La producción tendrá una proyección privada en la Cineteca Nacional el 16 de diciembre, como antesala a su recorrido por festivales nacionales e internacionales. El equipo apunta todas sus energías para poder estrenar en plataformas como Sanfic y Ficviña en Chile, y prepara su postulación al prestigioso Festival Clermont-Ferrand en el extranjero.

Un proyecto del cine emergente chileno

El cortometraje está protagonizado por Ian Castro Soto, actor con quien el director (Dhamian Gertosio) ya había trabajado previamente en proyectos académicos. En esta producción, Castro interpreta a Lorenzo con una actuación marcada por el dramatismo y la exploración emocional del personaje.

Ficha técnica

• Título: (Nadie le cree a) El niño que no habla
• Género: Drama psicológico
• Duración: 10 minutos

Equipo de producción:

• Producción: Renée Navarro
• Dirección: Dhamian Gertosio
• Dirección de Fotografía: Bruno Mellado
• Dirección de Arte: Amanda Olivares

Un nuevo estreno para la cartelera independiente y el cine local

El cortometraje representa una apuesta por el cine chileno de autor y busca consolidar presencia en el circuito festivalero. La producción combina elementos visuales y narrativos propios del drama psicológico, incorporando temas actuales como la salud mental, la percepción adolescente y la construcción de identidad.

La información sobre próximas funciones y fechas de estreno será anunciada por el equipo de producción en las próximas semanas.

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Cuando la ficción predice la realidad

En medio de una campaña presidencial, una candidata es víctima de una serie de «deepfakes», videos ultrarrealistas generados por inteligencia artificial, le atribuyen dichos y posturas que nunca tuvo. La historia, filmada el año pasado, encontró un eco casi idéntico en la política chilena reciente, cuando las candidatas a la presidencia, Evelyn Matthei y Jeanette Jara enfrentaron una campaña de desinformación similar.

Para Iñaki Velásquez, esta coincidencia subraya una de sus convicciones más profundas. “El cine siempre es una herramienta para el debate, ya que entra desde otro lugar que la noticia o la información dura. El cine entra a través de la emoción, la conexión con un personaje”, reflexiona el director. Es precisamente esa conexión la que, según él, permite al espectador empatizar con vidas y visiones políticas muy distintas a la propia.

Más allá de la política

Aunque el telón de fondo es una contienda electoral, Velásquez se apresura en aclarar que el corazón de su película late en otro lugar. “Este corto no busca ser un panfleto”, afirma. La verdadera historia, revela, es mucho más íntima y universal.

“El corto termina súper alejado del tema de la elección, porque se trata realmente de una mujer en una relación con violencia psicológica. Al final, el contexto electoral es la excusa para hablar de algo más profundo”. Es una invitación a mirar más allá de los titulares y los discursos para entender las complejidades del espíritu humano.

El superpoder de contar historias

¿Qué mueve a un cineasta chileno a contar estas historias que destacan en festivales internacionales? Cuando se le pregunta por la frase que define su motor creativo, Iñaki no duda: “Conectar con lo lejano”.

Para él, ese es el gran superpoder del cine. La capacidad de ampliar nuestro «imaginario colectivo», de permitirnos caminar en los zapatos de otros y entender el mundo a través de sus ojos. “Siento que ver más allá, conocer experiencias y tipos de vida muy diferentes al propio, es lo mejor para las personas. Y hacerlo a través de empatizar con personajes, por muy distintos que sean a nosotros, es la magia que solo el cine puede lograr”.

Con este premio, Iñaki se alista para llevar su cortometraje a festivales en San Diego, Seattle y Miami. Al mismo tiempo, reafirma que una historia nacida en Chile puede trascender fronteras, porque al final del día las emociones que nos mueven son universales.

Instagram Director: https://www.instagram.com/inaki_velasquez/
Instagram Cortometraje: https://www.instagram.com/dankapriscilladanka

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La inspiración

Su director, Iñaqui Velásquez construye en Van Gogh un universo visual con ecos de ‘Interestelar’, donde la ciencia ficción funciona como un lenguaje narrativo que amplifica la experiencia. La fotografía meticulosa y el ritmo pausado refuerzan la profundidad de la historia, alejándose del videoclip convencional para adoptar un enfoque cinematográfico.

El trabajo del artista visual Goran Kraljevic añade una capa extra de significado. Sus texturas pictóricas destacando la obra de Van Gogh, conectan el videoclip con una tradición artística que trasciende el tiempo. No hay referencias superficiales, sino una integración genuina entre arte, música y cine. En un mundo donde el contenido se consume rápido y se olvida aún más rápido, esta apuesta por la narrativa busca capturar a nuevas audiencias, interesadas en experiencias más envolventes.

Volver a los 90s

«Van Gogh» rinde homenaje a la mujer libre e independiente, y Javvi Elias interpreta su papel con fuerza y autenticidad. Su voz y la producción musical se integran sin esfuerzo con la historia visual. Katty Kowaleczko y Florencia Berner refuerzan el relato con actuaciones expresivas que suman profundidad a la propuesta. ‘Van Gogh’ demuestra que los videoclips aún pueden ser arte, aún pueden contar historias que nos atrapen y nos inviten a volver a verlos, como lo hacíamos en los 90 frente a la pantalla (hoy, el celular).

En una industria donde la inmediatez domina, Javvi Elias e Iñaki Velásquez apuestan por una obra que desafía las reglas del consumo rápido. ‘Van Gogh’ es un videoclip con una narrativa que dialoga con el cine, la pintura y la música, recordándonos que el storytelling sigue siendo la clave para conectar con las audiencias de hoy.

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Todo el mundo sabe: el cine experimental de Gloria Camiruaga permitirá contemplar en pantalla grande y con sonido envolvente una serie de obras con las que Gloria Camiruaga exploró de manera pionera el videoarte en un Chile sumido en la dictadura, el machismo, la censura y la violencia. Con una libertad y atrevimiento inusuales para la época, Camiruaga trabajó y se relacionó con artistas como Pedro Lemebel y las Yeguas del Apocalipsis, Leo Calderón, Nicanor Parra, Hernán Parada y Diamela Eltit, entre otros.

La muestra tendrá entrada gratuita, previa inscripción en Passline, y consistirá en dos funciones que recorrerán los trabajos audiovisuales más destacados de Camiruaga, los días miércoles 25 y domingo 29 de septiembre en el Centro Arte Alameda (Arturo Prat #33), marcando una ocasión especial en el que estas piezas serán proyectadas en una sala de cine, enfatizando en la cualidad audiovisual de una filmografía que ha solido contextualizarse dentro del arte contemporáneo, y ha sido exhibida en los más importantes museos del país, incluida la exposición Asir la vida recientemente en el MNBA.

La muestra tendrá entrada gratuita, previa inscripción en Passline, y consistirá en dos funciones que recorrerán los trabajos audiovisuales más destacados de Camiruaga, los días miércoles 25 y domingo 29 de septiembre en el Centro Arte Alameda (Arturo Prat #33), marcando una ocasión especial en el que estas piezas serán proyectadas en una sala de cine, enfatizando en la cualidad audiovisual de una filmografía que ha solido contextualizarse dentro del arte contemporáneo, y ha sido exhibida en los más importantes museos del país, incluida la exposición Asir la vida recientemente en el MNBA.

Gloria Camiruaga nació en Chimbarongo en 1940 y en los setenta estudió filosofía en la Universidad de Chile, y trabajó en Santiago como periodista de oficio y docente. En 1980 estudió Videoarte en el San Francisco Institute y comenzó así la realización de video experimental y más adelante realización documental, que han recorrido tanto exposiciones de arte como festivales internacionales de cine.

Todo el mundo sabe: el cine experimental de Gloria Camiruaga – programación completa:

Función 1 – Miércoles 25 de septiembre, 19 hrs.

Función gratuita con inscripción en Passline.

• MI PRIMER AMOR, MI PRIMER HORROR (3:30 min)
• CASA PARTICULAR (9:35 min)
• YEGUAS DEL APOCALIPSIS EN PERFORMANCE (6:28 min)
• DIAMELA ELTIT (10:24 min)
• TODO EL MUNDO SABE (10:41 min)

Función 2 – Domingo 29 de septiembre, 17 hrs.

Función gratuita con inscripción en Passline.

• El PAN NUESTRO DE CADA DÍA (7:05 min)
• LA VENDA (31 min)
• POPSICLES (5 min)
• DESDE LA INCERTIDUMBRE (8:41 min)
• +Conversatorio con Rocío Ramos Camiruaga y Pablo Stephens.

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En Chile se presentará en el marco del lanzamiento de su campaña de impacto el día viernes 26 de abril a las 10.00 am, con acceso liberado y previa inscripción, en el Centro para la Revolución Tecnológica en Industrias Creativas (CRT+IC), ubicado en el Movistar Arena. La actividad está organizada por CR+TC junto a Goethe-Institut, Organización Volver a casa, Mimbre Films, Mucha Media.

El proceso de trabajo nació hace 6 años cuando la directora Catalina Alarcón y su equipo decidieron producir y co crear junto a un grupo de internas madres de la cárcel de Valparaíso, una historia grabada en la cárcel en video 360 y realidad virtual, que involucra su realidad como mujeres privadas de libertad y la de sus familias. De manera colaborativa, crearon un museo virtual en donde se modelaron los objetos más preciados que las madres guardan de sus recuerdos familiares fuera de la cárcel. La experiencia para el usuario se vive con visores de realidad virtual, con una duración de 20 minutos.

Volver a Casa Madre VR es una coproducción de Mimbre Films, Mucha Media y la Organización Volver a Casa, y producida y escrita por Daniela Camino (El Viaje de Monalisa, IDFA 2019, AliEN 0089, Sundance 2023), Maria Court (Proyecto Quipu, IDFA Doclab 2015, El Estallido de las Cosas, Sheffield Doc Fest 2020) y Catalina Alarcón (La Gambeta, Cinelatino de Toulouse y Festival de Cine de Valdivia 2019).

AGENDA DE ACTIVIDADES

Volver a Casa: Madre VR se estará presentando al público en la siguientes fechas:

● 8, 9 y 10 de mayo: Exhibición en Goethe – Institut.

● 18 y 19 de mayo: Centro Cultural La Moneda en la Feria Malqueridas: Encuentros de Reinserción

La directora considera que “este proyecto abre una ventana hacia el exterior, generando un diálogo entre la comunidad que rodea la cárcel y las internas. Es además una obra que le da permanencia en el tiempo a una serie de objetos familiares, que las protagonistas de esta experiencia esconden y guardan con recelo al interior de la cárcel. Los esconden de la precariedad de ese espacio, pero también de la violencia policial”.

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La obra fue estrenada el 2021 en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde fue galardonada con el Premio a Mejor Cortometraje. “Los Huesos” ha sido seleccionado en más de 70 festivales y ha recibido premios en el Festival Internacional de Cine de Hong
Kong, el Festival de Cine de Sitges, el Festival de Cine Nacional de Ñuble, entre otros.

Tras su exitoso recorrido por festivales, el cortometraje llega al MoMA para integrarse a la colección del museo, compartiendo espacio con obras videográficas de referentes como Yoko Ono, Andy Warhol, Steve McQueen, Gordon Matta-Clark, Paul McCarthy, Miranda July, Chris Marker, Jean-Luc Godard, Laurie Anderson, Marina Abrahamovic y de chilenos como el Colectivo CADA, Lotty Rosenfeld y Juan Downey, entre otros.

“La brillante secuencia animada de Cristóbal León y Joaquín Cociña en la película “Beau is Afraid” de Ari Aster no hace sino confirmar lo que muchos de nosotros, aficionados, ya sabíamos y celebrábamos: que estos cineastas chilenos contemporáneos han demostrado ser dignos herederos de una tradición de cine inventivo, satírico e incluso subversivamente político que se remonta a Winsor McCay y Władisław Starewicz y que cuenta también con Jan Lenica, Jan Švankmajer y los hermanos Quay entre su linaje. Estamos encantados de
anunciar la adquisición de “Los Huesos”, para que pueda estar ahora junto a la obra de Luís Buñuel y Hans Bellmer, Dora Maar y Manuel Álvarez Bravo en la colección permanente del MoMA», comenta Josh Siegel, Curador del Department of Film del MoMA).

«Los Huesos» es una coproducción entre Pista B y Diluvio. Lucas Engel es el productor, mientras que el director Ari Aster («Midsommar», «Hereditary») y Adam Butterfield son los productores ejecutivos del cortometraje.

Su colaboración con Ari Aster continuó en la última película del director estadounidense, “Beau is Afraid”, donde León y Cociña junto a un grupo de 21 artistas chilenos trabajaron en la creación de animaciones y diseños para una de las secuencias del largometraje
protagonizado por Joaquin Phoenix.

«Con “La Casa Lobo”, León y Cociña me parecieron los claros sucesores de Jan Svankmajer y los Quay», dijo Aster a Variety sobre su decisión de abordar la película. «Aquí parecen canalizar a Ladislas Starevich y Joel-Peter Witkin, al tiempo que afinan su extraña e
inconfundible firma. “Los Huesos” es una película brillante de dos cineastas absolutamente singulares».

La premisa de «Los Huesos» es un llamado a la supuesta primera película de animación en stop-motion del mundo. Fechado en 1901 y excavado en Chile en 2021, el metraje de 16mm documenta un ritual en el que una niña utiliza huesos humanos para convocar a los
espíritus de los dos ideólogos más conocidos de los valores conservadores y oligarcas de Chile -el padre fundador Diego Portales y el estrecho colaborador de Pinochet Jaime Guzmán- para «reescribir» la historia.

“Los Huesos” está disponible en MUBI

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El corto dirigido por Katherina Harder y escrito por Rubens Juárez, nos transporta hasta el norte de Chile, en medio del desierto de Atacama, en donde conocemos a Antay (12), que ve su pueblo desaparecer frente a la sequía y el abandono. Junto a sus amigos intentarán aferrarse a los últimos rayos de sol, los fragmentos de su infancia y los lazos de quienes aún resisten.

El cambio climático es una preocupación actual a nivel mundial, y un patrón repetitivo. Son las ciudades y pueblos sin recursos económicos los más afectados, por lo que son el blanco perfecto para atacar sus recursos naturales por empresarios, de la mano de políticas nefastas. Es por eso que hoy en día, plasmar estas temáticas en pantalla se hace necesario, relevante, y son la voz de auxilio de los habitantes de diferentes regiones que están desapareciendo, e incluso, matando a sus pobladores.

Es así como Estrellas del Desierto se ha ganado el corazón y los trofeos a nivel mundial, no solo por su temática, sino que por el relato que nos plantea. Uno de los últimos premios que ha recibido la directora y su equipo, ha sido «Save the Earth!» entregado por el Ministerio del Medio Ambiente de Japón en Short Shorts Film Festival, uno de los festivales de cortometrajes más grandes e importantes de Asia y el mundo.

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Ampliamente galardonado en certámenes internacionales en más de 29 países, el corto rodado en norte de Chile, recientemente fue premiado por “Short TV”, canal de televisión estadounidense con gran reconocimiento a nivel mundial, que se dedica a los cortometrajes. Así, “Estrellas del desierto” será visto por la Academia junto a otros 200 otros shorts films del mundo, buscando ser parte del “Short List”, que se dará a conocer el próximo 21 de diciembre.

La obra fue filmada en el poblado de Pachica, en el interior de la primera región, y es protagonizada por Catalina Saavedra, reconocida actriz nacional, junto a niñes de la región. El rodaje plasma la grave crisis hídrica que se vive en el norte de nuestro país, bajo la mirada de un niño de 12 años que junto a sus amigos, ven a su pueblo desaparecer, mostrando así, una de las consecuencias de la crisis, la migración.

La directora, Katherina Harder, manifiesta que “Mantengo mis expectativas muy a raya porque se que entrar al “Short List” es muy difícil, y porque sea como sea, ya me hace tremendamente feliz todo el sorpresivo e inesperado recorrido que ha tenido, incluyendo esta calificación. Si que me gustaría que este tipo de reconocimientos contribuyeran a generar más apoyo al cortometraje en Chile y sobre todo, a las producciones regionales”, al ser consultada por las expectativas que este acercamiento genera.

Te dejamos, a continuación, una breve entrevista con la realizadora nacional.

¿Tenías expectativas tan altas como que el corto llegara a la academía?

Para nada. Jamás fue algo que pasó por mi cabeza. Ni tampoco esperaba que tuviese el gran recorrido que lleva hasta ahora. Todo ha sido muy sorpresivo. En lo personal para mí el hacer cine nace de la convicción, de esas ideas que te mueven profundamente y no te dejan dormir. Todo lo que involucra premios y nominaciones es siempre algo inesperado, no pensado, ni buscado pero que ciertamente se agradece mucho y son lindos reconocimientos para el trabajo de todo un equipo.

¿Qué ha significado para ti, como oriunda del norte de Chile, que este cortometraje situado en el mismo, este teniendo un recorrido tan importante en festivales?

Ésta es la primera obra que he podido grabar en mi región, todas las otras habían sido en Santiago y otros territorios, lo cual hace que este cortometraje y su recorrido tengan un especial simbolismo para mí.  Es muy emocionante ver como un relato con una historia local, con nuestros paisajes y geografía nortina, protagonizada por niñes no actores de Tarapacá, resuena y conecta de manera tan profunda con diversas personas y comunidades alrededor del mundo. Me encantaría que el cine hecho en regiones, sobre todo en regiones extremas como la nuestra continúe abriéndose caminos en su internacionalización. Una de las situaciones que más me emociona en todo este proceso, es todo el cariño que hemos recibido tanto por parte de la comunidad iquiqueña como por parte de la comunidad de Pachica quienes sienten que se abrió una ventanita de conexión entre Pachica y el mundo a través de esta obra. La otra vez alguien me decía “gracias a este corto, ahora sabrán que estamos en el mapa”.

¿Cómo fue filmar durante el estallido, luego afrontar la pandemia, y que aún así el resultado haya sido tan potente?

El rodaje fue en octubre del 2019, justo en pleno estallido. Estábamos en el pueblo de Pachica a dos días de comenzar el rodaje y empezamos a enterarnos de las noticias y de todo lo que estaba pasando. Fue sobrecogedor para todes porque a la vez que queríamos estar en la calle, el contar esta historia vinculada a la crisis hídrica cobraba un significado muy profundo precisamente porque era una de las tantas razones que nos estaba movilizando como sociedad. No fue fácil sacar adelante el rodaje en medio del contexto. De hecho, estuvo al borde de suspenderse. Todos los desafíos de estar grabando en una región extrema como la nuestra se complejizaron aún más. Fue una experiencia sumamente intensa pero que generó un lazo y atmósfera especial con el equipo. Hemos comentado internamente que será un rodaje que no olvidaremos.

Luego, cuando estábamos terminando el montaje vino la pandemia y nos tocó hacer toda la etapa de postproducción online.  No fue fácil abordarlo, pero logramos terminarlo. Luego vino la decisión de cuando comenzar su distribución. Muchas obras tuvieron que vivir sus recorridos online, de hecho, me tocó hacerlo con mi cortometraje anterior que había grabado en España, pero con Estrellas del desierto decidimos esperar un poco, con la esperanza intacta de poder estrenar presencialmente. Y así fue finalmente. Por eso y tantos otros motivos todo el recorrido desde entonces ha sido tremendamente emocionante.

Cuéntanos un poco del trabajo de la realización del corto junto a tu equipo, sumado a la fotografía que siempre sorprende y encanta en tu trabajo

Fue un proceso de trabajo en equipo muy bonito, con una atmósfera de mucha conexión, marcado, como decía anteriormente, por el eco profundo que nos hacía estar construyendo esta historia en medio de un momento histórico para Chile como era el estallido.

Respecto al trabajo estético, quería que el lugar se transformara en un personaje más. Siento que los paisajes nos dicen mucho sobre la historia, los personajes y sus emociones. Me fascina la posibilidad de poder explorar visualmente en atmósferas y sensaciones generadas por lo que vemos y lo que no. En ese camino, para este cortometraje tuve a un gran partner que fue mi director de fotografía Diego Lazo con quien venimos colaborando hace ya varios años. Tenemos una conexión muy linda y profunda porque además somos amigos hace tiempo, nos conocemos, hay mucha confianza, siempre dialogamos sobre nuestras maneras de ver las cosas y tenemos sensibilidades estéticas muy afines. A veces en el rodaje sólo con mirarnos con comunicamos y ya sabemos lo que queremos y estamos buscando.  Y eso siento que es una conexión muy única que agradezco y que enriquece todo el proceso. Además, para mí es maravilloso hacer películas con los amigos y personas que una quiere. Son pilares emocionales fundamentales en el proceso.

¿Por qué esta historia?

‘Estrellas del desierto’ es una búsqueda por explorar el conflicto de la crisis hídrica desde la mirada de la infancia. Y hacerlo desde la I región de Tarapacá, cuyas comunidades vienen atravesando por esta problemática desde hace ya muchos años, en gran parte por el extractivismo de las grandes empresas mineras y hoy además lamentablemente agravado por la crisis climática que azota al mundo entero. Me interesaba abordar esta historia desde un territorio con el que me he sentido muy conectada toda mi vida porque ahí nací, crecí, vive mi familia y están todos mis recuerdos de infancia. La geografía y paisajes del desierto conforman una parte muy importante de mi imaginario.

Me acuerdo que la primera imagen que me inspiró a escribir este cortometraje, fue una noticia que vi hace unos cuantos años en un canal de la televisión regional, en donde un niño en un pueblo del interior estaba peloteando solo contra la pared porque todos sus amigos se habían ido. Esa imagen me acompañó durante años y se transformó finalmente en la reflexión en torno al sentimiento de pérdida que quise explorar en este cortometraje. Esa pérdida de los afectos más importantes, de los lazos de amistad, de momentos, de recuerdos asociados al lugar en donde vivimos.

El cortometraje fue estrenado mundialmente en Junio de este año en Los Angeles, California y posteriormente fue parte de la selección oficial del destacado Festival de Cine de Tribeca en Nueva York, uno de los más importantes de la industria cinematográfica a nivel internacional.

A la fecha, cuenta con un impresionante recorrido en donde ya ha sido seleccionado en más de 60 certámenes internacionales en más de 29 países tales como :EEUU,  España, México, Argentina, Chile, Brasil, Francia, Grecia, Italia, Ucrania, , Portugal, Taiwán, Corea del Sur, Dinamarca, Finlandia, Alemania, Armenia, Bolivia, Ecuador, Colombia, Uruguay, Sudáfrica, Azarbajan, Rusia , Cuba, Panamá, Kenya, Turquía, Polonia, entre otros recibiendo diversos premios y reconocimientos tales como:

Mejor Cortometraje Internacional en New York Latino Film Festival , Mejor Cortometraje nacional en SANFIC, Mejor Cortometraje Internacional en el Festival de Cine de Ensenada (Argentina), Mejor Cortometraje Internacional en el Festival Internacional de Cine Ambiental de Serra da Estrela- CINEECO Seia (Portugal), Mejor Cortometraje Latinoamericano en el Festival Imágenes Sociales de la Rioja (Argentina), Mejor Cortometraje en el Festival de Cine de America – FICAH en México , Best Short Film for Children en DYTIATKO International Children’s Media Festival en Ucrania, Premio especial del jurado y mejor montaje en Visioni Corte en Italia y Premio especial del jurado en el Festival de Cine de La Serena- FECILS, convirtiéndose en el cortometraje iquiqueño más premiado de la historia y siendo destacado por Cinemachile como uno de los cortometrajes chilenos más importantes del año.

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En abril recién pasado, un hombre se subió al Metro de Brooklyn con una máscara de gas, lanzó una granada de humo y se puso a disparar contra el vagón. El cineasta chileno Iñaki Velásquez, radicado en  Nueva York, se inspiró en ese hecho reciente para realizar “Transeúntes”, cortometraje protagonizado por la actriz chilena Amara Pedroso y Matías Fünke, quien también co-dirige. En el elenco también están Katty Kowaleczko y Maria Olga Matte, que grabaron sus escenas en Chile.

Matías Fünke e Iñaki Velásquez son partners creativos. Desarrollaron el guión para la serie “Frow” (estrenada en Instagram, la primera serie vertical hecha en nuestro país). Luego escribieron y fueron co-directores en “Transeúntes” y ahora preparan un nuevo proyecto de serie juntos.

Amara Pedroso es un fenómeno dentro del cine indie neoyorquino tras su actuación en “Cha Cha Cha Real Smooth”, de Cooper Raif, junto a Leslie Mann (“Ligeramente embarazada”) y Dakota Johnson (“50 sombras de Grey”). Matias Fünke, cantautor chileno, que en mayo de este año, por su single “Sicker”, fue destacado en los billboards digitales de Nueva York.

VELÁSQUEZ: “Grabar en Nueva York fue muy intenso y emocionante”

Iñaki Velásquez tuvo un primer acercamiento a Nueva York gracias al festival New York Latino de HBO, donde estuvo dos veces seleccionado en categoría competitiva y clasificatoria al premio Oscar. Luego se mudó a la ciudad para realizar diversos estudios de perfeccionamiento, entre ellos el curso “Industry Essentials”, sobre industria del cine y la televisión, realizado por la revista Rolling Stone y la New York University.

“Estudiar aquí ya es un sueño. Había tenido la fortuna de visitar para participar en el festival de cine de HBO, donde estuvimos en competencia. Eso me sirvió conocer locaciones y ampliar las redes. Ahora que grabamos un nuevo cortometraje pude apreciar aún más esa oportunidad”, cuenta Velásquez desde la ciudad estadounidense. “Grabar un corto en Nueva York fue muy intenso y emocionante. Estuvimos en locaciones icónicas, en el metro de Manhattan, trabajando con actores chilenos y norteamericanos. Fue todo un desafío”.

“Transeúntes” sigue a Tonya (Amara Pedroso) y Félix (Matías Fünke), quienes cumplen su sueño de irse a vivir a Nueva York, donde siempre sintieron que pertenecían. Sus diferencias se agudizan al experimentar los excesos de la ciudad y su trayecto es interrumpido cuando un hombre armado abre fuego en el metro.

Para el director, este nuevo trabajo es una extensión de su obra anterior. “Este corto es una culminación de las temáticas que vengo trabajando hace tiempo, sobre identidad, pertenencia e historias reales. La inspiración ocurrió cuando yo ya estaba viviendo aquí, así que fue fuerte. Además, tuve una experiencia traumatizante de un asalto armado en mi casa, por lo que conecté con las emociones que viven los personajes. Fue un proceso intenso, pero muy emocionante”.

“En esta ciudad todo se siente distinto”, agrega Velásquez. “El ritmo es acelerado, hay vida en cada rincón, personas de todo tipo, es realmente un “melting pot” como dicen. Me enamoré de Nueva York”.

UNA SERIE EN LA LÍNEA DE “EUPHORIA”

Velásquez se encuentra además en la pre producción de la serie “Log Out”, co-creada y escrita con Matías Fünke, donde sigue trabajando en el formato de nuevos lenguajes. Su emisión será por YouTube y se encuentra entre la línea de series como “Elite” y “Euphoria”. Es una producción que habla sobre el mundo digital y de influencers, los transtornos mentales, la decadencia de la televisión y la cultura de la funa.

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Con más de 22 años de trayectoria el Festival Internacional de Cine de Lebu hoy es considerado el certamen más importante de cortometrajes en Chile y uno de los pocos de Latinoamérica en ser calificador a los premios Oscar en tres de sus competencias (Animación Internacional, Ficción Internacional y Ficción Regional). Gracias a lo anterior, la convocatoria se ha extendido a todo el mundo y este año se recibieron cerca de 6 mil obras, de las cuales 102 son parte de las 6 categorías de este año.

Gracias a su formato híbrido, el certamen lebulense que se realiza desde el 11 al 19 de febrero incluye ciclos de largometrajes y películas inclusivas en formato de autocine en tres comunas de la Región del Biobío. Lo anterior se complementa con la exhibición online de sus competencias; innovación implementada el 2021 debido a la pandemia que ha permitido llevar cortometrajes a todo el país y el extranjero de forma gratuita, aumentando considerablemente su impacto y proyección.

Todas ellas serán evaluadas por jurados de prestigio internacional y con paridad de género en su conformación. Allí destaca la presencia de las actrices nacionales Marcela Medel y Claudia Pérez; las realizadoras Tania Honorato e Isabel Orellana, la productora Flor Urbina;  la directora cubana Orisel Castro, la directora de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba, Susana Molina; la productora mexicana Erika Ávila; la periodista Carolina Gutiérrez; la directora del Centro Cultural de Ñuñoa,  Paulina Tranchino; la miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos, Linda Olszewski, la productora ejecutiva mexicana Ari del Castillo; o la directora de producción española, Belli Ramírez; por nombrar algunas

Otros nombres que destacan en la lista de jurados son el director español ganador del Goya, Javier Marco; el guionista José Ignacio Valenzuela; el creador y director del Festival Internacional de Cortometrajes de Río de Janeiro, Ailton Franco; el director de Awards & Global PR (EE.UU.) Álvar Carretero; el productor y director guatemalteco Elías Jiménez; el periodista Christian Ramírez; el compositor argentino Osvaldo Montes (“Tango feroz”, “El lado oscuro del corazón”); el músico Gonzalo Yáñez; el animador y guionista Thomas Wells; el fundador y director de Festhome, Moisés Tuñón; el experto norteamericano en tecnología fílmica, Henry Santos; el gestor cultural Andrés García; el académico Sergio Trabucco, o el colorista colombiano Diego Yhama; entre otros.

La invitación es a conocer los filmes en competencia a través de la página www.cinelebu.cl desde el 11 al 19 de febrero. Los cortometrajes que allí se pueden ver por plataforma festhome son los siguientes:

Animación Internacional

“Good night Mr Ted” de Nicolás Sole Allignani (España)

“Ah les crocodiles…” de Agathe Sénéchal (Francia)

“Yallah!” de Nayla Nassar  (Francia)

“La Bota” de Seyed Mohsen (Irán)

“Mitch-match #22” de Géza M. Tóth (Hungría)

“Los Huesos” de Cristóbal León y Joaquín Cociña (Chile)

“La copia feliz del edén” de Samuel Restucci y Emilio Romero (Chile)

“Cosas innecesarias” de Dmytro Lisenbart (Ucrania)

“Who The Fuck Are You” de Kai Soong Ng (Taiwan)

“Dear Brother” de Wei-chi fang (Taiwán)

“La casa de la memoria” de Sofía Rosales Arreola (México)

“Maman pleut des cordes” de Hugo de Faucompret (Francia)

“Anxious Body” de Yoriko Mizushiri (Francia)

“Night Train” de Sofia Gutman (Francia)

“Footsteps on the wind,” de Maya Sanbar y Gustavo Leal (EE.UU, Reino Unido, Brasil)
“Vuela” de Carlos Gómez-Mira Sagrado (España)

“Re-Animal” de Rubén Garcerá Soto (España)

“Loop” de Pablo Polledri (España)

“Steakhouse” de Špela Čadež (Slovenia)

“Bestia” de Hugo Covarrubias (Chile)

“Deshabitada” de Camila Donoso (Chile)

“A Menina Atrás do Espelho” de Luri Moreno (Brasil)

“The Sausage Run” de Thomas Stellmach (Alemania)

Ficción Internacional

“Actitud” de Pedro Morales (Chile)

“A Puerta Cerrada” de Javiera Cordero y Juan Cifuentes Mera (Chile)

“Hola” de Catherine Mazoyer (Chile)

“Historieta Amarga” de Leopoldo Muñoz (Chile)

“Cloro” de Alessandro Stelmasiov (Italia)

“Madres” de Daniel León Lacave (España)

“Cruel” de Toni O. Prats (España)

“Como cualquier otro” de Sergi González Fernández (España)

“Al-Sit” de Suzannah Mirghani (Sudán)

“Tasbeeh” de Iqbal Mohammed (Reino Unido)

“Trumpets” de Rakan Mayasi (Palestina)

“Buenos días, Ignacio” de Alan Jonsson Gavica y Leticia Fabián (México)

“Anomaly” de Gwai Lou (Malasia)

“Psycho” de Mostafa Davtalab (Irán)

“Frank & Emmet” de Carlos Puertolas (Estados Unidos)

“Sorda” de Nuria Muñoz-Ortín, Eva Libertad (España)

“Cigarrillos” de Rosario Pardo (España)

“La Banyera” de Sergi Martí (España)

“Row 79” de Hyung-suk Lee (Corea del Sur)

“La Esperanza” de Edna Sierra Duque y Wilson Arango (Colombia)

“Silent Storm” de Grace Hsia (China)

“Insurrección” de Andrés Aguayo Rodríguez (Chile)

“La Sorpresa” de Antonieta Diaz, Emilia Rodriguez- Cano (Chile)

“No se vende” de Nicholas Hooper y Valentina Sanz (Chile)

“MTI” de Mauricio Corco (Chile)

“Quantos Mais?,” de Lucas de Jesus (Brasil)

“Primerizos” de Isidro Escalante (Argentina)

Documental Internacional

“The face of the city” de Farhad Pakdel (Canadá)

“Igor” de Nestor Cantillana

“Principio y final” de José Zamarreño (España)

“Reinas del cielo” de Carla Ele (España)

“Yenifer, paso a paso tras un sueño” de Juan José Cañon (Colombia)

“Connecting the dots” de Dough Roland (EE.UU.)

“Frontline” de Santiago María López (España)

“Figurante” de Nacho Fernández (España)

“Esmeralda” de Samantha Orozco (México)

“Ida” de Ignacio Radone (Argentina)

“A plena vista” de Luis Palomino (México)

“Abisal” de Alejandro Alonso (Francia)

“El tik tok de Ale” de Walter Manrique (Perú)

“Abwah Makka” de Mohanad Diab (Egipto)

“A love song in spanish” de Ana Elena Tejeda (Francia)

“Sentido y razón” de Martín Pizarro (Chile)

“107” de Pedro Ladeira (Brasil)

“A deer falling into the see” de Marcos Huerta (Alemania)

“La huella” de Alexandra Pérez (Chile)

 Ficción Nacional

“En Un Lugar No Tan Lejano,” de Catherine Mazoyer

“En El Cielo Me Dejas Caer,” de Sebastián S Claro

“Volver a casa,” de Arnaldo Rocco Bruno

“Mis vecinas trágicas,” de Patricia Michele Cabrera

“La Vuelta” de Víctor De los Dolores

“G.P.S.” de Dante Arroyo

“La casa llena” de Paola Piña

“Petros” de Ivo Andrei Malinarich

“Kinderträume” de Benjamín Leiter Henríquez

“Shenu” de Mauro Maturana.

Documental Nacional

“Las joyas de la familia” de Enzo Destefani

“Pasacalle” de Luis Cáceres

“La memoria viva” de Valentina Durán

“Lo eterno del pasado” de Mauricio Montecinos y Javier Januka

“Mate amargo” de Víctor Hugo Gómez Sánchez

“Unarchive” de Cecilia Araneda

“El Cristo de Los Placeres” de Daniel Leyton Ormazabal

“Que hablen los ríos” de Álvaro Hamamé

“Sheraton, la huella de la memoria” de Margarita Poseck

Prontuario Olimpia Lagos, la colorina” de Fredy Rojas Matamala

Videoclip

“Al aire el río” de Felipe Díaz

“Megalomanía” de Bernardo Quesney

“Angustia-PTF” de Ignacio Ortíz

“Negro Rosa” de Franco Vitorio Bertozzi

“Dama Estela” de Felipe Ramírez

“Fisura” de María José Ayarza

“Sailor Moon a medianoche” de Picho García

“Siempre me miras así – Flecha” de María Emilia Martínez

“Con el frío” de Javier Alonso

“Tomahawk – Predators and Scavengers” de Diego Cumplido

“Bajo la laguna” de Mauricio Montecinos

“Sin piedad” de Miguel Ángel Pérez

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