Por esa razón, las membresías como Meli+ suelen evaluarse menos por su precio aislado y más por la cantidad de situaciones cotidianas en las que pueden aportar alguna ventaja.

Antes de decidir si conviene contratarla, vale la pena revisar qué incluye, cómo funciona y en qué perfiles de usuario suele mostrar más valor.

Una decisión que depende de los hábitos de uso

Meli+ es una membresía vinculada al ecosistema de Mercado Libre y Mercado Pago que reúne distintos beneficios bajo una cuota periódica. Dependiendo de la modalidad disponible y de las condiciones vigentes en México, puede incluir ventajas relacionadas con compras, promociones, envíos o determinados servicios digitales.

Las características y los precios pueden modificarse con el tiempo, por lo que siempre es recomendable consultar la información actualizada al momento de evaluar una contratación.

Para quienes están evaluando la suscripción por primera vez, revisar los beneficios de Meli+ permite identificar qué ventajas están incluidas y cuáles podrían tener una aplicación práctica según los hábitos de consumo de cada usuario.

Parte de la conversación alrededor de los beneficios de Meli más para tu presupuesto diario gira justamente en torno a esa diferencia entre lo que ofrece la membresía y lo que cada usuario termina aprovechando en la práctica.

La decisión suele depender menos de la existencia de beneficios y más de la frecuencia con la que esos beneficios se utilizan realmente.

Ventajas: dónde puede aportar valor

Cuando forma parte de una rutina de consumo frecuente

La membresía tiende a mostrar más valor cuando se integra a hábitos que ya existen.

Una persona que realiza compras de manera habitual, consulta promociones con frecuencia o utiliza distintos servicios del mismo ecosistema tiene más oportunidades de aprovechar los beneficios incluidos.

En esos casos, la suscripción no modifica el comportamiento del usuario, sino que acompaña actividades que ya forman parte de su rutina.

Acceso centralizado a distintos beneficios

Otro aspecto que algunos usuarios valoran es la posibilidad de concentrar diferentes ventajas dentro de una misma membresía.

En lugar de evaluar promociones aisladas o beneficios independientes, la suscripción reúne distintas herramientas bajo una lógica común.

Para quienes utilizan varios servicios relacionados entre sí, esta centralización puede simplificar la experiencia de uso y reducir la necesidad de gestionar beneficios por separado.

Beneficios que se perciben mejor con el uso continuado

Muchas personas evalúan una membresía a partir de una sola compra o de un único beneficio. Sin embargo, este tipo de servicios suele diseñarse para combinar distintas ventajas a lo largo del tiempo.

Por ejemplo, alguien que realiza varias compras durante el mes puede aprovechar envíos, promociones o descuentos en distintos momentos, en lugar de concentrar todo el valor en una única operación.

Por eso la pregunta relevante no suele ser cuánto se obtiene en una compra específica, sino con qué frecuencia aparecen situaciones en las que la suscripción ofrece alguna ventaja práctica.

En usuarios que ya utilizan regularmente el ecosistema, el valor suele construirse mediante una suma de beneficios distribuidos en diferentes actividades cotidianas.

Limitaciones y aspectos para considerar

Algunos beneficios pueden ser decisivos y otros pasar inadvertidos

No todos los componentes de una membresía tienen la misma importancia al momento de evaluar si vale la pena.

Hay usuarios que se suscriben principalmente por cuestiones vinculadas a las compras y los envíos. Otros prestan más atención a promociones, descuentos o servicios adicionales incluidos dentro del plan.

Por eso puede resultar útil revisar cuáles son los beneficios que efectivamente utilizarías durante un mes normal.

Si la mayor parte del valor potencial proviene de funciones que rara vez forman parte de tu rutina, la percepción sobre la suscripción probablemente será diferente a la de alguien que las utiliza con frecuencia.

Cómo saber si la cuota se justifica en tu caso

Toda suscripción implica un costo periódico, por lo que conviene revisar periódicamente si los beneficios obtenidos compensan ese gasto.

Una forma sencilla de hacerlo consiste en observar los últimos dos o tres meses de uso. ¿Cuántas compras realizaste? ¿Cuántas veces aprovechaste promociones asociadas a la membresía? ¿Utilizaste alguno de los servicios incluidos que normalmente tendrías que contratar por separado?

La respuesta no necesita ser exacta.

Lo importante es identificar si la suscripción aparece de manera recurrente en tus hábitos de consumo o si permanece activa sin generar un beneficio que realmente percibas en el día a día.

Las condiciones pueden evolucionar

Las plataformas digitales actualizan regularmente sus productos y programas de beneficios.

Esto puede incluir cambios en promociones, condiciones de acceso, costos o características disponibles para los usuarios.

Revisar periódicamente qué incluye una membresía ayuda a determinar si sigue alineada con las necesidades que justificaron su contratación inicial.

¿En qué situaciones se inclina la balanza?

Existen escenarios en los que los argumentos a favor suelen tener más peso.

Por ejemplo, cuando una persona ya realiza compras frecuentes dentro del ecosistema, aprovecha promociones de manera habitual o utiliza varios de los servicios asociados a la membresía. En esos casos, las oportunidades de obtener valor aparecen de forma recurrente.

También suele resultar más fácil justificar la suscripción cuando algunos de sus beneficios forman parte de actividades que ya se realizan durante el mes y no requieren cambios de comportamiento para aprovecharse.

Por otro lado, la evaluación puede ser diferente para quienes realizan pocas compras al año o utilizan de manera esporádica las herramientas vinculadas al servicio.

La misma suscripción puede resultar muy conveniente para alguien que interactúa regularmente con la plataforma y mucho menos relevante para quien solo la utiliza en ocasiones puntuales.

Un balance sin respuestas universales

Las suscripciones digitales suelen evaluarse mejor cuando se observan dentro del contexto de uso de cada persona.

Algunos usuarios encuentran valor en la combinación de beneficios, promociones y servicios reunidos bajo una misma membresía. Otros prefieren mantener únicamente aquellas herramientas que utilizan de forma constante.

Más que preguntarse si Meli+ conviene en términos generales, puede resultar más útil analizar cuántas veces al mes tendrías oportunidad real de aprovechar alguno de sus beneficios.

La respuesta probablemente dirá más sobre la conveniencia de la suscripción que cualquier comparación genérica entre usuarios.

Y en tu caso, ¿los beneficios incluidos coinciden con actividades que ya forman parte de tu rutina o implicarían cambiar la forma en que utilizas estas plataformas?

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Las grabaciones de la tercera temporada de Merlina fueron suspendidas temporalmente luego de que Eva Green sufriera un accidente durante el rodaje en Irlanda.

De acuerdo con los primeros reportes, la actriz francesa se lesionó una de sus piernas mientras participaba en una escena de la producción, por lo que el equipo médico acudió de inmediato al set y decidió trasladarla a un hospital como medida preventiva.

Como consecuencia del incidente, la producción reorganizó el calendario de filmación mientras Green recibe atención médica. Hasta el momento, no se ha informado la gravedad de la lesión, aunque diversos medios internacionales señalan que la actriz evoluciona favorablemente y podría reincorporarse a las grabaciones en los próximos días.

Eva Green se suma al universo de Merlina

La ganadora del BAFTA es una de las principales incorporaciones de la tercera temporada de la exitosa serie de Netflix. En los nuevos episodios dará vida a Ophelia Frump, la hermana menor de Morticia Addams.

El personaje fue insinuado al final de la segunda temporada y promete convertirse en una pieza clave de la historia. Según lo mostrado en el cierre de la entrega anterior, Ophelia es una figura enigmática con habilidades psíquicas cuya aparición deja abierta una nueva amenaza para Wednesday Addams.

La incorporación de Eva Green también marca un nuevo reencuentro con Tim Burton, con quien ya trabajó en películas como Dark Shadows, Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children y Dumbo.

La segunda temporada de Merlina se estrenó en Netflix en agosto de 2025 y mostró el regreso de Wednesday Addams a la Academia Nunca Más, donde enfrentó nuevos peligros sobrenaturales mientras exploraba el alcance de sus poderes.

La historia también profundizó en la relación entre los miembros de la familia Addams, el desarrollo de personajes como Enid Sinclair y la llegada de nuevos rostros que ampliaron el universo de la serie.

Por ahora, Netflix no ha informado si el accidente de Eva Green afectará la fecha de estreno de la tercera temporada.

La entrada Pausan el rodaje de la temporada 3 de Merlina tras accidente de Eva Green se publicó primero en Mundo Peliculas.

OJO! la reseña tiene MUCHOS Spoilers

La aberración

El libro bíblico de Levítico suele percibirse como una árida compilación de decretos antiguos y normas minuciosas. En su capítulo décimo, sin embargo, habita uno de los pasajes más sobrecogedores de la literatura religiosa: la muerte de Nadab y Abiú. Estos sacerdotes son fulminados tras ofrecer un ritual no autorizado, un «fuego extraño». Ante la muerte de sus hijos, Aarón permanece en silencio. La obediencia se impone incluso frente al duelo. Chiarella toma ese conflicto ancestral y lo deposita en el presente.

La película sitúa su acción en una comunidad religiosa aislada en la región de Victoria, Australia. Naim (Joe Bird) y Ryan (Stacy Clausen) viven su despertar afectivo bajo la vigilancia constante de un entorno que interpreta el deseo como una amenaza espiritual. Chiarella utiliza la puesta en escena para subrayar este aislamiento: los encuadres en pasillos vacíos y la frialdad de las mesas de disección de biología —donde los alumnos analizan ranas— operan como una metáfora visual de cómo la propia comunidad somete a los jóvenes a un examen clínico y moral constante, diseccionando su identidad.

Los adolescentes mantienen encuentros secretos en un edificio abandonado, lejos de los ojos de la congregación. Es allí donde un breve gesto introduce la tesis fundamental del filme: al mirarse en un espejo de ojo de pez mientras se abrazan, la culpa emerge antes que lo sobrenatural. Leviticus convierte las llamadas terapias de conversión en el núcleo de una pesadilla sobrenatural mediante un exorcismo inverso

Los líderes espirituales infectan a los jóvenes con una entidad parásita que adopta una mecánica perversa: toma la apariencia de la persona deseada para atacar. Cada acercamiento emocional activa el peligro, cada impulso afectivo desencadena una agresión, y el amor finalmente se transforma en trampa. El demonio-parásito no trae nada nuevo. Toma la vergüenza ya inoculada y le da un cuerpo. La criatura es la culpa hecha carne.

La víctima reproduce al verdugo

La tragedia alcanza su mayor complejidad cuando el propio Naim participa de la lógica de vigilancia que lo oprime. El detonante de toda la cadena de horror llega desde el lugar más inesperado: los celos. Al descubrir a Ryan besándose con Hunter (Jeremy Blewitt) en el molino, Naim actúa desde la herida. Denuncia la situación ante la comunidad, quedando expuesto también. Pero claro, los celos operan como el mecanismo más certero del sistema represivo. Naim delata desde el dolor, pero la estructura es la que recibe esa confesión y la convierte en instrumento de control.

Chiarella evita la comodidad de dividir el mundo entre víctimas inocentes y victimarios absolutos. Los sistemas de dominación más eficaces son aquellos que enseñan a sus víctimas a vigilarse entre sí. El fanatismo no necesita ejército cuando ha conseguido que cada creyente sea un centinela. Esta internalización de la violencia se anticipa sutilmente en la dinámica de los chicos de la iglesia, como el crudo juego de Hunter y Ryan de lanzarse piedras pesadas en el patio trasero antes de besarse: un autocastigo físico que evoca la lapidación de los textos antiguos.

Con 86 minutos y una notable economía narrativa, la película concentra la tensión en espacios cerrados, personas que no son y pesadillas que se sienten reales. El verdadero horror habita en la sensación permanente de estar siendo observado, juzgado, corregido: un estado que la comunidad ha logrado volver invisible porque lo llama fe.

La puesta en escena del aislamiento

Desde el punto de vista estrictamente cinematográfico, Chiarella demuestra madurez visual al rehuir de los sustos fáciles (jumpscares, que francamente me tienen podrido…) para apostar por el terror de atmósfera. La dirección de fotografía aprovecha los exteriores con planos abiertos y desolados que acentúan la desorientación y el desamparo de los protagonistas, contrastando la belleza árida de la naturaleza con estructuras industriales oxidadas y descoloridas que se sienten tan obsoletas como los dogmas que rigen al pueblo entero. Asimismo, la química entre Joe Bird y Stacy Clausen dota a la película de un corazón melancólico; desde mi punto de vista, es esa vulnerabilidad la que eleva el filme, logrando que el verdadero peligro no sea la aparición del monstruo, sino la devastadora quietud de los espacios en los que se van moviendo.

El fuego purificador frente al dogma

La relación entre el parásito y el fuego constituye el núcleo simbólico de la obra. En el Levítico bíblico, el fuego divino aparece asociado a la purificación, al juicio y a la autoridad de Dios. La comunidad de la película interpreta esa tradición como justificación para intervenir los cuerpos y disciplinar las conductas. El Deliverance Preacher (Nicholas Hope) encarna esa autoridad con la serenidad del que nunca ha dudado: alguien que ejecuta la norma sin preguntarse a quién destruye, porque destruir también es, en su teología, una forma de amor.

Chiarella toma esa misma imagen del fuego y la invierte. Las llamas reales son el único elemento capaz de dañar y ahuyentar a la entidad. Esta inversión posee una potencia dramática que excede el efecto de género: el símbolo cambia de dueño. Las llamas dejan de ser el instrumento del altar y pasan a ser la respuesta de quienes el altar pretendía consumir. Destruir el templo implica destruir el mecanismo que hizo posible la culpa. Allí donde Aarón guardó silencio frente al sacrificio de sus hijos, Leviticus imagina una respuesta distinta: el fuego abandona el altar y encuentra otro destino. Finalmente, esas llamas caen sobre la hipocresía que aprendió a llamarse pureza, no sobre las víctimas.

La necesaria visibilidad

El cine de terror ha funcionado históricamente como reflejo de las ansiedades colectivas, y Leviticus ratifica esta condición al abordar el trauma de las terapias de conversión desde una perspectiva simbólica, pero sin eufemismos. Para la comunidad LGBTQ+, este tipo de representaciones posee un valor que va más allá de la crítica cinematográfica. Al emplear el horror corporal y psicológico, la película visibiliza el daño real que producen las prácticas de manipulación disfrazadas de fe, acompañamiento o corrección moral. El terror obliga al espectador a habitar la experiencia de quien aprende a considerarse una aberración.

La comunidad retratada convierte la vergüenza en una herramienta de disciplina. Primero enseña a sus miembros a desconfiar de sí mismos y luego transforma esa inseguridad en un mecanismo de vigilancia permanente. El monstruo es la manifestación física de ese proceso.

Sin embargo, Chiarella huye de la resolución simple. El cierre definitivo en el autobús, con los jóvenes compartiendo auriculares al ritmo de Self Control de Frank Ocean, rescata que la película es, ante todo, una resistencia romántica. Que el parásito de la culpa siga acechando a lo lejos desde los campos no anula la victoria de su escape: han aprendido que su afecto es demasiado real como para esconderlo.

No solo Aarón se quedó callado…

Leviticus (2026) consolida una lograda alegoría teológica sobre la intolerancia. Adrian Chiarella construye una fábula de horror donde la sociedad prefiere enmudecer ante la destrucción de sus hijos antes que aceptar su identidad. La película encuentra en la culpa, la obediencia y el silencio los pilares de su discurso. La gente calla, Naim delata, Arlene (Mia Wasikowska) obedece. Cada uno representa una forma distinta de colaboración con una estructura que exige sacrificios humanos para preservar su autoridad.

Cuando la doctrina devora la empatía, el silencio se vuelve cómplice del horror.

Leviticus (2026) disponible en los cines del país a partir del 25 de junio.

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Desde la llegada al recinto, quedó claro que HBO no escatimó en gastos para impresionar a los fanáticos. El plato fuerte de la ambientación fue la imponente réplica de un castillo que, emulando el poder de las bestias aladas, lanzaba llamaradas de fuego real hacia el cielo nocturno. La atmósfera mística y épica se completó gracias a la magistral interpretación de una orquesta sinfónica en vivo, la cual erizó la piel de todos los presentes al tocar los acordes de la emblemática banda sonora de la serie.

Para asegurar la comodidad de los invitados y una experiencia audiovisual óptima, la organización distribuyó el evento en varias alas especialmente acondicionadas para disfrutar de la función. En estas salas, la tensión se sentía en el aire mientras las luces se apagaban y nos preparábamos para sumergirnos de lleno en los conflictos de la dinastía de cabellos de plata.

El capítulo en sí cumplió con creces todo lo prometido y no decepcionó. El guion nos entregó una dosis perfecta de acción trepidante, muertes impactantes que nos dejaron al borde del asiento y, como era de esperarse, una imponente presencia de dragones y una dosis de incesto, porque sí… son Targaryen.

Tras el impactante y crudo cierre del episodio, el evento concluyó con un exclusivo after party diseñado para procesar las emociones de la noche y pasarlo bien. Entre música y conversaciones ansiosas sobre el futuro de la temporada, los asistentes cerramos una velada redonda que dejó la vara altísima y demostró que la danza de los dragones apenas está comenzando.

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La primera temporada de Séptima Fila comenzó en marzo con un capítulo centrado en dirección de cine junto a Carmen Castillo, Marialy Rivas y Carolina Moscoso. Continuó con un segundo episodio dedicado a la actuación con Catalina Saavedra, Gastón Salgado y Matías Catalán. Y un tercer capítulo enfocado en la animación chilena junto a Vivienne Barry, Cristóbal León, Hugo Covarrubias y Francisco Visceral. Después, en una función especial titulada “Cortocircuito”, se exhibieron cortometrajes de cada uno de los directores. El podcast contempla diez capítulos, con un nuevo episodio cada mes.

La iniciativa busca trasladar al formato digital una práctica que ha sido parte fundamental de Centro Arte Alameda desde sus inicios: generar espacios de encuentro, conversación y reflexión en torno al cine más allá de la proyección. Este proyecto es financiado por el Fondo de Fomento Audiovisual, Convocatoria 2025 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

ESTRENO: VIERNES 19 DE JUNIO A LAS 20:00

ESTRENO: VIERNES 19 DE JUNIO A LAS 20:00

Mira el cuarto capítulo de Séptima Fila:

Capítulo 4: Roser Fort, Alex Doll, Marcelo Morales y Catalina Marín

El cuarto capítulo de Séptima Fila reúne a cuatro figuras clave de la exhibición y la gestión cultural en Chile para conversar sobre el presente y futuro de las salas independientes. A lo largo del episodio se abordan temas como la formación de públicos, la programación cinematográfica, los cambios en los hábitos de consumo audiovisual, el paso del cine análogo al digital y los desafíos de sostener espacios culturales dedicados al encuentro en torno al cine.

Roser Fort es directora y cofundadora de Centro Arte Alameda, espacio que desde 1992 ha sido un referente de la exhibición independiente en Santiago. A lo largo de más de tres décadas ha impulsado una programación centrada en el cine de autor, la diversidad cultural y la generación de espacios de encuentro, consolidando al Centro Arte Alameda como uno de los proyectos culturales más emblemáticos del país.

Alex Doll es fundador y director de Cine Arte Normandie, una de las salas de cine arte más antiguas y reconocidas de Chile. Desde 1982 ha contribuido a la difusión del cine de autor, la formación de audiencias y la construcción de una identidad cinéfila en Santiago, convirtiendo al Normandie en un espacio fundamental para generaciones de espectadores.

Marcelo Morales es periodista, investigador y director de la Cineteca Nacional de Chile. Desde esta institución lidera el trabajo de preservación, restauración y difusión del patrimonio audiovisual chileno, promoviendo además el acceso ciudadano al cine a través de exhibiciones, plataformas digitales y programas de formación de públicos.

Catalina Marín es montajista, cineasta y directora ejecutiva del Centro de Cine y Creación (CCC), espacio interdisciplinario y cine de barrio ubicado en Santiago. Su trabajo ha estado enfocado en vincular el cine con el territorio, impulsando iniciativas que fortalecen la participación comunitaria y el acceso a experiencias culturales desde una perspectiva cercana y colaborativa.

ESTRENO: VIERNES 19 DE JUNIO A LAS 20:00

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La película retoma uno de los temas centrales de la franquicia: el miedo de los juguetes a ser olvidados. Pero esta vez el conflicto se actualiza para dialogar con una realidad muy distinta a la que enfrentaban Woody y sus amigos cuando comenzó la saga. Los niños ya no solo dejan atrás los juguetes porque crecen; ahora también lo hacen porque gran parte de su tiempo está absorbido por tablets, teléfonos y otros dispositivos electrónicos.

Lo interesante es que la película no utiliza esta premisa para construir un discurso nostálgico o una crítica simplista a la tecnología. Por el contrario, plantea una conversación sobre cómo los niños necesitan espacios para desarrollar su imaginación y creatividad, encontrando eventualmente una convivencia entre ambos mundos. Los juguetes comprenden que la tecnología no es el enemigo, sino una herramienta que también puede formar parte del juego cuando existe un equilibrio saludable.

A diferencia de otras entregas, el protagonismo recae principalmente en Jessie. La vaquera se convierte en el corazón emocional de la historia y en el personaje que impulsa gran parte de la acción. Buzz Lightyear también recupera una presencia relevante dentro del grupo, mientras que Woody adopta un rol más secundario y complementario. Lejos de sentirse como una ausencia, este cambio permite refrescar la dinámica de la saga y explorar nuevas perspectivas dentro de un universo que parecía haber contado todas sus historias.

La película también encuentra sensibilidad en la relación con su nueva protagonista humana, una niña que parece sentirse diferente a los demás. Mientras muchos de sus compañeros prefieren las pantallas, ella encuentra en los juguetes un espacio para expresarse y desarrollar su imaginación. A través de ella, la película reflexiona sobre la importancia del juego en una época donde la creatividad muchas veces compite con el consumo constante de contenido digital.

Sin reinventar por completo la fórmula, Toy Story 5 consigue actualizarla. Es una película consciente de los cambios culturales y tecnológicos que han transformado la infancia, pero que al mismo tiempo recuerda por qué jugar sigue siendo una experiencia fundamental. Contra todo pronóstico, esta nueva entrega demuestra que todavía había una historia valiosa por contar dentro de este universo.

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Su vida cambia cuando, durante una boda, conoce a una estrella de la música. Entre conversaciones y canciones compartidas, el protagonista muestra una de sus composiciones… que termina convertida en un éxito global sin que él reciba crédito ni beneficio económico. A partir de ahí, la película se transforma en una historia sobre autoría, apropiación y la tensión entre talento y sistema.

En ese universo aparece Nick Jonas, quien interpreta a Danny Wilson, un músico atrapado entre la presión de la industria y la necesidad de encontrar una voz propia.

En conversación con Mundo Películas, Nick Jonas aborda uno de los ejes centrales del film: el choque entre libertad creativa y presión comercial, un dilema que conoce bien desde su propia carrera en la música: “Las veces en que una canción ha conectado con el mundo han sido momentos en los que me he sentido realmente libre creativamente”, explica. “Más abierto, menos preocupado por las listas o la recepción crítica”.

En el marco de la composición, el actor y músico, habla sobre el gran desafío de aprender a desconectarse del ruido externo, en mundo cargado de ello: “Tienes que encontrar la manera de mantener ese ruido detrás de ti. Y simplemente dirigir la orquesta, no tener miedo de darle la espalda al público en ese sentido. El público es la presión, la sensación de que tienes que mantener el nivel. Hay que volver a algo auténtico, a lo que realmente eres y a la historia que quieres contar”.

John Carney y la música como narrativa

Otro de los puntos que atraviesa la conversación es la colaboración con John Carney, un director que ha convertido la música en una extensión directa del relato emocional de sus personajes, donde Jonas lo resume con gran admiración: “He sido siempre un gran fan de sus películas. Hace un trabajo maravilloso integrando la música dentro de la narrativa, como si fuera parte del lenguaje emocional de la historia, empujando la historia hacia adelante”.

El actor también destaca que el guion de Power Ballad le sorprendió desde la primera lectura. “Me impactó. Creo que es distinto a lo que él suele hacer. Las temáticas son diferentes, pero te hace hacerte preguntas muy interesantes y difíciles sobre lo que harías en esa situación”.

Entre la industria y la identidad

En el corazón de Power Ballad late una pregunta incómoda: qué ocurre cuando el talento individual se enfrenta a la maquinaria de la industria musical. Jonas reconoce que ese conflicto es más actual que nunca, especialmente en un contexto donde incluso la inteligencia artificial empieza a entrar en la creación musical.

Sin embargo, más allá de la tecnología o las estructuras de mercado, la respuesta que propone la película vuelve a lo esencial: la autenticidad como punto de partida.

Conoce todos los detalles de esta entrevista aquí:

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Esta semana, HBO Max concentra su programación en un paquete de estrenos que mezcla grandes regresos, terror y nuevas apuestas de no ficción. El foco principal vuelve a estar en Westeros con el estreno de la tercera temporada de La casa del dragón, la precuela de Juego de Tronos que continúa expandiendo el conflicto interno de los Targaryen y la ya conocida división entre el consejo verde y el consejo negro. Ambientada dos siglos antes de los eventos de la serie original, la producción sigue profundizando en la guerra por el Trono de Hierro, ahora con Rhaenyra Targaryen y el rey Aegon II como figuras centrales de una disputa que escala tanto en lo político como en lo familiar.

La temporada, basada en el universo de Fuego y sangre de George R. R. Martin, vuelve a contar con Emma D’Arcy, Olivia Cooke y Matt Smith encabezando el reparto, en una historia donde las lealtades se vuelven cada vez más inestables y la idea de legitimidad se sostiene más en estrategia que en derecho. La serie mantiene su equipo creativo con Ryan Condal como showrunner, acompañado por la producción ejecutiva de George R. R. Martin, entre otros nombres clave del equipo de desarrollo.

En esta nueva temporada, la serie vuelve a sostenerse en algo que ya se ha vuelto parte de su identidad, la guerra como un proceso progresivo de desgaste, más que como una sucesión de grandes batallas. La tensión entre el consejo verde y el consejo negro no se limita a decisiones políticas en abstracto, sino que se filtra en cada relación, incluso en aquellas que antes parecían más estables. La sensación es que ya no hay espacios neutrales dentro de la historia; todo gesto termina teniendo una lectura estratégica, aunque los personajes no siempre lo verbalicen.

En paralelo al estreno, HBO Max también lanzará el podcast oficial de La casa del dragón, una extensión del universo de la serie que busca profundizar en los detalles de la temporada y sus decisiones narrativas, ampliando la experiencia más allá de la pantalla.

LA CASA DEL DRAGÓN, Temporada 3

Estreno: 21 de junio

Sinopsis: La cuenta regresiva para volver a Westeros ha comenzado. La serie regresa con su tercera temporada que enfrentará a la Reina Rhaenyra Targaryen y el consejo negro con el consejo verde, defendiendo el reinado del Rey Aegon II. Basada en “Fuego y Sangre” de George R.R. Martin, la serie, ambientada 200 años antes de los acontecimientos de JUEGO DE TRONOS, cuenta la historia de la Casa Targaryen.

Elenco: Matt Smith, Emma D’Arcy, Olivia Cooke, Steve Toussaint, Rhys Ifans, Fabien Frankel, Ewan Mitchell, Tom Glynn-Carney, Sonoya Mizuno, Harry Collett, Bethany Antonia, Phoebe Campbell, Phia Saban, Jefferson Hall, Matthew Needham, Tom Bennett, Kieran Bew, Kurt Egyiawan, Freddie Fox, Clinton Liberty, Gayle Rankin y Abubakar Salim.

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La película sigue a Tova, una mujer marcada por la pérdida que trabaja en un acuario y cuya rutina parece haberse convertido en una forma de sobrellevar la ausencia. Sin embargo, gran parte de la atención termina concentrándose en Marcellus, un pulpo extraordinariamente inteligente que habita uno de los estanques del recinto. A través de sus observaciones y de su relación con quienes lo rodean, la película construye una reflexión inesperadamente sensible sobre los animales y la manera en que solemos percibirlos.

Lo interesante es que Criaturas luminosas no cae en la tentación de humanizar excesivamente a su protagonista marino. No intenta convencernos de que piensa exactamente igual que nosotros ni transforma su comportamiento en una caricatura. Lo que hace es mucho más efectivo porque nos recuerda que existe una inteligencia distinta a la humana, una forma diferente de experimentar el mundo, que no por ser diferente es menos compleja.

Durante años la humanidad se acostumbró a mirar a los animales desde una posición de superioridad. Se les observa en zoológicos, acuarios o parques marinos como si fueran parte de una exhibición diseñada para nosotros. La película pone esa lógica en cuestión sin necesidad de discursos ni consignas. Basta con observar a Marcellus desplazarse por su espacio, reaccionar a lo que ocurre a su alrededor y demostrar una curiosidad constante por el mundo exterior para que aparezca una pregunta inevitable: ¿qué significa realmente mantener a un ser así encerrado? Marcellus solo quiere su libertad.

Esa sensación atraviesa buena parte de la película. Aunque el cautiverio nunca se convierte en un tema explícito, está presente en cada rincón del relato. Marcellus vive protegido, alimentado y cuidado, pero sigue existiendo una distancia enorme entre sobrevivir y vivir. La película parece entender que ambas cosas no son necesariamente lo mismo.

Quizás por eso algunos de sus momentos más emotivos no tienen que ver con los grandes giros argumentales, sino con instantes mucho más pequeños: una mirada, una reacción, una muestra de curiosidad. Son escenas que funcionan porque apelan a algo que la ciencia lleva años intentando demostrar y que muchas personas ya intuían, que los animales poseen vidas interiores más complejas de lo que solemos admitir. Tienen memoria, resuelven problemas, desarrollan vínculos y responden emocionalmente a su entorno.

En el caso de los pulpos, esa idea resulta todavía más fascinante. Son criaturas radicalmente distintas a nosotros desde el punto de vista evolutivo y, aun así, exhiben niveles sorprendentes de inteligencia. Criaturas luminosas aprovecha esa particularidad para construir una historia donde la empatía surge precisamente de las diferencias. No conectamos con Marcellus porque sea como nosotros, sino porque entendemos que también tiene deseos, necesidades y una forma propia de habitar el mundo.

La película encuentra ahí sus momentos más poderosos. No cuando intenta resolver los conflictos humanos, sino cuando invita a detenerse y observar a una criatura que normalmente miraríamos detrás de un vidrio durante unos segundos antes de seguir caminando, o que algunos incluso ponen en sus platos. Hay algo profundamente melancólico en esa idea, porque la posibilidad de que tantos animales pasen gran parte de sus vidas siendo observados sin que realmente intentemos comprenderlos y sin entender el maltrato, es realmente frustrante.

Después de ver Criaturas Luminosas, resulta difícil volver a pensar en los acuarios, zoológicos o espacios de exhibición animal exactamente de la misma manera. No porque la película adopte una postura militante, sino porque logra despertar la empatía suficiente para preguntarnos cómo experimentan ellos una realidad que siempre hemos descrito desde nuestra perspectiva.

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Tras su exitoso paso por Argentina, llega a Chile “Empieza con D, siete Letras”, la aplaudida comedia escrita por Juan José Campanella, director de la película ganadora del Oscar “El Secreto de sus Ojos”, junto a Cecilia Monti, que conquistó al público trasandino y ahora tendrá su versión local.
 
La obra está protagonizada por Bastián Bodenhöfer (“Luis”), Marcela del Valle (“Miranda”), César Sepúlveda (personaje sorpresa) y Miyali Irigoin Labbé (“Carmen”), bajo la dirección de Alexis Moreno, fundador de la compañía Teatro La María y una de las figuras más destacadas del teatro chileno contemporáneo.
 
Ganadora del Premio Martín Fierro a Mejor Dramaturgia, la comedia aborda con humor y sensibilidad una interrogante profundamente humana: ¿es posible volver a empezar cuando la vida te obliga a cambiar de rumbo?
 
Con humor, sensibilidad y una mirada aguda sobre las relaciones humanas, “Empieza con D, siete Letras” explora los vínculos, las segundas oportunidades y el desafío de reinventarse. La historia sigue el inesperado encuentro entre un médico cardiólogo viudo y una profesora de yoga, quienes, desde mundos muy distintos, deberán enfrentarse a sus pérdidas, anhelos y posibilidades de cambio.
 
A través de momentos conmovedores, situaciones hilarantes y encuentros inesperados, la obra invita a reflexionar sobre el duelo, la soledad, la necesidad de conectar con otros y las oportunidades que la vida aún nos reserva. Una historia cercana, emotiva y profundamente humana que recuerda que nunca es tarde para volver a empezar.

“Empieza con D, siete Letras”
Teatro Mori Vitactura, desde el jueves 26 de junio en funciones jueves, viernes y sábado a las 20.00 horas.
Entradas a la venta en el siguiente enlace

Ficha Técnica:
Autoría: Juan José Campanella y Cecilia Monti
Director: Alexis Moreno
Compañía: Fundación Cultural Irrumpir
Elenco: Bastián Bodenhöfer, Marcela del Valle, César Sepúlveda y Miyali Irigoin Labbé
Producción: Marcela del Valle y Cote Ceballos
Escenografía: Andrea Carolina Contreras
Difusión: Agenciarrr y Cactus Medios
Duración: 105 minutos
Edad recomendada: +14 años

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