Maler vuelve a las pistas musicales con mucha más fuerza y energía este 2026 estrenando su nuevo single junto a su primer videoclip. 

La pieza cinematográfica fue grabada por el director Ignacio Peláez. El trabajo en conjunto dió por resultado al primer videoclip de este regreso de Maler, quien comenta: “Tardamos bastante tiempo en concretar la idea y coordinar todo de manera estratégica, ya que no contábamos con muchos recursos y queríamos lograr algo cinematográfico y de calidad. Creo que lo logramos. Ignacio fue un gran aporte para mí, amo su ojo y estética”.

Las locaciones del rodaje fueron variadas: Talagante, Cementerio La Rana en Huelquén y en la Municipalidad de Vitacura.

Para la artista lo más importante dentro de todo el proceso de grabación fue transmitir la esencia de la canción en cada plano.

“No Me Importa Vuelvo a Nacer” se consagra como un himno, una experiencia de muerte y renacimiento para la artista. En sus palabras: – “He muerto y renacido muchas veces y esta letra la escribí para mi, después de un momento muy duro en mi vida, pero al terminar la letra me di cuenta que era un mensaje de fuerza universal, como un himno, porque todos tenemos la capacidad de volver a nacer, a pesar de vivir una experiencia dolorosa y fuerte, somos poderosos y podemos con todo en esta experiencia humana”-.

El videoclip se construyó desde lo orgánico: sin un guión previo, sin actuar, si no que desde las sensaciones reales que emergieron en el momento. La simpleza de transmitir las emociones de forma genuina en detalles simples.

La cámara y edición cinematográfica fueron el trabajo de Ignacio Peláez. El uso de las tomas en negativo es un recurso que caracteriza a Maler y  que viene explorando desde hace tiempo, sintiéndose plenamente representada en esa estética de luz y oscuridad.

Hoy Maler despliega con un sonido sólido, donde guitarras vibrantes marcan un sello propio. La letra de esta canción aparece como un combustible alquímico, para consolidar desde esas cenizas la atmósfera de la canción, siendo la voz de la artista la presencia de aquel renacer, un verdadero ejercicio de catarsis.

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Una canción orgánica, que nos invita a rescatar lo analógico que oscila entre la energía del rock, con una estética pop más anticuada pero pulida, pero con una producción directa que invita a reflexionar. 

El proyecto está enfocado en darle a cada canción su propio espacio y protagonismo. Donde cada single merece su propio universo visual y su momento de brillar. Siempre es Distinto marca una evolución en el sonido del proyecto y es el camino el que señalará si decantará en un EP o si seguirán presentando singles a su audiencia de forma constante.

La producción se desarrolló en meses de trabajo intenso y dicho trabajo fue realizado por los mismos integrantes del proyecto, Daniel González junto a Marcelo Aliaga, con el fin de que cada detalle se viese reflejado en la esencia actual de la banda. El resultado es un sonido sólido y una atmósfera minimalista, siendo esta la proyección inicial.

La masterización estuvo a cargo de Alejandro Becerra, dando el cierre tan esperado al rock alternativo que proponen como proyecto musical.

Siempre es Distinto es una canción con un mensaje claro: no podemos negar la naturaleza del cambio y cómo nuestra percepción de las cosas muta con el tiempo. El título da fe de aquello: “aunque volvamos a los mismos lugares o a las mismas personas, la experiencia siempre es distinta porque nosotros ya no somos los mismos”. 

Una reflexión sobre soltar la nostalgia y aceptar el presente.

Este estreno se nutre de la tradición sonora del Cono Sur. Inspirado en grupos que privilegian la armonía vocal y la fuerza de las cuerdas, logrando un balance entre lo clásico y lo alternativo. En palabras de la banda: “Quisimos plasmar un concepto despojado y elegante, donde la esencia del conjunto sea lo principal. Es una propuesta con mucha identidad propia que refleja nuestra etapa creativa actual”

El proyecto se encuentra en la postproducción de su primer EP, un momento de mucha ebullición creativa para la banda. Dentro de los anuncios que prontamente se vienen, proyectan una sesión en vivo, dado que para Capitán Fugitivo es fundamental captar la esencia de su proyecto: esa energía y química que logran en conjunto.

Es fundamental el mantener un sonido orgánico, tal cual a una banda tocando en una sala, sin tantos adornos innecesarios.

Siempre es Distinto se encuentra disponible en todas las grandes plataformas digitales. Los pueden encontrar como Capitán Fugitivo en Spotify, Apple Music, Tidal y Deezer.

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“Ensueños” oscila entre el indie rock y el pop con una atmósfera nostálgica, donde el groove de las guitarras y la voz refuerzan su espíritu indie.

El proceso de creación del disco ha sido extenso. Gran parte del material fue grabado entre finales de 2021 y principios de 2022, etapa en la que también se realizó una primera mezcla y masterización del proyecto, que originalmente contaba con seis canciones. Sin embargo, el artista decidió pausar el lanzamiento al no sentirse completamente conforme con el resultado.

La producción del single se desarrolló de forma mayoritariamente independiente, con el propio artista liderando el proceso creativo. Aun así, contó con la colaboración constante de Emanuel Valenzuela, baterista de la banda, quien ha acompañado el desarrollo musical del proyecto aportando en arreglos y producción.

Ensueños como canción no busca imponer una temática única, sino abrir un espacio interpretativo para quien lo escucha. Así mismo, los sonidos y la atmósfera de la canción te llevan principalmente a  la nostalgia, un elemento que atraviesa gran parte del espíritu de la canción.

La historia de Ensueños también refleja un largo recorrido creativo. La canción fue escrita originalmente en 2014, aunque con una estructura diferente. Años más tarde, en 2019, se escribió la estrofa que finalmente quedó en la versión grabada. Con el tiempo, el tema evolucionó desde una composición más “terrenal” hacia una dimensión casi “onírica», lo que sucedió de manera orgánica.

Recién Cansado presentará su videoclip en los próximos días. Posteriormente, se liberará el resto del material del nuevo álbum “Deshecho en abono”.

En cuanto a presentaciones en vivo, el artista adelanta que habrá novedades próximamente, aunque por ahora prefiere mantenerlas como sorpresa.

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“Fortuna XXVI” más que una regrabación es algo así como un “Corte del Director”, con un toque muy dinámico. Y creo que el gran triunfo en esta nueva versión es que suena muchísimo más amplia que en el disco original”, indicó Ricardo Curaqueo, vocalista de la agrupación, quien agregó que “pocas veces hemos dicho esto, pero esta canción está inspirada en ‘O Fortuna’, un poema medieval del XIII. Fortuna es el destino inexorable que rige tanto a dioses como a mortales en la antigua mitología romana”, agregó el músico.

El single forma parte del EP Tras las Cenizas, un proyecto que incluye cuatro reversiones de canciones del disco debut, junto a material adicional. En el plano técnico, la canción fue mezclada y masterizada por Rodrigo Aranda (Prometheus Rising) en El Hierofante Studio (Villa Alemana), quien también grabó el bajo. 

Tracklist Tras las Cenizas:

1. Fortuna XXVI
2. Ángel & Luz ‘26
3. Petroushka ‘26
4. Fuego en el Cielo ‘26

UMVRAL es una banda de metal melódico originaria de Valparaíso, Chile, que desde su debut ha desarrollado una propuesta que combina elementos del power metal con un enfoque melódico. Con su nuevo EP Tras las Cenizas, el grupo rompe un receso de más de 3 años para cerrar un ciclo creativo.

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Si en “Ten Cuidado” la energía estaba atravesada por la rabia y la resignificación del quiebre, en esta nueva entrega Ciotripach se mueve hacia un territorio emocional distinto: el amor como decisión consciente. “Contigo tengo las ganas” es una declaración dedicada a su pareja, pero también una reflexión sobre el respeto, el compromiso y el cuidado hacia quienes forman parte de nuestro círculo más cercano. La canción entiende el vínculo no sólo como impulso romántico, sino como un acto cotidiano de responsabilidad afectiva.

Musicalmente, el single consolida el trabajo colaborativo que caracteriza esta nueva etapa del proyecto. Diego Rojas aporta un solo de guitarra que eleva el clímax del tema con precisión y sensibilidad, mientras Israel Cisternas (Punkora) en el bajo y Felipe Cherubini en batería sostienen una base sólida que equilibra fuerza y calidez, ampliando el espectro sonoro de Ciotripach sin perder su identidad autoral.

El videoclip profundiza el carácter honesto de la canción al trasladar la narrativa al espacio más personal del artista: su propio hogar. Bajo la dirección de Catalina Navarro y grabado en Santiago de Chile, el registro apuesta por la sencillez y la emoción real, conectando el mundo íntimo con su entorno familiar y amistades cercanas. El resultado es un relato visual cercano, sin artificios, que refuerza la coherencia entre vida y obra.

Al igual que el single anterior, “Contigo tengo las ganas” fue producido en Sala Mosqueto y cuenta con mezcla y masterización a cargo del propio Ciotripach, reafirmando su control creativo en cada etapa del proceso.

El lanzamiento estará disponible exclusivamente en YouTube en esta primera etapa, como parte del camino hacia el EP “Entre ruinas, nacen flores”, que continúa desplegando su narrativa canción a canción.

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En lo sonoro, Taliska se mueve dentro del pop alternativo, incorporando mezclas de drum and bass y una estética que remite a un nicho específico de la música electrónica de los años 90. El uso del glitch aparece como un elemento central, entendido como una forma de recordarnos la relación física con los instrumentos y de jugar con el límite entre lo real y lo digital.

Entre sus influencias destaca Sweet Trip, referencia clave por su uso del glitch, las voces dulces, los pianos clásicos y la manera en que estos elementos se enlazan para construir canciones sensibles y complejas a la vez.

Durante el año 2023, Taliska trabajó junto a Matías Hahn, con quien postularon de manera colaborativa a un sello utilizando un repertorio de maquetas guardadas desde 2019. Aunque el proyecto con el sello no prosperó, el EP se terminó de forma independiente, consolidando la identidad artística del proyecto.

“Nunca trates” es el segundo sencillo de su primer EP, el cual contará con seis canciones. Las letras relatan situaciones reales y presentan una visión introspectiva de la vida. Un ejemplo es “Desde tu calma”, canción que aborda directamente la espiritualidad y el vínculo con el cuerpo, uniendo esta temática con una exploración sonora pensada para despertar los sentidos.

En cuanto a presentaciones en vivo, Taliska cuenta con dos formatos: uno junto a Lauryn Batista en piano y Milan Santelices en las pistas, y un segundo formato en DJ set presentado de manera solista. Las fechas serán anunciadas próximamente.

Taliska propone un espacio abierto a la experiencia y a la interpretación personal, invitando a la audiencia a conectar con la música desde sus propias sensaciones, con la expectativa de encontrarse pronto en un escenario en vivo.

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Este sencillo, retrata ese instante silencioso en el que comprendemos que gran parte del peso que cargamos nunca fue realmente nuestro. Expectativas ajenas, culpas heredadas, promesas hechas por costumbre más que por convicción. A diferencia del grito que proponía “Rutas” o de la súplica contenida en “Dame algo de beber”, este nuevo single no nace desde la rabia ni la desesperación, sino desde la claridad. Es la decisión consciente de dejar de pelear batallas que no nos pertenecen y aceptar que no toda despedida es una derrota.

La canción se construye como un viaje interno: dejar de reaccionar a lo que otros esperan y comenzar a transitar un camino propio, por convicción. No es un escape, sino un impulso hacia adelante. Una carretera abierta sin destino obligatorio, donde la sensación dominante es la del aire nuevo y la libertad que aparece cuando entendemos qué cosas ya no necesitamos cargar.

Musicalmente, Prim@tes canaliza esa tensión en una interpretación directa y cargada de intención, sostenida en la química de Jorge Hernández en voz y guitarra, José Delgado en guitarra y coros, Álvaro Carrasco en bajo y coros, y Ármin Zumelzu en batería y coros. El tema avanza con una energía contenida pero firme, acompañando esa transición entre desgaste y lucidez que atraviesa el relato.

La producción del single estuvo a cargo de Nicolás Resnikof y Augusto Cantu, con grabación en Estudio Romaphonic. El arte de portada fue desarrollado por Gonzalo Yages, mientras que las fotografías oficiales fueron realizadas por Carlos Bollmann y Nicolás Bollmann, consolidando un lanzamiento coherente tanto en sonido como en identidad visual.

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La canción nace desde una experiencia fundacional: el primer contacto con un amor profundamente idealizado, vivido casi como una revelación. Lo que comienza como una fantasía de entrega total se transforma, con el tiempo, en una reflexión sobre el poder que se le otorga al otro cuando el amor se confunde con salvación y dependencia emocional.

“ADN de Ángel” utiliza una potente metáfora para abordar ese proceso: la idea de un ADN que no se hereda en el cuerpo, sino que se inscribe en la mente y el alma. En esa proyección, el otro se convierte en un ángel, una figura elevada a un lugar imposible de sostener, cargada de expectativas, devoción y deseo.

El relato avanza hacia un giro revelador. A través de imágenes oníricas y una narrativa íntima, la canción expone cómo aquello que parecía venir del exterior siempre estuvo dentro. La obsesión, el abandono y la necesidad de completarse a través de alguien más surgen como reflejos de una percepción distorsionada de la realidad, donde la sensación de separación genera sufrimiento.

Con una estética etérea y emocionalmente cruda, “ADN de Ángel” propone aceptar la dualidad humana como parte esencial del camino: luz y fragilidad, deseo y conciencia coexistiendo en un mismo cuerpo. Sr. Soya invita a desmontar ídolos externos y a reconocer que lo imperfecto no es una falla, sino una forma genuina de habitar la experiencia humana.

La canción cuenta con producción musical y mezcla de Fernando Cubillos, letra y composición de Carlos Soya, master a cargo de Diego Villavicencio (DVC.Master) y acompañamiento vocal de Vero Ferk. En el apartado visual, el arte fue desarrollado junto a Jonathan Arriagada en fotografía, Alcaloide Música en edición, Danny Sepúlveda en maquillaje, Niki Atelier / Ardoan Diseño en diseño y vestuario, y Alonso Polanía en peluquería, y ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.

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En su versión original, La Conquistada se inscribe en el contexto del exilio posterior al golpe de Estado en Chile, abordando la pérdida de la patria y el desarraigo como una experiencia colectiva y forzada. Kréen retoma ese punto de partida y amplía su campo de sentido, vinculándolo al despojo territorial vivido por los pueblos originarios del sur y a las formas contemporáneas de expulsión asociadas a proyectos extractivistas.

Aquí, la patria deja de aparecer como un concepto abstracto y se manifiesta como un vínculo material y afectivo con el territorio. La expulsión no remite sólo al pasado político, sino a un proceso histórico continuo, donde la relación con la tierra es fracturada una y otra vez bajo distintas lógicas de poder.

En lo musical, la banda conserva el pulso de cueca lenta presente en la versión original, pero lo somete a una estructura más densa y austera, propia del doom y el black metal atmosférico. El tempo arrastrado, las capas graves y la tensión sostenida construyen un espacio sonoro de duelo prolongado, donde el peso del sonido acompaña la carga histórica del relato.

Dentro del marco conceptual de Aurora, La Conquistada refuerza una línea central del EP: el territorio deja de ser paisaje para convertirse en un sujeto activo, atravesado por memoria, conflicto y resistencia. El despojo no aparece como un hecho cerrado, sino como un proceso que se repite y se transforma en el tiempo.

La canción fue compuesta y escrita por H., quien además interpreta voz, bajo, guitarra, quena, ronroco y teclados, junto a D. en guitarra y K. en batería. Los arreglos estuvieron a cargo de Kréen, con grabación realizada por la propia banda, mezcla y masterización de Danny Barrera, y un lyric video dirigido, producido y editado por Sebastián Villa.

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Grabada en el estudio La Siesta del Fauno, en Buenos Aires, “Amor es fuego” se construye sobre una arquitectura sonora deliciosamente retro: sintetizadores históricos originales como el Juno-60, el Moog Minimoog, el CP-70 y el Solina se entrelazan para crear una atmósfera cálida y vibrante. Los teclados corren por cuenta de Tomás Cordero, músico sesionista y miembro de la banda nacional La Hipocresía Mató al Gato, que aporta una sensibilidad precisa y orgánica al arreglo.

El single marca un quiebre importante en la trayectoria de JP Orlandini: deja atrás el clásico formato de guitarra y voz de sus lanzamientos anteriores y se atreve a un sonido más groovie, rítmico y en movimiento, sin perder la melancolía que define su interpretación vocal. La coproducción junto a Cristóbal Rivera (alias Tobba Loops), guitarrista, DJ y productor, empuja la canción hacia un terreno donde la pista de baile y la introspección pueden convivir en el mismo compás.

“Amor es fuego” habla de la incertidumbre, del cambio y de esa apuesta que implica querer a alguien cuando nada está garantizado. El amor aparece como riesgo necesario, ese vértigo al que, de una u otra forma, todos volvemos. La dulzura inicial del relato se mezcla con el sabor agridulce de la pérdida, y ahí, en ese contraste, la canción encuentra su fuerza.

Como gesto sorpresa, el lanzamiento llega en formato dúo pack: junto al single principal se estrena “Amor es Fuego Je’Taime”, un outro experimental de espíritu cinematográfico y arreglos orquestales. En esta pieza, la voz de la cantante chilena Maxine Eijkman recita en francés un poema que responde a lo planteado por la canción original, como si fuera una carta de amor enviada desde otro tiempo. Producida en conjunto con Jimny, esta segunda parte lleva aún más lejos la exploración de JP Orlandini, abriendo una ventana hacia el universo de su esperado LP.

Sin esperar el momento perfecto, el artista decide compartir estas canciones en este momento tal como son: urgentes, vulnerables y listas para ser escuchadas. “Amor es fuego” y “Amor es Fuego Je’Taime” estarán disponibles en todas las plataformas digitales desde el 13 de febrero.

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