La exhibición se realizó en la Cineteca Nacional, un espacio que, por contraste, intensifica la experiencia: un entorno cuidado, estético, casi perfecto, enfrentado a una realidad que está lejos de serlo. Esa tensión no es casual. Es parte del discurso.

La ironía de “Chile nunca queda mal con nadie»

El título inevitable aparece desde la cultura popular. Jorge González lo dijo hace décadas, pero hoy su frase resuena con otra densidad. Chile proyecta una imagen de apertura, pero el documental evidencia una fractura interna: acogemos hacia afuera, pero tensionamos hacia adentro.

Lo que plantea González no es solo una crítica cultural, es un diagnóstico país. Y este documental lo actualiza con crudeza.

Crisis migratoria en Chile: del discurso a la realidad

El relato se sitúa en el contexto de 2021, durante el gobierno de Sebastián Piñera, cuando se promovía una narrativa de acogida hacia migrantes venezolanos. Sin embargo, la pregunta que instala el documental es directa: ¿dónde quedó esa promesa?

La respuesta está en el territorio. En el norte de Chile, particularmente en Iquique y el desierto de Atacama, la realidad es otra: precariedad, abandono estatal y una convivencia social tensionada al límite.

Fake news y xenofobia: el verdadero detonante

Uno de los ejes más sólidos del documental es el rol de la desinformación. Las fake news no solo amplifican el conflicto, lo moldean. Instalan miedo, simplifican el problema y generan un enemigo fácil: el migrante.

Aquí hay una lectura estratégica clave: la xenofobia no surge de forma espontánea. Se construye. Se alimenta de narrativas digitales que, en muchos casos, no resisten contraste con la realidad.

Más que un documental: una experiencia incómoda

Sebastián González no busca posicionarse ideológicamente. Su propuesta es más efectiva: exponer. Mostrar sin filtro lo que ocurre en campamentos, en rutas migratorias y en espacios donde el Estado llega tarde o simplemente no llega.

El resultado no es empatía superficial. Es incomodidad. Es salir del cine con una pregunta más que con una respuesta.

Y ahí está su valor.

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La película marca el primer proyecto de Alberdi producido en México. La directora es dos veces nominada al Oscar por El agente topo (2021) y La memoria infinita (2024), además de ganadora del Vanguard Award en el Festival de Sundance 2024. En Berlín presentará el estreno mundial de esta nueva obra.

El documental sigue la historia de Alejandra, una mujer que desea con fuerza ser madre y que lidia con la presión constante de su entorno para lograrlo. Ante esa carga decide fingir un embarazo, y lo que comienza como una mentira menor se transforma en una farsa que debe sostener durante meses frente a su esposo y su familia. La situación termina desbordándose, provoca un escándalo mediático y hace imposible mantener la ficción.

“Ser parte del Festival de Berlín es especialmente significativo, porque es un espacio donde el cine no solo se exhibe, sino que se discute y se tensiona, y donde las preguntas incómodas encuentran un lugar para ser compartidas. Este documental nace de cuestionarse ¿Qué pasa cuando una expectativa social se vuelve tan opresiva que alguien siente que mentir es la única forma de pertenecer?”

Un hijo propio
llegará solo a Netflix este año.

Acerca de Un hijo propio:
Dirección: Maite Alberdi
Guión: Julián Loyola y Esteban Student
Producción: Sandra Godinez, Carla González Vargas, Maximiliano Sanguine
Elenco: Ana Celeste Montalvo Peña, Luisa Guzmán, Armando Espitia, Mayra Sérbulo, Casio
Figueroa, Alejandro Porter, con Mayra Batalla y Ángeles Cruz.

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La película Esa otra selva blanca, dirigida por Teresa Arredondo, obtuvo el premio a Mejor película de la Competencia Nacional. En la Competencia Internacional, el galardón principal fue para Partition, dirigida por la cineasta Diana Allan.

Además, el corto Secreto de cabeza, de Matía Lorenzo, fue premiado como Mejor corto emergente, mientras que la Mejor ópera prima recayó en Al oeste, en Zapata, del director David Bim.

Funciones especiales de las películas premiadas

Las películas galardonadas tendrán funciones especiales hoy miércoles 26 de noviembre desde las 16:00 horas en las siguientes sedes:

• Sala Cine Centro de Extensión UC
• Cineteca Nacional de Chile
• Sala K / U. Mayor

La ceremonia de clausura se realizó en Sala K / U. Mayor a sala completa. Tras la premiación se exhibió With Hasan in Gaza, del cineasta palestino Kamal Aljafari. La película tendrá una segunda función hoy en Centro Arte Alameda – Sala CEINA a las 20:30 horas.

Un FIDOCS 2025 con más de 60 títulos

FIDOCS 29 presentó más de 60 obras nacionales y latinoamericanas. La programación incluyó:

• Competencias Nacional, Internacional y Cortos Emergentes
• Focos dedicados a Jessica Sarah Rinland, Su Hui-Yu y Cecilia Mangini
• Funciones especiales con obras de Lucrecia Martel, Werner Herzog, Laura Poitras y Gianfranco Rosi
• Exhibición al aire libre en Paseo Bulnes con Ghost Elephants, de Werner Herzog

Se consolidó así una de las ediciones más diversas del festival en los últimos años.

Películas premiadas y palabras del jurado

Mejor película Competencia Nacional

Esa otra selva blanca – Teresa Arredondo
Premiada por “una estrategia narrativa audaz que se instala en una deriva que recuerda que somos presente y memoria.”

Jurado: Yuliia Kovalenko, Carlos Flores y Alicia Cano.

Mejor película Competencia Internacional

Partition – Diana Allan
Destacada por ser “una obra de profunda sensibilidad, claridad política y valentía cinematográfica.”

Mención Especial Internaciónal

Shifting Baselines – Julie Elie
El jurado valoró su reflexión sobre el impacto permanente de la guerra en la naturaleza y la percepción humana.

Jurado: Antoine Thirion, Jessica Sarah Rinland y Catalina Vergara.

Mejor corto emergente

Secreto de cabeza – Matía Lorenzo
Premiado por articular archivos audiovisuales y testimoniales que revelan la subjetividad de un paciente psiquiátrico.

Mención Especial cortos emergentes

Te llamarás Pablo – Pablo Vergara E.
Reconocido por su diálogo entre memoria familiar e historia reciente del país.

Jurado: Sofía Paoli Thorne, Aníbal Jofré y Florencia Dupont.

Mejor ópera prima

Al oeste, en Zapata – David Bim
Destacada por su propuesta visual y sensorial que construye una atmósfera hipnótica.

El Jurado Joven estuvo presidido por Roberto Collío.

Sobre FIDOCS 2025

El Festival Internacional de Documentales de Santiago es uno de los principales encuentros del cine documental en Chile y Latinoamérica. Cada año convoca a realizadores, estudiantes, programadores y profesionales del sector audiovisual. La programación completa del festival y el listado del Jurado Joven pueden consultarse en www.fidocs.cl.

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Masha: entre el modelaje, el vacío y la búsqueda de sentido

La historia nos lleva al mundo de Masha, una joven modelo cuyo sueño es trabajar en China. Sin embargo, su vida se ve atrapada entre lo visible y lo interno: una soledad profunda, una familia disfuncional y una tristeza silenciosa que condiciona sus decisiones. White Snail observa sin juzgar, mostrando cómo la desconexión emocional puede volver difícil encontrar motivos para quedarse.

Industria del modelaje y presión social

Ingresar al modelaje nunca ha sido sencillo: exigencias físicas, prejuicios y competencia constante. Masha lo disfruta, se nota en pantalla, pero hay algo que la detiene. No es inseguridad ni falta de talento; es la distancia entre querer brillar y sentir que se merece hacerlo. Ese matiz sostiene gran parte del conflicto del film.

Misha, la morgue y la fascinación por lo desconocido

Masha conoce a Misha, un joven trabajador de la morgue. La amistad parece una salida, pero la película revela algo más complejo: lo que a ella la atrae no es él, sino su cercanía con la muerte, con ese otro plano que imagina como descanso, escape o respuesta. Es un vínculo narrativo potente, inquietante y muy humano.

Una experiencia visual: arte, metáforas y contemplación

White Snail destaca por su belleza fotográfica: colores, composiciones, texturas, paisajes y silencios que hablan más que los diálogos. El lenguaje visual se vuelve protagonista y convierte la película en un lienzo en movimiento lleno de metáforas interpretables.

Empatía como último gesto de humanidad

El film invita a reflexionar sobre cómo empatizamos: una madre que teme soltar, un amigo que no sabe ayudar, una protagonista que solo quiere sentirse libre. No sabemos qué hay después de la vida, pero White Snail recuerda algo básico: todos cargamos preguntas, miedos y búsquedas distintas.

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Un Congo detenido en el tiempo

El documental abre en 1909, relatando la vida natural en la República Democrática del Congo. Y qué paisajes más bellos. Baloji muestra cómo funciona la flora, los beneficios de sus árboles, sus usos medicinales y su vínculo cotidiano con las comunidades. Incluso aprendemos cómo partes del árbol sirven como carnada para pescar. La naturaleza, aquí, no es decoración: es patrimonio cultural.

El viaje del autor según Sammy Baloji

El viaje no siempre implica tomar una maleta o subirse a un avión. También puede ser un desplazamiento espiritual o personal. Baloji revisita su ciudad natal para mostrar cómo fue afectada durante la Primera Guerra Mundial: secuestros, destrucción ambiental y miedo instalado en la población congoleña. Su relato conecta historia, identidad y territorio sin caer en el panfleto.

El plot twist del documental

Los últimos segundos nos volaron la cabeza. El protagonista nunca fue humano. Era Lilenko, el árbol más importante del Congo. Durante 45 años, este árbol ha observado cambios climáticos, transformaciones sociales y decisiones humanas que impactan el entorno. La naturaleza es la única capaz de verlo todo: nacimiento, crecimiento y desaparición. La responsabilidad ambiental vuelve a nuestras manos.

“Yo realmente no necesito a la gente, pero la gente necesita de mí”, decía Julia Roberts en la campaña Nature is Speaking(2014). Aquí cobra nuevo sentido.

Por qué “La autenticidad del árbol” importa

El documental articula memoria histórica, crisis ambiental y mirada territorial. Y lo hace desde el cine. Baloji recuerda por qué el documental sigue siendo una herramienta política, cultural y ecológica.

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En la ceremonia de inauguración, Antonia Girardi, directora artística del festivaldestacó que “la selección de FIDOCS 29 está pensada como un viaje sensorial -cargado de historias impensadas, personajes atípicos y emociones intensas- que ausculta los conflictos actuales de nuestro planeta: la catástrofe ecológica, los resabios históricos y actuales de la violencia colonial, la brutalidad de la guerra, el despojo y el exilio, las relaciones familiares, la emergencia de nuevas subjetividades e identidades de género. La invitación es a explorar la programación que este año es particularmente rica y diversa, con obras provenientes de 35 países, y a venir a la sala de cine para dejarse transportar por cada uno de los universos propuestos”.

La invitada de honor, Lucrecia Martel, quien presentó la película inaugural Nuestra tierra, agregó “si han sufrido insomnio, recurrir a pastillas y ser medicados, si han tenido que volver a hacer terapia y gastar plata en terapia, si han sentido que viene el apocalipsis, que el futuro es una desgracia, sepan que nosotros, y estoy segura que muchos de ustedes, creemos que, más que nunca, el cine puede ayudarnos a transformar el futuro para nuestros países».

FIDOCS 29 llega con más de 60 títulos, estrenos latinoamericanos y nacionales que se exhibirán en las diferentes secciones del Festival: Competencia nacional, Competencia internacional y Competencia nacional de cortos emergentes; las Funciones especiales, los focos dedicados a: Jessica Sarah Rinland, Su Hui-Yu y Cecilia Mangini, la muestra Ventana Docudays UA y las proyecciones de FIDOCS Expandido. 

Entre las Funciones especiales, destaca el estreno en Chilede Cover-Up, thriller político de Laura Poitras y Mark Obenhaus sobre el reportero estadounidense ganador del Pulitzer -quien reveló el rol de la CIA en Chile- Seymour Hersh; Sotto le nuvole de Gianfranco Rosi, una meditación visual sobre Nápoles estrenada en Venecia; y O Riso e a Faca de Pedro Pinho, premiada en Cannes. La memoria política chilena está presente en Cartas a mis padres muertos de Ignacio Agüero. También, se podrán ver tres ensayos sobre cultura visual: Videoheaven de Alex Ross Perry, que rescata al videoclub como un espacio fundamental para la cultura cinematográfica; Monk in Pieces deDavid C. Roberts y Billy Shebar,retrato coral de la compositora y artista multidisciplinaria Meredith Monk que se exhibe en alianza con el Festival Internacional de Cine y Documental Musical IN-EDIT Chile; y Paul de Denis Côté, que sigue a un hombre depresivo que encuentra redención limpiando casas de dominatrices, compartiendo su experiencia en Instagram.

Y como es tradición del festival, este sábado 22 de noviembre a las 21:00 horas, habrá una nueva Función al aire libre y gratuita en el Paseo Bulnes donde se proyectará Ghost Elephants del legendario director alemán, Werner Herzog. Su más reciente trabajo fue estrenado en el Festival de Venecia y sigue el rastro de una esquiva manada de “elefantes fantasma” en conjunto con un equipo de expertos rastreadores de Namibia.

Mientras este año, el espacio interdisciplinarios del festival, FIDOCS Expandido, hace foco en tres experiencias: el cortometraje Lengua muerta de José Jiménez, la obra experimental Dipolo fase III de Carolina Adriazola y José Luis Sepúlveda -quese exhibirán en una función dobleel sábado 22 de noviembre a las 20:15 horas en Sala K / U. Mayor- y la Videoperformance: El Estado soy yo de Carlos Flores y Sebastián Arriagada, actividad abierta a todo público que se realizará en el marco de Escuela FIDOCS y que ya agotó sus cupos.

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Un repaso por los ídolos del club

El documental reúne a más de veinte emblemáticos futbolistas históricos del equipo, entre ellos Carlos Caszley, Leonardo Véliz, Esteban Paredes, Humberto “Chita Cruz” y Arturo Vidal. Junto a ellos, la cinta también cuenta con las apariciones extraordinarias de hinchas y amigos del club, como Daniel Alcaino, Princesa Alba y Juan Mancilla.

Más allá del fútbol

En conversación con Mundo Películas, el director Fernando Lavanderos y el coproductor ejecutivo Rodolfo Gárate explicaron este nuevo desafío cinematográfico. Lavanderos señala que “Siempre fue un desafío importante hacer esta película, porque efectivamente, transciende para mucha gente”.

La idea del director es involucrarse «en este arraigo familiar que pasa de generación en generación». Rodolfo Gárate complementa que la pasión por el equipo «es algo que se vive en la piel» , y que la película promete llegar al corazón de cada familia.

David Arellano, el Eterno

La historia comienza con David Arellano, a quien el documental identifica como el «eterno». El actor Benjamín Vicuña tiene la misión de interpretar a Arellano y dar vida a su legado. «La fundación del club es un capítulo muy único y muy relevante», destaca la producción. «Es una historia épica y particular que se diferencia a muchos clubs».

El equipo de producción priorizó mostrar el lado humano de cada jugador. “Siempre buscamos la humanidad, por eso quisimos entrevistar a todos en sus casas», explican. «Queríamos que nos contarán un poco más de ellos, que se vieran primero como personas y luego como jugadores”.

Un legado para las nuevas generaciones

El documental recorre la historia desde 1925 en el Estadio Magallanes hasta el 2025 en el Estadio Monumental. La cinta desarrolla cinematográficamente hitos como las Copas Libertadores de 1973 y 1991, y la Copa Sudamericana.

El objetivo es transmitir a las nuevas generaciones lo que no vivieron. “Es súper importante para las nuevas generaciones ver esta película porque pueden entender y conocer la historia del Colo-Colo y la historia de Chile en estos 100 años”.

Esta historia sigue escribiéndose y, según sus realizadores, «Este documental se va a transformar en un patrimonio para los próximos 100 años.

Eterno: En cines a partir del 30 de octubre.

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En Mundo Películas pudimos conversar con sus directores, quienes compartieron las claves detrás de la investigación, su mirada sobre el poder punitivo y el impacto social que esperan generar con esta obra. A través de una narrativa sostenida y un acceso inédito al interior de las cárceles, construyen un retrato que interpela tanto a la política pública como a la conciencia ciudadana.

“No importa en qué país estés. Si encierras a personas en secreto, sin mecanismos de control, van a ocurrir cosas terribles”.
— Andrew Jarecki

El seguimiento prolongado durante seis años permite que el documental trascienda la anécdota y se convierta en evidencia. Charlotte Kaufman destaca esta decisión metodológica como el núcleo de la propuesta narrativa. Las imágenes grabadas por los propios internos, combinadas con entrevistas en profundidad, revelan patrones de abuso sistemático difíciles de refutar. El tiempo se vuelve herramienta periodística: cada historia individual se conecta con un entramado mayor que expone la estructura del poder estatal y sus mecanismos de negación.

“Cuando puedes seguir la experiencia de individuos durante seis años, obtienes un nivel de comprensión que ningún informe escrito puede darte”.
— Charlotte Kaufman

El documental también ofrece un análisis político preciso. Jarecki describe cómo la negación estatal funciona como engranaje central de esta maquinaria: las instituciones se blindan frente a la evidencia, destinando recursos a defender abusos en lugar de transformarlos. Kaufman complementa esta mirada al subrayar cómo la deshumanización de las personas privadas de libertad alimenta un sistema que prioriza contratos e infraestructura sobre rehabilitación y seguridad real. Esta lectura sitúa a The Alabama Solution más allá del periodismo de denuncia: se trata de una radiografía estructural del poder punitivo en acción.

“La mayor amenaza para los hombres dentro de esas prisiones es la negación del Estado”.
— Andrew Jarecki

“El sistema deshumaniza a las personas. Se las uniforma, se las vuelve invisibles y se les trata como una masa indistinta”.
— Charlotte Kaufman

El documental interpela al espectador desde un lugar agudo. Lejos de buscar conmover mediante recursos efectistas, The Alabama Solution instala preguntas que resuenan más allá del territorio estadounidense: ¿qué ocurre cuando el encierro se convierte en un espacio sin fiscalización? ¿Cómo se construyen políticas públicas cuando la violencia institucional se asume como parte del paisaje? Jarecki y Kaufman presentan una pieza que exige atención, cuestiona discursos simplistas de “mano dura” y expone las consecuencias sociales de sistemas centrados en el castigo.

Disponible en HBO y HBO Max, este documental representa una experiencia necesaria para quienes buscan entender cómo se construye el poder desde las sombras de un sistema penitenciario

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El documental, Yo no canto por cantar, encanta con su narrativa de inicio a fin. Nos sumerge en la experiencia de las cantoras campesinas, cómo una tradición que pasa de generación en generación, de abuela a madre, de madre a hija, un acto cargado de un patrimonio inmaterial, pero que, a su vez, nace como un remedio para un dolor, que es fruto de la violencia. 

La poeta y cantora Mauricia Saavedra nos guía en esta aventura. Abre las puertas de su chacra y de su sentir materializado en canto. Con su guitarra de palo en mano y a través de entrevistas distendidas, nostálgicas y esperanzadoras, nos presenta a quienes frecuentan los encuentros de mujeres cantoras.

De a poco, se comprende que ese canto emerge de aquellas opresiones y violencias arraigadas en el cuerpo y alma: la iglesia, la familia y el Estado se expresan como aquellas instituciones que coartan la libertad y derecho femenino, acrecentado por el espacio rural y el peso de la historia.

Por la belleza y dulzura que transmite el documental, agradezco a Mauricia. Logra abordar problemáticas y situaciones complejas con paz y armonía. Es admirable la forma en la que insta a las otras mujeres a cantar y relatar su historia, sus memorias. Al finalizar cada charla, con empatía y cariño, dedica un canto a cada una de ellas.

Vemos cómo la poeta escribe sus versitos sinceros entre pastizales y cultivos. En paralelo, Ana L’Homme, comenta e interpreta esta realidad oculta para el centralismo santiaguino. Ello refleja ese ambiente tan íntimo que la directora decide compartir con el lente, el cual juega entre planos fijos y la cámara en mano. Esta es una historia sincera y personal, la directora y las cantoras nos dan un pedacito de sus vidas, lo cual es un privilegio.

Lo único que podría criticar respecto a la obra, es la fotografía. Si bien, existen planos y encuadres memorables y hermosos, creo que la escenografía, el contexto y los espacios permiten una apuesta más arriesgada, que esté a la altura de la complejidad del relato.

Pese a ser una historia sensible y emocionante, es una experiencia que llena el alma. Nuevamente, agradezco la oportunidad y el privilegio de experimentar este documental. Yo no canto por cantar, una frase que hace honor al contenido del film. A más de alguno se le caerá una lágrima y no despegará un ojo de la pantalla; pero les aseguro que abandonarán la sala con el corazón contento.

Ana y Mauricia se encargan de mantener una tradición viva, de un imponente trasfondo. Un homenaje a las mujeres rurales y al canto popular, el cual expande aquel patrimonio de Violeta.

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Giras nacionales e internacionales

Después del estreno, la producción realizó una gira nacional en alianza con la ANEF. Recorrió las 16 regiones de Chile con 18 funciones acompañadas de conversatorios y actividades culturales.

En 2023, el documental llegó a Noruega, Suecia, Holanda, España e Italia. Se presentó en espacios emblemáticos como el Instituto Cervantes de Estocolmo, donde recibió una cálida acogida por parte de comunidades migrantes y organizaciones culturales.

Durante 2024, el equipo viajó a Canadá para dos funciones en Montreal y Quebec. La comunidad chilena y la Fundación Salvador Allende impulsaron esta presentación. Un año más tarde, en 2025, con apoyo de ProChile y la Embajada de Chile, la obra se exhibió en el Centro Cultural Matta en Buenos Aires.

Reconocimiento internacional

La película alcanzó presencia en nueve festivales internacionales. Entre ellos destacan el Paris International Film Awards(Francia), el Roma Short Film Festival (Italia), el Montreal Independent Film Festival (Canadá) y el Festival Internacional de Cine Político (Argentina). Este último le otorgó una mención honrosa del jurado, destacando su valor cultural y político.

Un hito en el Congreso Nacional

Otro momento histórico ocurrió en el hemiciclo de la Cámara de Diputadas y Diputados. El documental se convirtió en la primera obra proyectada oficialmente en ese espacio. La sesión conmemorativa reconoció su aporte a la cultura y los derechos humanos, marcando un precedente para el cine documental chileno.

Próximos proyectos

El equipo de BOVA Producciones ya trabaja en nuevas iniciativas. Entre ellas destaca un documental sobre Tucapel Jiménez en colaboración con Suecia, y otro sobre Ana González, figura emblemática de la defensa de los derechos humanos.

Además, preparan un largometraje de ficción sobre Elías Figueroa, ícono del fútbol chileno, en coproducción con Brasil y Uruguay. También desarrollan el piloto del programa infantil PinPanPan y un nuevo formato juvenil junto a TVN. Estos proyectos buscan expandir el alcance narrativo de la productora, manteniendo el foco en historias con identidad y memoria.

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