, Stanley Kubrick,  Martin Scorsese, Alfred Hitchcock, Ridley Scott o David Fincher. Pero quieres más, quieres ver a los clásicos. Estás en el lugar indicado.

La siguiente lista no es un top. Es una serie de clásicos que marcaron la historia de la realización de cine. Aquí no vas a encontrar cintas cómo El Padrino, Psicosis o La Naranja Mecánica. Estos no son necesariamente los clásicos de culto que ya has visto y estás acostumbrado a ver. Aquí están obras fundacionales, incluso académicas, del séptimo arte; que quizá no han inspirado a las audiencias pero sí a los grandes autores. En la siguiente lista encontraras cien años de historia del cine condensados en algunos de sus diez films más representativos, para aquellos apasionados que deseen conocer a los gigantes que han sostenido todo lo que vino después.

Ciudadano Kane (1941)- Orson Welles: La película más importante jamás hecha

Un importante magnate estadounidense, Charles Foster Kane, dueño de una importante cadena de periódicos, de una red de emisoras, de dos sindicatos y de una inimaginable colección de obras de arte, muere en Xanadú, su fabuloso castillo de estilo oriental. La última palabra que pronuncia antes de expirar,”Rosebud”, cuyo significado es un enigma, despierta una enorme curiosidad tanto en la prensa como entre la población. Así, un grupo de periodistas emprende una investigación para desentrañar el misterio.

Es muy apropiado empezar con esta cinta. En parte porque es junto a la que sirve de cierre, la más accesible de todas. Eso es debido a que Ciudadano Kane es, por excelencia, la película fundacional del cine occidental moderno y gracias a ello es considerada la película más grande de todos los tiempos. Opera prima y magnus opus del genio Orson Welles, esta obra reunió los elementos que componían el filmaking hasta entonces y los unificó todos, para siempre.

Stalker (1979)- Andreí Tarkovsky: El más grande poeta del cine

En un lugar de la Unión Soviética llamado “La Zona”, hace algunos años se estrelló un meteorito. A pesar de que el acceso a este lugar está prohibido, los “stalkers” se dedican a guiar a quienes se atreven a aventurarse en este inquietante paraje.

Tarkovsky es uno de los autores y teóricos de la cinematografía mundial más relevantes que existen. Para él, hacer cine era “esculpir en el tiempo”, capturar la esencia de las cosas a través de la realidad poética de las imágenes. Porque para él no había medio más poético que este. Aunque todas sus obras son dignas de estudio, Stalker lograr capturar a través de los objetos, lugares y sucesos narrativos algo semejante a la esencia misma de las personas.

Los siete Samuráis (1954)- Akira Kurosawa: Lo que significa tener y crear referencias

Japón, Siglo XVI. Una aldea de campesinos indefensos es repetidamente atacada y saqueada por una banda de forajidos. Aconsejados por el anciano de la aldea, unos aldeanos acuden a la ciudad con el objetivo de contratar a un grupo de samuráis para protegerlos. A pesar de que el único salario es comida y techo, varios samuráis se van incorporando uno a uno al singular grupo que finalmente se dirige a la aldea.

De toda la lista es probablemente la cinta más densa de todas. No estamos acostumbrados al tipo de cine que ofrece el maestro Kurosawa así que es posible que a más de alguno le cueste lograr ver y disfrutar esta obra maestra. Es entendible. Pero lo cierto es que el genio japonés es una figura fundamental del estudio del séptimo arte al punto de que directores como Martin Scorsese lo consideran su maestro. Akira Kurosawa constituyó su carrera en tomar formas y contenidos occidentales desde Shakespeare hasta el western y dotarles de su estilo oriental tan particular para crear algo completamente nuevo y que sirviera como punto de partida para muchos nuevos autores.

The Third Man (1949) -Carol Reed: Llevar un género a su máxima expresión

Comienzos de la Guerra Fría, en Viena, 1947. El norteamericano Holly Martins, un mediocre escritor de novelas del Oeste, llega a la capital austríaca cuando la ciudad está dividida en cuatro zonas ocupadas por los estados aliados de la II Guerra Mundial. Holly va a visitar a Harry Lime, un amigo de la infancia que le ha prometido trabajo. Pero su llegada coincide con el entierro de Harry, que ha muerto atropellado por un coche en plena calle. El jefe de la policía militar británica le hace saber a Martins que Lime estaba gravemente implicado en el mercado negro. Pero a Martins no le cuadra un detalle: todos dicen haber visto a dos hombres en el lugar del atropello intentando ayudar a Lime, pero un testigo asegura haber visto a un tercer hombre…

Elegida en 1999 como la mejor aportación británica a la historia del cine. Es eso, y con mayúscula: pura historia. Es el resultado de que las mentes más brillantes del momento se cruzaran para dar a luz una obra que demuestra excelencia en todos sus diferentes elementos. Desde el guión, la fotografía o el uso de la música.

Acorazado Potekim (1925)- Sergei Eisenstein: La importancia del cine académico

Basada en hechos reales ocurridos en 1905, narra como la tripulación del acorazado Príncipe Potemkin de Táurida se cansan del tratamiento vejatorio e injusto de los oficiales. El detonante de la situación es la carne podrida que éstos quieren que los marineros se coman. Con este motín comienza el reguero revolucionario por Odesa y toda Rusia.

Cada arte tiene su propio lenguaje básico. Esos recursos estéticos de los que se sirve para transmitir o contar algo. La música tiene el sonido y el ritmo. La pintura tiene el color y la forma. El cine tiene al plano y el montaje. Ahí está su esencia. Y Sergei Eisenstein entendió la importancia del montaje antes que cualquier otro. Si vas a ver una sola película muda en tu vida, debería ser esta.

Los cuatrocientos golpes (1959)- François Truffaut: El vanguardismo y la nouvelle vague

Con sólo catorce años, Antoine Doinel se ve obligado no sólo a ser testigo de los problemas conyugales de sus padres, sino también a soportar las exigencias de un severo profesor. Un día, asustado porque no ha cumplido un castigo impuesto por el maestro, decide hacer novillos con su amigo René. Inesperadamente, ve a su madre en compañía de otro hombre; la culpa y el miedo lo arrastran a una serie de mentiras que poco a poco van calando en su ánimo. Deseando dejar atrás todos sus problemas, sueña con conocer el mar y traza con René un plan para escaparse.

La nueva ola del cine francés pretendía revelarse contra los cánones impuestos por la academia y crear obras experimentales e independientes llenas de rebeldía. Paradójicamente terminaron siendo una de las mayores influencias en el cine de todo el mundo inspirando a autores como Andy Warhol o Wong Kar-Wai. Esta temporada vendría siendo la adolescencia del cine y Los 400 golpes una de sus cintas más representativas.

Persona (1966)- Ingmar Bergman: A través de su propia naturaleza

Elisabeth, una célebre actriz de teatro, es hospitalizada tras perder la voz durante una representación de “Electra”. Después de ser sometida a una serie de pruebas, el diagnóstico es bueno. Sin embargo, como sigue sin hablar, debe permanecer en la clínica. Alma, la enfermera encargada de cuidarla, intenta romper su mutismo hablándole sin parar.

Stanley Kubrick se refirió a Bergman cómo el cineasta más grande de su época. Persona no es una película fácil, pero sí profundamente gratificante. Sabes que tienes entre manos una obra maestra a la que debes acceder a través de sus silencios, su soledad, sus represiones y conflictos mentales. Pero que, al salir, estarás listo para cualquier otro film.

El Ángel exterminador (1962)- Luis Buñuel: Fundamentos del cine en español

Después de una cena en la mansión de los Nóbile, los invitados descubren que, por razones inexplicables, no pueden salir del lugar. Al prolongarse la situación durante varios días, la cortesía en el trato deja paso al más primitivo y brutal instinto de supervivencia. Una parábola sobre la descomposición de una clase social encerrada en sí misma.

Nominada en su día a la Palma de Oro por mejor película en el festival de Cannes, El Ángel Exterminador del director español demuestra el talento que ha rezumado tanto España como Latinoamérica a lo largo de la historia. Buñuel, quien trabajo en varias ocasiones con Salvador Dalí, brinda una cucharada de lo que el surrealismo y nuestra tierra natal puede ofrecer.

Barry Lyndon (1983)- Stanley Kubrick: Maestría técnica

Adaptación de una novela del escritor inglés William Tackeray. Barry Lyndon, un joven irlandés ambicioso y sin escrúpulos, se ve obligado a emigrar a causa de un duelo. Lleva a partir de entonces una vida errante y llena de aventuras. Sin embargo, su sueño es alcanzar una elevada posición social. Y lo hace realidad al contraer un provechoso matrimonio, gracias al cual entra a formar parte de la nobleza inglesa del siglo XVIII.

Aunque siempre notamos los elementos “más importantes” de una cinta para catalogarla como buena o mala, el séptimo arte es un arte colectivo compuesto por distintas técnicas y artesanales que pueden llevar a la categoría de obra maestra. Barry Lyndon no es el film de Kubrick más famoso. Pero es junto a la popular 2001: Odisea en el Espacio la que mejor trabaja la fotografía, haciendo un brillante uso de luz natural. Eso sin mencionar un diseño de arte, diseño de producción, vestuario, peinado y maquillaje que rara vez se ha superado. Calidad técnica pura y dura.

Animación experimental de Ozamu Tesuka: Nacimiento y clímax de un estilo

El famoso padre del manga-anime se ve involucrado en una serie de cortometrajes animados que buscan explorar los límites de la animación.

Desde ejercicios narrativos hasta torcer las bases de la animación tradicional para crear algo completamente nuevo y llamativo  son algunas de las cosas que se encuentran en la obra Osamu Tesuka. Inspirándose en el trabajo de Walt Disney (y muy como Akira Kurosawa) aportó algo al mundo. Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que hasta el día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores. Cualquier amante de la animación sabrá encontrar algo en estas pequeñas piezas.

Primera parte: Principiante

Segunda Parte: Medio

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