OJO! la reseña tiene MUCHOS Spoilers

La aberración

El libro bíblico de Levítico suele percibirse como una árida compilación de decretos antiguos y normas minuciosas. En su capítulo décimo, sin embargo, habita uno de los pasajes más sobrecogedores de la literatura religiosa: la muerte de Nadab y Abiú. Estos sacerdotes son fulminados tras ofrecer un ritual no autorizado, un «fuego extraño». Ante la muerte de sus hijos, Aarón permanece en silencio. La obediencia se impone incluso frente al duelo. Chiarella toma ese conflicto ancestral y lo deposita en el presente.

La película sitúa su acción en una comunidad religiosa aislada en la región de Victoria, Australia. Naim (Joe Bird) y Ryan (Stacy Clausen) viven su despertar afectivo bajo la vigilancia constante de un entorno que interpreta el deseo como una amenaza espiritual. Chiarella utiliza la puesta en escena para subrayar este aislamiento: los encuadres en pasillos vacíos y la frialdad de las mesas de disección de biología —donde los alumnos analizan ranas— operan como una metáfora visual de cómo la propia comunidad somete a los jóvenes a un examen clínico y moral constante, diseccionando su identidad.

Los adolescentes mantienen encuentros secretos en un edificio abandonado, lejos de los ojos de la congregación. Es allí donde un breve gesto introduce la tesis fundamental del filme: al mirarse en un espejo de ojo de pez mientras se abrazan, la culpa emerge antes que lo sobrenatural. Leviticus convierte las llamadas terapias de conversión en el núcleo de una pesadilla sobrenatural mediante un exorcismo inverso

Los líderes espirituales infectan a los jóvenes con una entidad parásita que adopta una mecánica perversa: toma la apariencia de la persona deseada para atacar. Cada acercamiento emocional activa el peligro, cada impulso afectivo desencadena una agresión, y el amor finalmente se transforma en trampa. El demonio-parásito no trae nada nuevo. Toma la vergüenza ya inoculada y le da un cuerpo. La criatura es la culpa hecha carne.

La víctima reproduce al verdugo

La tragedia alcanza su mayor complejidad cuando el propio Naim participa de la lógica de vigilancia que lo oprime. El detonante de toda la cadena de horror llega desde el lugar más inesperado: los celos. Al descubrir a Ryan besándose con Hunter (Jeremy Blewitt) en el molino, Naim actúa desde la herida. Denuncia la situación ante la comunidad, quedando expuesto también. Pero claro, los celos operan como el mecanismo más certero del sistema represivo. Naim delata desde el dolor, pero la estructura es la que recibe esa confesión y la convierte en instrumento de control.

Chiarella evita la comodidad de dividir el mundo entre víctimas inocentes y victimarios absolutos. Los sistemas de dominación más eficaces son aquellos que enseñan a sus víctimas a vigilarse entre sí. El fanatismo no necesita ejército cuando ha conseguido que cada creyente sea un centinela. Esta internalización de la violencia se anticipa sutilmente en la dinámica de los chicos de la iglesia, como el crudo juego de Hunter y Ryan de lanzarse piedras pesadas en el patio trasero antes de besarse: un autocastigo físico que evoca la lapidación de los textos antiguos.

Con 86 minutos y una notable economía narrativa, la película concentra la tensión en espacios cerrados, personas que no son y pesadillas que se sienten reales. El verdadero horror habita en la sensación permanente de estar siendo observado, juzgado, corregido: un estado que la comunidad ha logrado volver invisible porque lo llama fe.

La puesta en escena del aislamiento

Desde el punto de vista estrictamente cinematográfico, Chiarella demuestra madurez visual al rehuir de los sustos fáciles (jumpscares, que francamente me tienen podrido…) para apostar por el terror de atmósfera. La dirección de fotografía aprovecha los exteriores con planos abiertos y desolados que acentúan la desorientación y el desamparo de los protagonistas, contrastando la belleza árida de la naturaleza con estructuras industriales oxidadas y descoloridas que se sienten tan obsoletas como los dogmas que rigen al pueblo entero. Asimismo, la química entre Joe Bird y Stacy Clausen dota a la película de un corazón melancólico; desde mi punto de vista, es esa vulnerabilidad la que eleva el filme, logrando que el verdadero peligro no sea la aparición del monstruo, sino la devastadora quietud de los espacios en los que se van moviendo.

El fuego purificador frente al dogma

La relación entre el parásito y el fuego constituye el núcleo simbólico de la obra. En el Levítico bíblico, el fuego divino aparece asociado a la purificación, al juicio y a la autoridad de Dios. La comunidad de la película interpreta esa tradición como justificación para intervenir los cuerpos y disciplinar las conductas. El Deliverance Preacher (Nicholas Hope) encarna esa autoridad con la serenidad del que nunca ha dudado: alguien que ejecuta la norma sin preguntarse a quién destruye, porque destruir también es, en su teología, una forma de amor.

Chiarella toma esa misma imagen del fuego y la invierte. Las llamas reales son el único elemento capaz de dañar y ahuyentar a la entidad. Esta inversión posee una potencia dramática que excede el efecto de género: el símbolo cambia de dueño. Las llamas dejan de ser el instrumento del altar y pasan a ser la respuesta de quienes el altar pretendía consumir. Destruir el templo implica destruir el mecanismo que hizo posible la culpa. Allí donde Aarón guardó silencio frente al sacrificio de sus hijos, Leviticus imagina una respuesta distinta: el fuego abandona el altar y encuentra otro destino. Finalmente, esas llamas caen sobre la hipocresía que aprendió a llamarse pureza, no sobre las víctimas.

La necesaria visibilidad

El cine de terror ha funcionado históricamente como reflejo de las ansiedades colectivas, y Leviticus ratifica esta condición al abordar el trauma de las terapias de conversión desde una perspectiva simbólica, pero sin eufemismos. Para la comunidad LGBTQ+, este tipo de representaciones posee un valor que va más allá de la crítica cinematográfica. Al emplear el horror corporal y psicológico, la película visibiliza el daño real que producen las prácticas de manipulación disfrazadas de fe, acompañamiento o corrección moral. El terror obliga al espectador a habitar la experiencia de quien aprende a considerarse una aberración.

La comunidad retratada convierte la vergüenza en una herramienta de disciplina. Primero enseña a sus miembros a desconfiar de sí mismos y luego transforma esa inseguridad en un mecanismo de vigilancia permanente. El monstruo es la manifestación física de ese proceso.

Sin embargo, Chiarella huye de la resolución simple. El cierre definitivo en el autobús, con los jóvenes compartiendo auriculares al ritmo de Self Control de Frank Ocean, rescata que la película es, ante todo, una resistencia romántica. Que el parásito de la culpa siga acechando a lo lejos desde los campos no anula la victoria de su escape: han aprendido que su afecto es demasiado real como para esconderlo.

No solo Aarón se quedó callado…

Leviticus (2026) consolida una lograda alegoría teológica sobre la intolerancia. Adrian Chiarella construye una fábula de horror donde la sociedad prefiere enmudecer ante la destrucción de sus hijos antes que aceptar su identidad. La película encuentra en la culpa, la obediencia y el silencio los pilares de su discurso. La gente calla, Naim delata, Arlene (Mia Wasikowska) obedece. Cada uno representa una forma distinta de colaboración con una estructura que exige sacrificios humanos para preservar su autoridad.

Cuando la doctrina devora la empatía, el silencio se vuelve cómplice del horror.

Leviticus (2026) disponible en los cines del país a partir del 25 de junio.

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Desde la llegada al recinto, quedó claro que HBO no escatimó en gastos para impresionar a los fanáticos. El plato fuerte de la ambientación fue la imponente réplica de un castillo que, emulando el poder de las bestias aladas, lanzaba llamaradas de fuego real hacia el cielo nocturno. La atmósfera mística y épica se completó gracias a la magistral interpretación de una orquesta sinfónica en vivo, la cual erizó la piel de todos los presentes al tocar los acordes de la emblemática banda sonora de la serie.

Para asegurar la comodidad de los invitados y una experiencia audiovisual óptima, la organización distribuyó el evento en varias alas especialmente acondicionadas para disfrutar de la función. En estas salas, la tensión se sentía en el aire mientras las luces se apagaban y nos preparábamos para sumergirnos de lleno en los conflictos de la dinastía de cabellos de plata.

El capítulo en sí cumplió con creces todo lo prometido y no decepcionó. El guion nos entregó una dosis perfecta de acción trepidante, muertes impactantes que nos dejaron al borde del asiento y, como era de esperarse, una imponente presencia de dragones y una dosis de incesto, porque sí… son Targaryen.

Tras el impactante y crudo cierre del episodio, el evento concluyó con un exclusivo after party diseñado para procesar las emociones de la noche y pasarlo bien. Entre música y conversaciones ansiosas sobre el futuro de la temporada, los asistentes cerramos una velada redonda que dejó la vara altísima y demostró que la danza de los dragones apenas está comenzando.

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La película retoma uno de los temas centrales de la franquicia: el miedo de los juguetes a ser olvidados. Pero esta vez el conflicto se actualiza para dialogar con una realidad muy distinta a la que enfrentaban Woody y sus amigos cuando comenzó la saga. Los niños ya no solo dejan atrás los juguetes porque crecen; ahora también lo hacen porque gran parte de su tiempo está absorbido por tablets, teléfonos y otros dispositivos electrónicos.

Lo interesante es que la película no utiliza esta premisa para construir un discurso nostálgico o una crítica simplista a la tecnología. Por el contrario, plantea una conversación sobre cómo los niños necesitan espacios para desarrollar su imaginación y creatividad, encontrando eventualmente una convivencia entre ambos mundos. Los juguetes comprenden que la tecnología no es el enemigo, sino una herramienta que también puede formar parte del juego cuando existe un equilibrio saludable.

A diferencia de otras entregas, el protagonismo recae principalmente en Jessie. La vaquera se convierte en el corazón emocional de la historia y en el personaje que impulsa gran parte de la acción. Buzz Lightyear también recupera una presencia relevante dentro del grupo, mientras que Woody adopta un rol más secundario y complementario. Lejos de sentirse como una ausencia, este cambio permite refrescar la dinámica de la saga y explorar nuevas perspectivas dentro de un universo que parecía haber contado todas sus historias.

La película también encuentra sensibilidad en la relación con su nueva protagonista humana, una niña que parece sentirse diferente a los demás. Mientras muchos de sus compañeros prefieren las pantallas, ella encuentra en los juguetes un espacio para expresarse y desarrollar su imaginación. A través de ella, la película reflexiona sobre la importancia del juego en una época donde la creatividad muchas veces compite con el consumo constante de contenido digital.

Sin reinventar por completo la fórmula, Toy Story 5 consigue actualizarla. Es una película consciente de los cambios culturales y tecnológicos que han transformado la infancia, pero que al mismo tiempo recuerda por qué jugar sigue siendo una experiencia fundamental. Contra todo pronóstico, esta nueva entrega demuestra que todavía había una historia valiosa por contar dentro de este universo.

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Esta semana, HBO Max concentra su programación en un paquete de estrenos que mezcla grandes regresos, terror y nuevas apuestas de no ficción. El foco principal vuelve a estar en Westeros con el estreno de la tercera temporada de La casa del dragón, la precuela de Juego de Tronos que continúa expandiendo el conflicto interno de los Targaryen y la ya conocida división entre el consejo verde y el consejo negro. Ambientada dos siglos antes de los eventos de la serie original, la producción sigue profundizando en la guerra por el Trono de Hierro, ahora con Rhaenyra Targaryen y el rey Aegon II como figuras centrales de una disputa que escala tanto en lo político como en lo familiar.

La temporada, basada en el universo de Fuego y sangre de George R. R. Martin, vuelve a contar con Emma D’Arcy, Olivia Cooke y Matt Smith encabezando el reparto, en una historia donde las lealtades se vuelven cada vez más inestables y la idea de legitimidad se sostiene más en estrategia que en derecho. La serie mantiene su equipo creativo con Ryan Condal como showrunner, acompañado por la producción ejecutiva de George R. R. Martin, entre otros nombres clave del equipo de desarrollo.

En esta nueva temporada, la serie vuelve a sostenerse en algo que ya se ha vuelto parte de su identidad, la guerra como un proceso progresivo de desgaste, más que como una sucesión de grandes batallas. La tensión entre el consejo verde y el consejo negro no se limita a decisiones políticas en abstracto, sino que se filtra en cada relación, incluso en aquellas que antes parecían más estables. La sensación es que ya no hay espacios neutrales dentro de la historia; todo gesto termina teniendo una lectura estratégica, aunque los personajes no siempre lo verbalicen.

En paralelo al estreno, HBO Max también lanzará el podcast oficial de La casa del dragón, una extensión del universo de la serie que busca profundizar en los detalles de la temporada y sus decisiones narrativas, ampliando la experiencia más allá de la pantalla.

LA CASA DEL DRAGÓN, Temporada 3

Estreno: 21 de junio

Sinopsis: La cuenta regresiva para volver a Westeros ha comenzado. La serie regresa con su tercera temporada que enfrentará a la Reina Rhaenyra Targaryen y el consejo negro con el consejo verde, defendiendo el reinado del Rey Aegon II. Basada en “Fuego y Sangre” de George R.R. Martin, la serie, ambientada 200 años antes de los acontecimientos de JUEGO DE TRONOS, cuenta la historia de la Casa Targaryen.

Elenco: Matt Smith, Emma D’Arcy, Olivia Cooke, Steve Toussaint, Rhys Ifans, Fabien Frankel, Ewan Mitchell, Tom Glynn-Carney, Sonoya Mizuno, Harry Collett, Bethany Antonia, Phoebe Campbell, Phia Saban, Jefferson Hall, Matthew Needham, Tom Bennett, Kieran Bew, Kurt Egyiawan, Freddie Fox, Clinton Liberty, Gayle Rankin y Abubakar Salim.

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La película sigue a Tova, una mujer marcada por la pérdida que trabaja en un acuario y cuya rutina parece haberse convertido en una forma de sobrellevar la ausencia. Sin embargo, gran parte de la atención termina concentrándose en Marcellus, un pulpo extraordinariamente inteligente que habita uno de los estanques del recinto. A través de sus observaciones y de su relación con quienes lo rodean, la película construye una reflexión inesperadamente sensible sobre los animales y la manera en que solemos percibirlos.

Lo interesante es que Criaturas luminosas no cae en la tentación de humanizar excesivamente a su protagonista marino. No intenta convencernos de que piensa exactamente igual que nosotros ni transforma su comportamiento en una caricatura. Lo que hace es mucho más efectivo porque nos recuerda que existe una inteligencia distinta a la humana, una forma diferente de experimentar el mundo, que no por ser diferente es menos compleja.

Durante años la humanidad se acostumbró a mirar a los animales desde una posición de superioridad. Se les observa en zoológicos, acuarios o parques marinos como si fueran parte de una exhibición diseñada para nosotros. La película pone esa lógica en cuestión sin necesidad de discursos ni consignas. Basta con observar a Marcellus desplazarse por su espacio, reaccionar a lo que ocurre a su alrededor y demostrar una curiosidad constante por el mundo exterior para que aparezca una pregunta inevitable: ¿qué significa realmente mantener a un ser así encerrado? Marcellus solo quiere su libertad.

Esa sensación atraviesa buena parte de la película. Aunque el cautiverio nunca se convierte en un tema explícito, está presente en cada rincón del relato. Marcellus vive protegido, alimentado y cuidado, pero sigue existiendo una distancia enorme entre sobrevivir y vivir. La película parece entender que ambas cosas no son necesariamente lo mismo.

Quizás por eso algunos de sus momentos más emotivos no tienen que ver con los grandes giros argumentales, sino con instantes mucho más pequeños: una mirada, una reacción, una muestra de curiosidad. Son escenas que funcionan porque apelan a algo que la ciencia lleva años intentando demostrar y que muchas personas ya intuían, que los animales poseen vidas interiores más complejas de lo que solemos admitir. Tienen memoria, resuelven problemas, desarrollan vínculos y responden emocionalmente a su entorno.

En el caso de los pulpos, esa idea resulta todavía más fascinante. Son criaturas radicalmente distintas a nosotros desde el punto de vista evolutivo y, aun así, exhiben niveles sorprendentes de inteligencia. Criaturas luminosas aprovecha esa particularidad para construir una historia donde la empatía surge precisamente de las diferencias. No conectamos con Marcellus porque sea como nosotros, sino porque entendemos que también tiene deseos, necesidades y una forma propia de habitar el mundo.

La película encuentra ahí sus momentos más poderosos. No cuando intenta resolver los conflictos humanos, sino cuando invita a detenerse y observar a una criatura que normalmente miraríamos detrás de un vidrio durante unos segundos antes de seguir caminando, o que algunos incluso ponen en sus platos. Hay algo profundamente melancólico en esa idea, porque la posibilidad de que tantos animales pasen gran parte de sus vidas siendo observados sin que realmente intentemos comprenderlos y sin entender el maltrato, es realmente frustrante.

Después de ver Criaturas Luminosas, resulta difícil volver a pensar en los acuarios, zoológicos o espacios de exhibición animal exactamente de la misma manera. No porque la película adopte una postura militante, sino porque logra despertar la empatía suficiente para preguntarnos cómo experimentan ellos una realidad que siempre hemos descrito desde nuestra perspectiva.

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El elenco y la producción de la serie compartieron su visión sobre la trama y detallaron cómo la obra aborda el tema. Échale un vistazo: 

CÓMO ABORDA HOMBRE A MEDIAS LOS SENTIMIENTOS MASCULINOS

HOMBRE A MEDIAS comienza donde todo empezó: nos transporta a la adolescencia de ambos en Escocia, un período marcado por los descubrimientos de la juventud y la vida. 

A ambos protagonistas les cuesta expresar sus sentimientos, y la mayoría de los conflictos parecen derivar en violencia, ya sea física o verbal. Mientras que Ruben busca mantener una imagen de «duro» ante quienes lo rodean mediante agresiones e insultos, Niall no está seguro de quién es realmente y pasa los años reprimiendo sus propias emociones para ponerse una máscara social. Para Jamie Bell, quien interpreta la versión adulta de Niall, el personaje proyecta en Ruben la imagen de cómo debería ser un hombre. «Este es un hombre que se mira al espejo y no tiene idea de quién es. Por eso, su relación con Ruben define, en cierto modo, quién es él: encontró su propia identidad a través de otra persona», afirmó sobre la dinámica entre ambos. «Y es por eso que están tan unidos, es por eso que se necesitan tanto el uno al otro, porque Ruben, en cierto modo, define a Niall. Sin Ruben, Niall no tiene idea de quién es».

Sin embargo, la dificultad para expresar emociones como el miedo o el deseo se convierte en una carga constante en la vida de Ruben y Niall. Así lo explica el creador, guionista y protagonista de la serie, Richard Gadd, quien señala que esta tensión es una de las consecuencias de la llamada “masculinidad tóxica”, presente hasta nuestros días. 

«Cuanto más reprimes ciertas partes de ti mismo, más difícil se vuelve la vida con el paso de los años», explica. «Les lleva seis episodios y décadas de sus vidas llegar a un punto en el que sean lo suficientemente maduros emocionalmente para eso. Creo que esto es, en cierto modo, la lucha masculina por excelencia». 

Es por eso que a Niall le cuesta admitir sus propios deseos sexuales a lo largo de su crecimiento, por ejemplo, teme el juicio de los demás y la posibilidad de ser rechazado por sentirse atraído por otros hombres. Del mismo modo, Ruben es incapaz de gestionar el rechazo y termina encontrando en la violencia una vía para canalizar sus frustraciones.

LA MASCULINIDAD COMO MÁSCARA

Desde pequeños, Ruben y Niall se vieron obligados a asumir responsabilidades que no correspondían a su edad. Para retratar esa etapa, la serie recrea con precisión la atmósfera opresiva de la adolescencia, apoyada en las destacadas interpretaciones de Stuart Campbell y Mitchell Robertson, quienes dan vida a los personajes en este periodo.

Ruben mantiene una relación profundamente conflictiva con su padre y encuentra en su madre, Maura, el único vínculo familiar basado en la confianza. A través de ella conoce a Lori, la madre de Niall, lo que termina acercando a ambos jóvenes durante la adolescencia.

Cuando el bajo rendimiento académico de Ruben amenaza su futuro, Lori presiona a Niall para que lo ayude con los estudios y así pueda aspirar a una beca universitaria. Es dentro de esta compleja red de vínculos familiares, expectativas y afectos donde comienza a forjarse no solo la estrecha relación entre ambos, sino también las distintas concepciones de masculinidad que marcarán sus vidas.

Ruben, por ejemplo, encontró en la violencia y la agresión la forma de no sentirse un «hombre a medias», y también la manera de defenderse.  Por su parte, Niall se siente incómodo consigo mismo y es incapaz de ser honesto y aceptar quién es ante la mirada de Rubén.

Según Bell, esta es una experiencia que se refleja en muchos hombres, incluido él mismo. «Tengo un hijo y una hija en la vida real, y crecí sin padre. Me criaron mujeres y también fui bailarín de niño, así que me influyeron mucho los entornos predominantemente femeninos», dijo. «Sentir profundamente la ausencia de mi padre moldeó en gran medida lo que creo que debo ser como hombre en la vida adulta».

En sus diálogos y tramas, HOMBRE A MEDIAS deja claro que no existe una idea única que defina la masculinidad. «No me gustaría que mi trabajo transmitiera la idea de que los hombres deben ser de una manera determinada. Espero que, en ‘HOMBRE A MEDIAS’, haya una explicación muy humana sobre lo que significa ser hombre: algo complicado, confuso», dijo Gadd.

UNA HISTORIA SIN HÉROES NI VILLANOS

A lo largo de los años, tanto Rubén como Niall viven experiencias traumáticas y autodestructivas en sus vidas, pero el enfoque de la serie no es ofrecer un juicio moral sobre las acciones de cada personaje, sino abordar lo compleja y destructiva que puede ser la idea de masculinidad que los hombres llevan consigo. 

«No los veo como héroes o villanos. Nunca tuve esa intención, de ninguna manera», declaró Richard. «Creo que, a pesar de todos los defectos de Ruben, él vive en un torrente de dolor. Y creo que el dolor hace que las personas hagan cosas locas e inaceptables. Pero creo que, al final de cuentas, todos están pasando por sus propias luchas humanas, que los convierten en quienes son. Y, por eso, nunca me gustaría resumirlo todo a una cuestión de bien contra mal».

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The Mandalorian and Grogu llega a los cines el 21 de mayo de 2025 con una misión clara: cautivar no solo a los fans de la serie, sino a toda una generación que creció con Star Wars. Francamente, es una misión digna de un Skywalker, porque los fans somos exigentes con la estética, los personajes y, sobre todo, con la nostalgia. En Mundo Películas te contamos qué nos pareció.

¿Cómo funciona la película?

La película arranca bien: la clásica tipografía amarilla de Star Wars aparece desde el primer minuto, esa referencia directa a George Lucas que funciona como señal inmediata para los fans de toda la vida. Lo que sigue tiene un tono de introducción que recuerda más a Marvel o DC que a Star Wars clásico, pero logra encajar justo donde debe.

El gran problema —o quizás la gran virtud— es que Grogu se roba la película completa. Con solo aparecer en pantalla, con su carita, su voz y sus escenas comiendo, el pequeño personaje opaca todo lo demás. Cuando la trama acumula demasiada información, su presencia funciona como un respiro que el espectador agradece.

Mandalorian y su crossover: ¿demasiado Marvel?

Aquí viene la crítica más honesta: hay un momento en la película donde uno deja de saber si está viendo The Mandalorian o Thor: Ragnarok. Quienes la vean entenderán de inmediato a qué me refiero. Disney tenía tantas ideas nuevas para Mando que recurrir a lo de siempre se siente como una oportunidad desperdiciada. Chiste repetido sale podrido, dicen. Funciona, sí, pero costaba más.

Grogu: el personaje más querible del universo Star Wars

Desde The Mandalorian y El libro de Boba Fett, Grogu ha demostrado que puede robarse cualquier escena. En esta película no es la excepción. Su ternura y su rol de alivio cómico lo convierten en el corazón emocional de la historia. Con 50 años de edad —sí, como Yoda— Grogu tiene mucho por delante, y Disney claramente lo sabe.

Pedro Pascal: el héroe chileno con casco

Para el público latinoamericano, y especialmente el chileno, Pedro Pascal es más que Mando. Con solo aparecer dos minutos, conquista a media sala. El gran chiste del universo Mandalorian —que un mandaloriano jamás puede mostrar su rostro— siempre genera esa tensión morbo entre los fans: ¿cuándo veremos la cara de Pedrito? La película juega con eso, y por esta vez, se le perdona todo.

Nostalgia y personajes clásicos: ¿vuelve Jabba the Hutt?

Un recordatorio importante antes de entrar al cine: la historia de The Mandalorian no ocurre en el mismo período que la saga principal. No esperes ver a Luke, Leia o Darth Vader. Es otro tiempo, otro contexto. Dicho esto, Disney logró tejer un hilo conductor nostálgico que funciona bien y deja la puerta abierta para más.

Veredicto final: ¿vale la pena ver The Mandalorian and Grogu?

Sí, vale la pena. Es una película familiar que cumple con lo básico: buena historia, buena música, un conflicto claro y mucho corazón. No hay que llegar con expectativas de obra maestra —es entretenimiento bien ejecutado que prepara el terreno para más aventuras del dúo.

Si amas a Grogu tanto como yo, la vas a disfrutar igual.

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Desde la primera temporada, elementos como la “pistola de portales” han definido el ADN de Rick & Morty, funcionando no solo como dispositivo de trama, sino como símbolo de su lógica interna: no hay una sola versión de los personajes, ni una sola versión de la historia posible. Esa premisa sigue siendo el centro de la novena temporada, que continúa explorando versiones alternativas de sus protagonistas en escenarios que van desde lo absurdo hasta lo existencial.

En ese contexto, HBO Max aprovecha el estreno para expandir la conversación hacia otras producciones que también trabajan la idea de realidades paralelas o universos alternos. Entre ellas destaca Stuart no logra salvar el universo, una comedia que toma el caos multiversal desde un ángulo más cercano al sitcom, pero llevado al colapso narrativo; Hora de aventura con Fionna y Cake, que reinterpreta su propio universo desde la idea de identidades alternativas; y títulos como Liga de la Justicia: Crisis en dos Tierras o Todo en todas partes al mismo tiempo, que ya han instalado el multiverso como una obsesión central del cine y la televisión contemporánea.

También se suma Peacemaker, cuya segunda temporada continúa explorando la tensión entre identidad personal y versiones alternativas del yo, aunque desde un enfoque más anclado en el drama de acción que en la comedia pura.

En conjunto, el estreno de la novena temporada de Rick & Morty no se presenta solo como el regreso de una serie animada, sino como parte de un catálogo más amplio donde el multiverso deja de ser una idea aislada para convertirse en una estructura narrativa recurrente. HBO Max aprovecha ese cruce para reforzar una línea editorial clara: historias donde la realidad nunca es estable y siempre existe otra versión posible de todo.

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La historia parte con John Blackthorne llegando a Japón, pero desde ahí la serie rápidamente deja de ser su viaje. En realidad, lo que pasa es que él empieza a perder control sobre cómo interpretar todo lo que ve. Y eso es interesante porque Shōgun no lo convierte en un “puente” entre dos mundos, sino más bien en alguien que constantemente llega tarde a entender lo que está pasando.

El otro eje, Toranaga, funciona casi al revés. Es un personaje que parece siempre un paso adelante, pero la serie evita hacerlo evidente de forma fácil. No hay subrayado constante de su inteligencia, más bien una acumulación de decisiones que, vistas en conjunto, van armando una lógica política bastante fría.

Lo que llama la atención es cómo la serie trata el poder. No es explosivo, ni especialmente ruidoso. Es más bien administrativo, casi burocrático en algunos momentos. Hay una sensación de sistema, de estructura que ya existe antes de que los personajes entren en ella. Y ahí la violencia no aparece como espectáculo, sino como consecuencia de moverse dentro de ese sistema sin entender del todo sus reglas.

Visualmente, la serie es contenida, a veces incluso demasiado controlada. Todo está muy bien medido, lo que funciona para el mundo que construye, pero en algunos episodios también deja la impresión de que nunca se permite desordenarse un poco. Es coherente con su propuesta, aunque no siempre resulta igual de vivo.

Blackthorne, en ese sentido, es útil más como punto de fricción que como protagonista clásico. No “descubre” Japón; más bien se equivoca de forma constante en cómo leerlo. Y la serie no lo castiga por eso, pero tampoco lo corrige demasiado. Lo deja ahí, en esa incomodidad.

Hay algo interesante en cómo Shōgun trabaja la comunicación. No solo el idioma, sino lo que se pierde en la traducción incluso cuando todo parece estar dicho correctamente. Es un tipo de tensión que no depende de la acción, sino de la interpretación.

En algunos tramos la serie se siente muy segura de su propia forma, quizá demasiado. Pero incluso ahí mantiene algo difícil de ignorar: la idea de que nadie está realmente entendiendo todo lo que ocurre, solo distintas versiones parciales de lo mismo.

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Fan’s por la nostalgia 

El team más querido está de regreso. Anne Hathaway, Meryl Streep, Emily Blunt y Stanley Tucci, todos juntos y como el vino… 

Volvieron a traer sus personajes y esta vez trayendo consigo el mejor de los cierres para sus personajes. Con historias llenas de sorpresas, encuentros emotivos y grandes evoluciones.

Una versión más psicológica

Para esta circunstancia la película muestra un lado B un poco más maduro que de la primera entrega. A comparación de El Diablo Viste A La Moda del 2006 para esta oportunidad podemos profundizar un poco más en cada personaje; sus miedos, rechazos, metas y cómo se han sentido con el paso de los años… Algo que se rescata mucho para esta versión ya que logramos sentir empatía por cada personaje que quizás en su primera versión no alcanzamos a ver del todo ya que es algo más “ superficial”. En esta secuela logramos entender las heridas de la gran Miranda y una Andy más madura que ya no lucha por encajar, sino por lograr su propio objetivo ( a pesar de ser ambicioso)

A veces las expectativas ganan… 

La película a pesar de que hayan pasado 20 años para esperar esta secuela. Se siente como una película hecha para el 2026. Con esto de la IA, que todos somos reemplazables es uno de los grandes puntos a tocar y en cómo nos estamos olvidando un poco de “vivir” puede sonar cliché, pero quien no extraña realmente sentarse a tomar un café y leer una revista… Queramos o no marcaron un gran hito. Hasta coleccionabamos pósters que venían en ellas y es algo que las generaciones de ahora probablemente no conocen o no ven la emoción que daba en su momento ver a tu artista favorito en la portada y es algo bien logrado y punto a favor para esta secuela. Tomarse una pausa para descubrir cómo en 20 años ha cambiado todo. La industria llegó para ser desechable al igual que la moda, al igual que nosotros…. Triste, pero cierto

Pero volviendo a la película y lo que sucede realmente que no es menor … qué pasa cuando esperamos por casi 20 años esta continuación y con casi un año de marketing por detrás, estamos a la espera casi que de la película más esperada del año, el espectador no entrará a la sala de cine como en cualquier otra película entrará más “aguja” porque las mismas redes nos hicieron entrar así. No es una película mala, pero sí ten este punto de vista claro y llega a

Apariciones icónicas

Para no caer en el maldito spoiler y no hacerles perder la magia, no diré quienes son los invitados sorpresas ( salvo que ustedes lo busquen por su propia cuenta en ese caso la culpa ya no es mía )

Pero es de mi agrado informar que en los 119 minutos de película hay más de una persona que verás en la pantalla y dirás -WOW- 

En ese sentido, todo lo prometido hacía la película está cumplido. El glamour, las colaboraciones y los cameos definitivamente llegaron a romperla. 

EN FIN… Como mencioné, es una buena película, si llegas con la mente con la cual viste la primera historia en el 2006, créeme que la disfrutarás, mucha red carpet , moda por todos lados, unos outfits MARAVILLOSOS, los personajes con unos atuendos 10/10 en cada momento. Pero será un goce sólo si la ves así, deja a un lado todo el marketing y toda esa expectativa de lado, porque sino de lo contrario por supuesto que elegirás la primera… 

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