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Inspirada en el concepto griego de la katábasis: el descenso al inframundo, la experiencia nos invita a recorrer túneles, espacios olvidados y rincones invisibles de la metrópolis neoyorquina. Sin embargo, este experimento no es solo una exploración urbana porque se te transporta una dimensión mucho más humana y reflexiva. Su director, nos muestra ese mundo bajo las calles de Nueva York pero con una forma mucho más interesante y profunda de observarlo.

A lo largo del recorrido aparecen figuras humanas que emergen de la oscuridad para compartir fragmentos de sus vidas. Son personas que habitan estos espacios, trabajan en ellos o simplemente existen lejos de las miradas de la superficie. La forma de activar la conversación en mirarles a esa cara, esa cara que no tiene rostro, y es ahí cuando sus voces comienzan a construir un mosaico de historias que convierten los túneles en algo más que una infraestructura urbana. Es interesante porque te hace mirar a otros en un territorio habitado por memorias, experiencias y realidades que rara vez ocupan un lugar en el relato oficial de la ciudad.

Lo más fascinante de Katábasis es que nunca se siente como una experiencia invasiva o angustiante. A pesar de su vínculo conceptual con el inframundo, el recorrido transmite una inesperada sensación de calma. Hay algo profundamente contemplativo en la manera en que nos desplazamos por estos espacios. Las luces, las sombras y las siluetas humanas generan una atmósfera suspendida entre lo real y lo onírico, como si estuviéramos transitando por un lugar que existe fuera del tiempo, como en un camino hacía la muerte pero en calma, o al menos, así fue como me hizo sentir.

Por momentos, la experiencia se transforma casi en una meditación. Mientras avanzamos, el ruido del mundo exterior parece desaparecer lentamente. Las distracciones habituales quedan atrás y surge una rara sensación de conexión con el entorno y con uno mismo. No es casual que el descenso al subsuelo termine evocando algo más profundo que una exploración física y se convierta en una invitación a observar aquello que normalmente permanece oculto, tanto en la ciudad como en nuestra propia experiencia cotidiana.

Desde el punto de vista técnico, Arsac demuestra un notable dominio de las posibilidades del lenguaje inmersivo. Sin necesidad de recurrir al espectáculo constante, utiliza el espacio, la interacción y el sonido para construir una experiencia envolvente que encuentra su mayor fortaleza en la sensibilidad de su propuesta. La tecnología nunca busca imponerse sobre el contenido, por el contrario, desaparece para dejar espacio a las historias y a las emociones que emergen durante el recorrido.

Lo que permanece después de terminar Katábasis no son necesariamente las imágenes de los túneles ni la magnitud de Nueva York. Lo que se queda contigo es una sensación. La impresión de haber atravesado un espacio donde el tiempo avanzaba de otra manera, donde las voces invisibles encontraban un lugar para ser escuchadas y donde, por un instante, era posible escapar del ruido permanente de la superficie.

Katábasis es una experiencia inmersiva envolvente que realmente me cautivó. Es sobre escucharse, es mirar atrás y ver como el pasado se apaga junto con las luces, mientras avanzas por un túnel, una especie de purgatorio pacifico donde a veces te detienes a mirar a otro. También es sobre la presencia y la humanidad que este mundo veloz nos hace ignorar. Un descenso que no conduce a la oscuridad, sino a una forma distinta de mirar el mundo.

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Desde esa herida nace Raíces Ocultas, largometraje seleccionado para el Fantastic Round Robin del Fantastic Pavilion en el Festival de Cannes 2026, uno de los espacios más relevantes para el cine de género dentro del Marché du Film.

Sinopsis

François llegó a Francia siendo un bebé. Nunca supo cómo ni por qué. Años más tarde vuelve a Chile junto a su esposa embarazada para reencontrarse con sus tres hermanos biológicos en la isla de Chiloé. Lo que comienza como una búsqueda familiar pronto adquiere una dimensión inquietante: apariciones del Invunche —la criatura deformada de la mitología chilota— comienzan a perseguirlo.

La película explora el desarraigo, la memoria y el miedo a descubrir una verdad capaz de alterar por completo la propia identidad.

Proyección internacional

En 2025, el proyecto dirigido por Simón Bucher, participó en el SANFIC Mórbido LAB y posteriormente fue seleccionado para el Fantastic Pavilion de Cannes, posicionándose como una de las propuestas latinoamericanas de terror con mayor proyección internacional.

Ficha técnica

• Dirección: Simón Bucher
• Guion: Juan Bucher y Simón Bucher
• Producción: Miguel Yilales, Andrés Symon y Nicolás Werner
• Productoras: Mesa Grande Producciones, Ratelier y Musgo Cine
• Países: Chile y Argentina
• Idiomas: Español y francés
• Género: Folk Horror
• Duración: 90 minutos
• Estado: En desarrollo

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La edición de este año estará presidida por el cineasta surcoreano Park Chan-wook y reunirá a un jurado compuesto por Demi Moore (Estados Unidos), Ruth Negga (Irlanda/Etiopía), Laura Wandel (Bélgica), Chloé Zhao (China), Isaach De Bankolé (Costa de Marfil/Estados Unidos), Paul Laverty (Escocia), Stellan Skarsgård (Suecia) y el propio Céspedes en representación de Chile.

El jurado tendrá la misión de otorgar la Palma de Oro a una de las 22 películas en Competencia Oficial, además de los demás premios del palmarés, que será anunciado el sábado 23 de mayo en la ceremonia de clausura, transmitida por France Télévisions y Brut. a nivel internacional.

Para el cineasta chileno, este reconocimiento llega en un momento clave de su trayectoria. Céspedes fue premiado en Cannes 2025 en la sección Un Certain Regard por su primer largometraje La misteriosa mirada del flamenco, consolidando su vínculo con el festival. Su camino en Cannes, sin embargo, comenzó antes: su cortometraje El verano del león eléctrico obtuvo el Primer Premio de la Cinéfondation en 2018, marcando su irrupción en el circuito internacional.

Desde entonces, su obra ha circulado por festivales como San Sebastián, Sundance y Toronto, con títulos como Las criaturas que se derriten al sol (2022), caracterizados por una mirada íntima, política y centrada en identidades marginales y vínculos afectivos fuera de la norma. Actualmente desarrolla su segundo largometraje, The Case of a Boy Who Lost His Heart.

La presencia de Céspedes en el jurado refuerza el lugar del cine latinoamericano dentro de las instancias de decisión del festival, en una edición marcada por la diversidad de miradas, trayectorias y generaciones que conforman uno de los jurados más variados de los últimos años.

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La selección marca un nuevo hito en la trayectoria internacional de la cineasta, quien ha construido una carrera destacada en el circuito de festivales, incluyendo su histórico reconocimiento en el Festival de Cine de Locarno, donde se convirtió en la primera mujer en obtener el Leopardo a la Mejor Dirección por Tarde para morir joven.

La Perra es una adaptación de la novela homónima de la escritora colombiana Pilar Quintana, ganadora del Premio Alfaguara. Ambientada en Chile, la historia sigue a Silvia, una mujer que vive en una isla remota azotada por el viento frente a la costa chilena, donde trabaja recolectando algas junto a su pareja. La adopción de un cachorro abandonado transforma su vida cotidiana, despertando en ella una ternura que reaviva un deseo de maternidad largamente reprimido. Sin embargo, la repentina desaparición del animal desencadena una crisis emocional que la enfrenta a un trauma del pasado.

La película está protagonizada por Manuela Oyarzún, junto a David Gaete y el actor brasileño Selton Mello, protagonista de la película ganadora del Óscar Aún estoy aquí.

La Perra es una coproducción entre Planta (Chile) y RT Features (Brasil), compañía con amplia trayectoria internacional en títulos como Call Me by Your Name de Luca Guadagnino, Aún estoy aquí de Walter Salles y El faro de Robert Eggers.

El rodaje se realizó en la Región del Biobío, en locaciones como Isla Santa María, Hualpén y Coliumo. En Chile, la producción estuvo a cargo de Planta, liderada por el productor Fernando Bascuñán.

En esta edición del Festival de Cannes, Planta también contará con otra selección en la Quincena de Realizadores: La libertad doble, la nueva película de Lisandro Alonso, uno de los cineastas latinoamericanos más influyentes del panorama contemporáneo. El largometraje cuenta con Catalina Saavedra y Misael Saavedra en los roles protagónicos.

FICHA TÉCNICA

Título: La Perra
Países: Chile, Brasil
Año: 2026
Género: Drama
Idioma: Español

Dirección: Dominga Sotomayor
Guion: Inés Bortagaray
Adaptación: Dominga Sotomayor e Inés Bortagaray
Basada en: la novela La Perra de Pilar Quintana

Elenco: Manuela Oyarzún, David Gaete, Giannina Fruttero, Selton Mello

Producción: Rodrigo Teixeira, Fernando Bascuñán & Berta Marchiori
Dirección de fotografía: Simone D’Arcangelo
Diseño de producción: Natalia Geisse
Montaje: Federico Rotstein
Vestuario: Francisca Tuca

Compañías productoras: RT Features & Planta
Ventas internacionales: Lucky Number

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Martelli ya había tenido presencia en Cannes con su ópera prima 1976, estrenada en la Quincena de Cineastas en 2022, una de las secciones paralelas más reconocidas del festival. La selección de El Deshielo marca un nuevo hito en la trayectoria internacional de la directora y confirma el creciente reconocimiento del cine chileno en los escenarios globales.

El año pasado, el cine chileno también tuvo presencia destacada en Un Certain Regard con La misteriosa mirada del flamenco, de Diego Céspedes, que se llevó el premio principal de la sección. En los últimos años, la participación nacional se ha consolidado, sumando títulos como Los colonos (2023), de Felipe Gálvez, y reforzando la presencia de Chile en una de las secciones más prestigiosas de Cannes.

Filmado en el invierno de 2025 en Antillanca, un centro de esquí cercano a Osorno, El Deshielo está hablado en español, inglés y alemán. La película es producida por Alejandra García, con Andrés Wood (Wood Producciones) y Alex C. Lo (Cinema Inutile, Estados Unidos) como coproductores, y cuenta además con la participación de las compañías Elástica (España), Piano Films (México) y Río Fundación (Chile). Su agente de ventas es la reconocida empresa francesa Les Films du Losange.

Un Certain Regard forma parte de la Selección Oficial de Cannes y se centra en historias con enfoques innovadores o perspectivas originales dentro del cine contemporáneo. La inclusión de El Deshielo en esta sección reafirma la relevancia de la directora y del cine chileno en la escena internacional.

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Los homenajes reconocen la trayectoria y el impacto global de estos realizadores. Larraín y Lelio recibirán el Homenaje Iberoamericano, mientras que Alberdi será distinguida con el Homenaje Internacional del festival. Además, el FICG41 proyectará una selección de películas representativas de cada uno, ofreciendo al público un panorama de su trabajo más significativo.

Pablo Larraín – Homenaje Iberoamericano

Pablo Larraín es uno de los directores más influyentes de Chile. Su cine combina una mirada crítica sobre el poder y la historia política con una narrativa cinematográfica que ha resonado en festivales de todo el mundo. Sus películas abordan tanto la memoria colectiva como las complejidades del presente, construyendo relatos que equilibran tensión dramática y exploración social.

Entre sus obras más destacadas se encuentran No (2012), que retrata el plebiscito de 1988 en Chile; El club (2015), un intenso drama sobre la Iglesia y la justicia; Neruda (2016), un biopic sobre el poeta y político; Tony Manero (2008), su debut que explora la obsesión con la cultura pop; y su trilogía de mujeres históricas: Jackie (2016), Spencer (2021) y Maria (2024).

Película proyectada en el FICG41:

• El club (2015) – Chile

Sebastián Lelio – Homenaje Iberoamericano

Sebastián Lelio se ha consolidado como un cineasta que explora la identidad, las emociones humanas y las relaciones interpersonales con una sensibilidad única. Su obra combina historias profundamente personales con un alcance universal que ha sido reconocido en festivales como Berlín, Cannes y Sundance.

Algunos de sus títulos más relevantes incluyen Gloria (2013), una historia de reinvención personal; Una mujer fantástica (2017), ganadora del Oscar a Mejor Película Internacional; Desobedience (2017), un drama sobre la libertad y la fe; El prodigio (2022); y el musical La ola (2025), estrenado en Cannes.

Película proyectada en el FICG41:

• Gloria (2013) – Chile

Maite Alberdi – Homenaje Internacional

Maite Alberdi es reconocida por su capacidad para capturar la vida cotidiana con una mirada detallada y sensible, alternando entre documental y ficción. Su obra combina observación minuciosa con narrativas emotivas, acercando al público historias que revelan tanto la intimidad como las tensiones sociales.

Entre sus trabajos más destacados se encuentran El agente topo (2020) y La memoria infinita (2023), ambos nominados al Oscar; Los niños (2016), La once (2014), El lugar de la otra (2024), su primer largometraje de ficción; y Un hijo propio (2026), filmado íntegramente en México y presentado en la Berlinale.

Películas proyectadas en el FICG41:

• El agente topo (2020) – Chile | EUA | Alemania | Países Bajos | España
• Los niños (2016) – Chile | Francia | Países Bajos
• La once (2014) – Chile
• Un hijo propio (2026) – México

Una programación que recorre sus trayectorias

Con estos homenajes y proyecciones, el FICG41 ofrece al público un recorrido por las obras más representativas de tres de los cineastas chilenos más influyentes de la actualidad, evidenciando tanto su diversidad creativa como su impacto en la escena internacional.

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La exposición se realiza en colaboración con la University of Guadalajara Foundation | USA y el Legado Grodman, y propone una mirada conjunta a la producción artística de dos figuras fundamentales del siglo XX. El objetivo es explorar sus aportaciones al arte y al cine desde nuevas perspectivas, así como evidenciar la admiración mutua que existía entre ambos creadores.

Durante la presentación, Estrella Araiza, directora general del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, destacó el trabajo colaborativo detrás de la iniciativa. “Yo creo que solamente con la colaboración y la suma de voluntades podemos hacer grandes proyectos como este”, señaló.

Las piezas que integran “Correspondencias. Orozco-Eisenstein” provienen del Museo de Arte Carrillo Gil y del Museo Cabañas, además de incluir reproducciones de murales del Antiguo Colegio de San Ildefonso, materiales del Archivo Estatal Ruso de Literatura y Arte, del Film Study Center del MoMA y fragmentos de películas del estudio Mosfilm.

A través de cartas intercambiadas entre los artistas, fragmentos cinematográficos y fotogramas de la obra de Eisenstein, junto con pinturas, dibujos y libros de Orozco, la exposición busca revelar los puntos de encuentro entre ambos creadores, tanto en lo estético como en lo ideológico, así como la influencia que México tuvo en su imaginario artístico.

Aleksandr V. Batadeev, ministro consejero de la Embajada de Rusia en México, se refirió a la afinidad entre los dos artistas y explicó que Eisenstein “fue un artista que pensaba en las categorías de la historia y del destino humano”, añadiendo que el propio cineasta consideraba sus películas como “una especie de murales, murales en movimiento”. También señaló que Orozco representaba para Eisenstein una suerte de equivalente artístico de su lenguaje cinematográfico, al tratarse de un creador que trabajaba con escalas históricas y con imágenes de gran fuerza épica.

Por su parte, la curadora Laura Ayala Castellanos invitó a observar la muestra como “un diálogo enorme entre un cineasta que venía de la Unión Soviética y un mexicano que estaba en Nueva York”, destacando además que ambas obras reflejan el “anhelo genuino de que las condiciones de vida de los campesinos y los obreros fueran mejores”.

Como complemento de la exposición, se proyectarán imágenes de la película ¡Que viva México! en los muros del museo universitario y se realizarán funciones especiales en el Cineforo de la Universidad de Guadalajara.

La exposición “Correspondencias. Orozco-Eisenstein” se presenta en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (MUSA) y podrá visitarse del 27 de marzo al 2 de agosto en las salas 2, 3 y 4, con entrada gratuita.

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El festival, considerado uno de los encuentros cinematográficos más relevantes de América Latina, celebrará su próxima edición del 17 al 25 de abril de 2026 en Guadalajara, México, reuniendo a cineastas, actores y profesionales del audiovisual de todo el mundo.

Con una carrera que abarca cine, televisión y producción, Edgar Ramírez se ha consolidado como uno de los talentos latinoamericanos más influyentes de su generación. Recientemente presentó Aún es de noche en Caracas (2025), película en la que participa como productor y protagonista y que tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Venecia.

A lo largo de su trayectoria, el actor ha sido reconocido por su capacidad para encarnar personajes complejos y diversos. Su interpretación del terrorista internacional “Carlos el Chacal” en la miniserie Carlos (2010) le valió una nominación a los Golden Globes, mientras que su trabajo en American Crime Story: The Assassination of Gianni Versace le otorgó una nominación a los Primetime Emmy Awards.

En el cine, Ramírez ha participado en importantes producciones internacionales como Jungle Cruise (2021), donde compartió pantalla con Dwayne Johnson y Emily Blunt, y The 355 (2022), junto a Jessica Chastain y Lupita Nyong’o. También protagonizó la comedia familiar Yes Day (2021) con Jennifer Garner, que se convirtió en la película número uno de Netflix en más de 50 países tras su estreno.

Su presencia también ha sido constante en televisión. Ha formado parte de series como Dr. Death, donde actúa junto a Mandy Moore, y The Undoing, protagonizada por Nicole Kidman y Hugh Grant, una de las producciones más vistas de HBO en 2020.

Como parte de su participación en el FICG41, Edgar Ramírez tomará parte en diversas actividades del festival, donde compartirá con el público y la industria su experiencia dentro del cine internacional, reafirmando su papel como una de las figuras más representativas del talento latinoamericano en Hollywood y el panorama audiovisual global.

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Instalada en las galerías de Paseo Chapultepec, la muestra presenta las distintas identidades gráficas desarrolladas por artistas y diseñadores para cada edición del FICG, reflejando las tendencias estéticas de cada época y el crecimiento del cine mexicano e iberoamericano.

La directora general del FICG, Estrella Araiza, explicó que mientras la edición pasada se centró en la historia del festival, esta exposición invita a reflexionar sobre el futuro: “La edición 40 del Festival, que fue el año pasado, se trató acerca de nuestra historia… Esta exposición es de los carteles y nuestra reflexión se trata del futuro”.

Araiza destacó además la importancia de involucrar a artistas locales e internacionales en la creación de las imágenes del festival, recordando que Ricardo Lúevanos es el autor del cartel de la edición 41. “Eso es parte del trabajo que realizamos, poder acercar a los artistas a la comunidad”, señaló.

Por su parte, Vero Delgadillo, presidenta de Guadalajara, resaltó la conexión histórica entre la ciudad y el festival: “Yo no creo que Guadalajara se podría definir sin el Festival… nos ha convocado a quienes admiramos y gozamos del cine, pero también a quienes lo producen, a los que sueñan con contar historias… a quienes hacen que uno viva magia a través de ellas”. También valoró el impacto del festival en el talento local: “Aquí sí florece el talento de muchas formas a través de películas, esculturas, música, sabores y arte. Por eso es tan valioso que este Festival tan importante suceda en nuestra tierra”.

La inauguración se realizó con corte de listón y contó con la presencia de Guillermo Gómez Mata, presidente del Patronato del FICG, y Ramón Lara, fundador del Centro de Investigación y Estudios Cinematográficos (CIEC) y profesor de cine de la Universidad de Guadalajara.

La exposición “41 años de carteles del Festival Internacional de Cine en Guadalajara” permanecerá abierta al público en las galerías Chapultepec y Pedro Moreno hasta el 30 de abril de 2026, invitando tanto a cinéfilos como a transeúntes a redescubrir la historia del festival a través de su expresión visual.

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