Desde hace años, Joachim Trier viene desarrollando un vínculo creativo muy estrecho con su elenco, y su trabajo más reciente no es la excepción. La película Sentimental Value ha sido recibida con entusiasmo en Cannes, y gran parte de ese aplauso se debe a la actuación de Elle Fanning, cuya interpretación aporta una sensibilidad única y profundidad emocional al complejo entramado familiar que explora el filme. La química entre director y actriz es palpable, resultado de un proceso de colaboración prolongado que logra capturar matices auténticos de las relaciones familiares y artísticas.
La cinta, que se destaca por su delicadeza y precisión narrativa, permite que Trier explore temas universales como la comunicación, el arte y las heridas intergeneracionales. Durante el marco del Festival de Cannes, tuvimos la oportunidad de conversar con el director, quien profundizó sobre su visión artística, el valor sentimental de los objetos familiares, y cómo su propia experiencia como padre influyó en la construcción de los personajes y la historia.
Esta película se trata sobre una familia, en un negocio, de cierta manera. Quería preguntarte por qué esta historia, por qué este personaje, cómo resuena contigo.
Joachim: Es una gran pregunta. No es que tenga tanta curiosidad por personas de familias artísticas siendo artistas. Más bien pienso que el arte es un lenguaje de comunicación alternativo. Ahora, teniendo hijos desde la última película, tengo dos niños, la alegría de mi vida, pero veo a los pequeños antes de que hablen: bailan, cantan, se mueven, dibujan. Me pregunto, antes de socializarlos tanto, ¿qué es eso? ¿Por qué cuando todos crecen en una familia, de repente está la limitación del lenguaje intelectual?
Veo que está conectado con la creatividad, algo inherente al ser humano. Eso abrió la posibilidad de contar una historia familiar donde todos, independientemente de si conocen artistas o no, pueden ver la evasión y la comunicación en distintos niveles. Eso fue lo que realmente me interesó. No es solo comentar sobre teatro versus cine, sino un padre que no puede funcionar emocionalmente con sus hijas, aunque como director funciona bastante bien.
Siendo padre y también hijo, ¿hay algo personal en esta comunicación?
Joachim: Por supuesto, ¿cómo no habría? Todas mis películas lo son, y esta mucho. Trabajo con Eskil Fugt; escribimos juntos, lo que nos permite abstraer un poco y no hacerlas tan autobiográficas, poder ser un poco duros con los personajes y amorosos con ellos. Claro, fui niño, mis padres también fueron niños. Ahora veo cómo la Segunda Guerra Mundial afectó a mis abuelos tremendamente. Mi abuelo estuvo en campos de guerra y apenas sobrevivió en Noruega. De niño, eso era una gran historia lejana, y ahora que soy mayor veo cómo pasa el tiempo y ya no hay testigos. Pienso en mis propios hijos y cómo ese duelo ha resonado en mi vida. Solo puedo hablar de la familia, de alguna manera, en alguna versión.
¿Qué importancia tiene el valor sentimental para ti?
Joachim: Hablando del título, literalmente significa, bueno, no literalmente, pero para que quede claro: si tu abuela tenía una taza de café y la quieres, eso te recordará para siempre a ella. Me interesa cómo interpretamos subjetivamente la experiencia familiar. Cómo dos hermanos pueden sentir cosas tan diferentes sobre lo mismo. “Valor sentimental” me suena a una canción melancólica de jazz antiguo, así que me gusta el título.
Hablaste un poco sobre el trauma intergeneracional, tal vez. Esta metáfora e imagen de la grieta en la fundación, ¿cómo surgió?
Joachim: Vivo en un país donde todo se calienta y enfría cada temporada. Puedes tener -20 °C en invierno y mucho calor en verano. Estoy acostumbrado a las grietas en los edificios y a la importancia de una buena fundación. De niño estaba obsesionado con las grietas. Al darle un significado intencional, me pareció interesante, y la idea de que la casa se desmorona lentamente, como si tuviera otra comprensión del tiempo. Cuando era niño me obsesionaba con lo rápido y lo lento, con cómo crece el cerebro y el desarrollo. Por eso la grieta encajaba en la historia.
Quería preguntarte sobre la colaboración con la compositora polaca Hania Rani.
Joachim: Sí, me gusta mucho su música. En ese momento no la conocía, pero la contacté y tuvimos suerte de que aceptara. Nos alineamos en que está muy interesada en la calidad del sonido y su materialidad, pero también en la melodía y orquestación. Es sofisticada pero le gusta cierto caos. Grabó acústicas en la casa en Oslo para darle calidad a ciertos sonidos. Me encanta eso. Yo filmo en 35mm, soy un poco old school, me gusta la estructura y ella crea caos dentro de esa estructura con la música, y eso me encanta.
Me gustaría preguntarte si existe, en los países nórdicos, una comodidad masculina que estás de algún modo criticando…
Joachim: Buena pregunta. Tengo distintos tipos de personajes masculinos; algunos más sensibles. Quizá es más generacional que escandinavo. Crecí en los 80s, muchos padres se fueron e intentaron empezar una nueva familia. Mi generación es mejor con los divorcios que la anterior. Además, como algo sociológico, crecimos con padres que soportaron la Segunda Guerra Mundial y pusieron una cara valiente, compraron plástico y casas bonitas en los 50s. Esa generación cargó heridas de compensación. No me identifico con eso completamente; seguro tengo defectos y cosas difíciles emocionalmente, pero hay un tipo de persona masculina que mucha gente enfrenta.
Una especie de seguimiento, pero más cinematográfico. ¿Cuánto de Bergman hay en esta película?
Joachim: Adoro a Bergman, pero de manera inconsciente. No vengo del teatro, nunca quise ser director teatral, siempre he sido de cine. Bergman me enseñó sobre primeros planos, pero también viene de Dreyer, tradición escandinava de intensidad en los close-ups. Me gusta lo que no se muestra también.
Dijiste en la conferencia de prensa que la ternura es el nuevo punk. ¿Qué significa eso para ti en tu cinematografía?
Joachim: Estoy preguntándome cuál es la posición radical hoy. La ternura es lo más necesario y complejo. Vengo de los 90s, irónico, queriendo desafiar el letargo del lenguaje; busco claridad.
¿Siempre supiste que el personaje de Elle necesitaba ser una actriz americana…
Joachim: Sí, Mike Mills me la sugirió. No es burlarme completamente, pero tengo dos personajes: Nora, del teatro, y Rachel, que anhela algo más, se ve commodificada como estrella. Ambas buscan el yin y yang, ambos tienen razón. Necesitaba americana porque el cine ha sido un diálogo entre culturas, Europa y América.
Todas las películas giran alrededor de esta casa. ¿Cómo la encontraste?
Joachim: Fue complicado, necesitaba una casa para filmar mucho, me encanta filmar a contraluz. Crecí admirando a Antonioni y Ozuna; la casa debía permitir movimientos repetitivos y encajar en su material. La encontré y supimos de inmediato que era perfecta, escribimos el guion para ella.
Como director, ¿miedo escénico… qué tan confiado te sientes cuando entras al set?
Joachim: Hablé mucho de esto con Renate. Ella no tiene miedo escénico; ambos sentimos ansiedad de performance. Es una mezcla de confianza y duda necesaria para crear algo valioso. Cada primer corte me devasto y luego lo resuelvo, así es siempre.
