Las grabaciones de la tercera temporada de Merlina fueron suspendidas temporalmente luego de que Eva Green sufriera un accidente durante el rodaje en Irlanda.

De acuerdo con los primeros reportes, la actriz francesa se lesionó una de sus piernas mientras participaba en una escena de la producción, por lo que el equipo médico acudió de inmediato al set y decidió trasladarla a un hospital como medida preventiva.

Como consecuencia del incidente, la producción reorganizó el calendario de filmación mientras Green recibe atención médica. Hasta el momento, no se ha informado la gravedad de la lesión, aunque diversos medios internacionales señalan que la actriz evoluciona favorablemente y podría reincorporarse a las grabaciones en los próximos días.

Eva Green se suma al universo de Merlina

La ganadora del BAFTA es una de las principales incorporaciones de la tercera temporada de la exitosa serie de Netflix. En los nuevos episodios dará vida a Ophelia Frump, la hermana menor de Morticia Addams.

El personaje fue insinuado al final de la segunda temporada y promete convertirse en una pieza clave de la historia. Según lo mostrado en el cierre de la entrega anterior, Ophelia es una figura enigmática con habilidades psíquicas cuya aparición deja abierta una nueva amenaza para Wednesday Addams.

La incorporación de Eva Green también marca un nuevo reencuentro con Tim Burton, con quien ya trabajó en películas como Dark Shadows, Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children y Dumbo.

La segunda temporada de Merlina se estrenó en Netflix en agosto de 2025 y mostró el regreso de Wednesday Addams a la Academia Nunca Más, donde enfrentó nuevos peligros sobrenaturales mientras exploraba el alcance de sus poderes.

La historia también profundizó en la relación entre los miembros de la familia Addams, el desarrollo de personajes como Enid Sinclair y la llegada de nuevos rostros que ampliaron el universo de la serie.

Por ahora, Netflix no ha informado si el accidente de Eva Green afectará la fecha de estreno de la tercera temporada.

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OJO! la reseña tiene MUCHOS Spoilers

La aberración

El libro bíblico de Levítico suele percibirse como una árida compilación de decretos antiguos y normas minuciosas. En su capítulo décimo, sin embargo, habita uno de los pasajes más sobrecogedores de la literatura religiosa: la muerte de Nadab y Abiú. Estos sacerdotes son fulminados tras ofrecer un ritual no autorizado, un «fuego extraño». Ante la muerte de sus hijos, Aarón permanece en silencio. La obediencia se impone incluso frente al duelo. Chiarella toma ese conflicto ancestral y lo deposita en el presente.

La película sitúa su acción en una comunidad religiosa aislada en la región de Victoria, Australia. Naim (Joe Bird) y Ryan (Stacy Clausen) viven su despertar afectivo bajo la vigilancia constante de un entorno que interpreta el deseo como una amenaza espiritual. Chiarella utiliza la puesta en escena para subrayar este aislamiento: los encuadres en pasillos vacíos y la frialdad de las mesas de disección de biología —donde los alumnos analizan ranas— operan como una metáfora visual de cómo la propia comunidad somete a los jóvenes a un examen clínico y moral constante, diseccionando su identidad.

Los adolescentes mantienen encuentros secretos en un edificio abandonado, lejos de los ojos de la congregación. Es allí donde un breve gesto introduce la tesis fundamental del filme: al mirarse en un espejo de ojo de pez mientras se abrazan, la culpa emerge antes que lo sobrenatural. Leviticus convierte las llamadas terapias de conversión en el núcleo de una pesadilla sobrenatural mediante un exorcismo inverso

Los líderes espirituales infectan a los jóvenes con una entidad parásita que adopta una mecánica perversa: toma la apariencia de la persona deseada para atacar. Cada acercamiento emocional activa el peligro, cada impulso afectivo desencadena una agresión, y el amor finalmente se transforma en trampa. El demonio-parásito no trae nada nuevo. Toma la vergüenza ya inoculada y le da un cuerpo. La criatura es la culpa hecha carne.

La víctima reproduce al verdugo

La tragedia alcanza su mayor complejidad cuando el propio Naim participa de la lógica de vigilancia que lo oprime. El detonante de toda la cadena de horror llega desde el lugar más inesperado: los celos. Al descubrir a Ryan besándose con Hunter (Jeremy Blewitt) en el molino, Naim actúa desde la herida. Denuncia la situación ante la comunidad, quedando expuesto también. Pero claro, los celos operan como el mecanismo más certero del sistema represivo. Naim delata desde el dolor, pero la estructura es la que recibe esa confesión y la convierte en instrumento de control.

Chiarella evita la comodidad de dividir el mundo entre víctimas inocentes y victimarios absolutos. Los sistemas de dominación más eficaces son aquellos que enseñan a sus víctimas a vigilarse entre sí. El fanatismo no necesita ejército cuando ha conseguido que cada creyente sea un centinela. Esta internalización de la violencia se anticipa sutilmente en la dinámica de los chicos de la iglesia, como el crudo juego de Hunter y Ryan de lanzarse piedras pesadas en el patio trasero antes de besarse: un autocastigo físico que evoca la lapidación de los textos antiguos.

Con 86 minutos y una notable economía narrativa, la película concentra la tensión en espacios cerrados, personas que no son y pesadillas que se sienten reales. El verdadero horror habita en la sensación permanente de estar siendo observado, juzgado, corregido: un estado que la comunidad ha logrado volver invisible porque lo llama fe.

La puesta en escena del aislamiento

Desde el punto de vista estrictamente cinematográfico, Chiarella demuestra madurez visual al rehuir de los sustos fáciles (jumpscares, que francamente me tienen podrido…) para apostar por el terror de atmósfera. La dirección de fotografía aprovecha los exteriores con planos abiertos y desolados que acentúan la desorientación y el desamparo de los protagonistas, contrastando la belleza árida de la naturaleza con estructuras industriales oxidadas y descoloridas que se sienten tan obsoletas como los dogmas que rigen al pueblo entero. Asimismo, la química entre Joe Bird y Stacy Clausen dota a la película de un corazón melancólico; desde mi punto de vista, es esa vulnerabilidad la que eleva el filme, logrando que el verdadero peligro no sea la aparición del monstruo, sino la devastadora quietud de los espacios en los que se van moviendo.

El fuego purificador frente al dogma

La relación entre el parásito y el fuego constituye el núcleo simbólico de la obra. En el Levítico bíblico, el fuego divino aparece asociado a la purificación, al juicio y a la autoridad de Dios. La comunidad de la película interpreta esa tradición como justificación para intervenir los cuerpos y disciplinar las conductas. El Deliverance Preacher (Nicholas Hope) encarna esa autoridad con la serenidad del que nunca ha dudado: alguien que ejecuta la norma sin preguntarse a quién destruye, porque destruir también es, en su teología, una forma de amor.

Chiarella toma esa misma imagen del fuego y la invierte. Las llamas reales son el único elemento capaz de dañar y ahuyentar a la entidad. Esta inversión posee una potencia dramática que excede el efecto de género: el símbolo cambia de dueño. Las llamas dejan de ser el instrumento del altar y pasan a ser la respuesta de quienes el altar pretendía consumir. Destruir el templo implica destruir el mecanismo que hizo posible la culpa. Allí donde Aarón guardó silencio frente al sacrificio de sus hijos, Leviticus imagina una respuesta distinta: el fuego abandona el altar y encuentra otro destino. Finalmente, esas llamas caen sobre la hipocresía que aprendió a llamarse pureza, no sobre las víctimas.

La necesaria visibilidad

El cine de terror ha funcionado históricamente como reflejo de las ansiedades colectivas, y Leviticus ratifica esta condición al abordar el trauma de las terapias de conversión desde una perspectiva simbólica, pero sin eufemismos. Para la comunidad LGBTQ+, este tipo de representaciones posee un valor que va más allá de la crítica cinematográfica. Al emplear el horror corporal y psicológico, la película visibiliza el daño real que producen las prácticas de manipulación disfrazadas de fe, acompañamiento o corrección moral. El terror obliga al espectador a habitar la experiencia de quien aprende a considerarse una aberración.

La comunidad retratada convierte la vergüenza en una herramienta de disciplina. Primero enseña a sus miembros a desconfiar de sí mismos y luego transforma esa inseguridad en un mecanismo de vigilancia permanente. El monstruo es la manifestación física de ese proceso.

Sin embargo, Chiarella huye de la resolución simple. El cierre definitivo en el autobús, con los jóvenes compartiendo auriculares al ritmo de Self Control de Frank Ocean, rescata que la película es, ante todo, una resistencia romántica. Que el parásito de la culpa siga acechando a lo lejos desde los campos no anula la victoria de su escape: han aprendido que su afecto es demasiado real como para esconderlo.

No solo Aarón se quedó callado…

Leviticus (2026) consolida una lograda alegoría teológica sobre la intolerancia. Adrian Chiarella construye una fábula de horror donde la sociedad prefiere enmudecer ante la destrucción de sus hijos antes que aceptar su identidad. La película encuentra en la culpa, la obediencia y el silencio los pilares de su discurso. La gente calla, Naim delata, Arlene (Mia Wasikowska) obedece. Cada uno representa una forma distinta de colaboración con una estructura que exige sacrificios humanos para preservar su autoridad.

Cuando la doctrina devora la empatía, el silencio se vuelve cómplice del horror.

Leviticus (2026) disponible en los cines del país a partir del 25 de junio.

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La primera temporada de Séptima Fila comenzó en marzo con un capítulo centrado en dirección de cine junto a Carmen Castillo, Marialy Rivas y Carolina Moscoso. Continuó con un segundo episodio dedicado a la actuación con Catalina Saavedra, Gastón Salgado y Matías Catalán. Y un tercer capítulo enfocado en la animación chilena junto a Vivienne Barry, Cristóbal León, Hugo Covarrubias y Francisco Visceral. Después, en una función especial titulada “Cortocircuito”, se exhibieron cortometrajes de cada uno de los directores. El podcast contempla diez capítulos, con un nuevo episodio cada mes.

La iniciativa busca trasladar al formato digital una práctica que ha sido parte fundamental de Centro Arte Alameda desde sus inicios: generar espacios de encuentro, conversación y reflexión en torno al cine más allá de la proyección. Este proyecto es financiado por el Fondo de Fomento Audiovisual, Convocatoria 2025 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

ESTRENO: VIERNES 19 DE JUNIO A LAS 20:00

ESTRENO: VIERNES 19 DE JUNIO A LAS 20:00

Mira el cuarto capítulo de Séptima Fila:

Capítulo 4: Roser Fort, Alex Doll, Marcelo Morales y Catalina Marín

El cuarto capítulo de Séptima Fila reúne a cuatro figuras clave de la exhibición y la gestión cultural en Chile para conversar sobre el presente y futuro de las salas independientes. A lo largo del episodio se abordan temas como la formación de públicos, la programación cinematográfica, los cambios en los hábitos de consumo audiovisual, el paso del cine análogo al digital y los desafíos de sostener espacios culturales dedicados al encuentro en torno al cine.

Roser Fort es directora y cofundadora de Centro Arte Alameda, espacio que desde 1992 ha sido un referente de la exhibición independiente en Santiago. A lo largo de más de tres décadas ha impulsado una programación centrada en el cine de autor, la diversidad cultural y la generación de espacios de encuentro, consolidando al Centro Arte Alameda como uno de los proyectos culturales más emblemáticos del país.

Alex Doll es fundador y director de Cine Arte Normandie, una de las salas de cine arte más antiguas y reconocidas de Chile. Desde 1982 ha contribuido a la difusión del cine de autor, la formación de audiencias y la construcción de una identidad cinéfila en Santiago, convirtiendo al Normandie en un espacio fundamental para generaciones de espectadores.

Marcelo Morales es periodista, investigador y director de la Cineteca Nacional de Chile. Desde esta institución lidera el trabajo de preservación, restauración y difusión del patrimonio audiovisual chileno, promoviendo además el acceso ciudadano al cine a través de exhibiciones, plataformas digitales y programas de formación de públicos.

Catalina Marín es montajista, cineasta y directora ejecutiva del Centro de Cine y Creación (CCC), espacio interdisciplinario y cine de barrio ubicado en Santiago. Su trabajo ha estado enfocado en vincular el cine con el territorio, impulsando iniciativas que fortalecen la participación comunitaria y el acceso a experiencias culturales desde una perspectiva cercana y colaborativa.

ESTRENO: VIERNES 19 DE JUNIO A LAS 20:00

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Netflix invitó hoy al mundo a conocer a Scooby-Doo, presentando en sus redes sociales cómo Scooby-Doo: El origen abordará al icónico personaje en una versión de acción real. Según informó la plataforma, esta será la primera vez en la franquicia de Scooby-Doo en que el personaje aparecerá como un perro de verdad.

La serie se encuentra actualmente en producción en Atlanta, Georgia, y tendrá su estreno mundial en Netflix durante 2027.

El elenco anunciado está compuesto por Mckenna Grace como Daphne Blake, Tanner Hagen como Shaggy Rogers, Abby Ryder Fortson como Velma Dinkley, Maxwell Jenkins como Fred Jones y Paul Walter Hauser.

La producción es descrita como una readaptación moderna del icónico grupo de amigos que viaja por el mundo resolviendo misterios junto con un perro muy especial. Durante su último verano en el campamento, los adolescentes Shaggy y Daphne se ven envueltos en un crimen sobrenatural que pudo haber sido presenciado por un cachorro perdido de raza gran danés. Junto a Vilma, una científica pragmática de un pequeño pueblo, y Fred, el apuesto chico nuevo, intentarán resolver un inquietante misterio que amenaza con revelar todos sus secretos.

La serie cuenta con Josh Appelbaum y Scott Rosenberg como showrunners, guionistas y productores ejecutivos a través de Midnight Radio. La producción ejecutiva también incluye a Greg Berlanti, Sarah Schechter y Leigh London Redman por Berlanti Productions y su acuerdo general con Warner Bros. Television; además de André Nemec, Jeff Pinkner y Adrienne Erickson por Midnight Radio. Toby Haynes participa como productor ejecutivo y director del episodio 101.

Durante más de cinco décadas, Scooby-Doo se ha mantenido como un referente de la cultura popular. La franquicia acumula tres películas para cines, más de una docena de series animadas y cerca de 40 películas animadas para el mercado doméstico. Mystery Inc. continúa siendo una de las propiedades más reconocidas e icónicas del entretenimiento, conectando con múltiples generaciones de seguidores.

La nueva serie se sumará al listado de producciones de Netflix filmadas en Atlanta, Georgia, entre las que se encuentran Stranger Things, Él y ella y las próximas a estrenarse ’Tis So Sweet, All the Sinners Bleed, Un mundo diferente, Where There’s Smoke y la quinta temporada de Dulces magnolias.

El estudio detrás de la producción es Warner Bros. Television.

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Escucha el tercer capítulo AQUÍ | Mira el tercer capítulo de Séptima Fila AQUÍ 

Capítulo 3: Vivienne Barry, Cristóbal León, Hugo Covarrubias y Francisco Visceral

El tercer capítulo de Séptima Fila está dedicado a la animación chilena y reúne a cuatro figuras de distintas generaciones y trayectorias para conversar sobre los procesos detrás de sus obras. A lo largo del episodio se abordan temas como el stop motion, el trabajo artesanal cuadro a cuadro, la construcción de universos visuales, el uso de distintas materialidades y las posibilidades creativas de la animación contemporánea en Chile.

Vivienne Barry es directora y animadora chilena, considerada una de las pioneras del stop motion en Chile. Es creadora de programas emblemáticos de la televisión infantil como Tata Colores y Ene tene tú, además de distintos proyectos fundamentales para el desarrollo de la animación nacional.

Cristóbal León, junto a Joaquín Cociña, ha desarrollado una de las obras más reconocidas de la animación latinoamericana contemporánea. Entre sus trabajos destacan La casa lobo (2018), Los huesos (2021) y Los Hiperbóreos (2024), además de videoclips para artistas como PJ Harvey, The Smile y Camila Moreno. Su trabajo cruza animación, pintura, y escultura.

Hugo Covarrubias es director, animador y cofundador de la compañía Maleza. Su cortometraje Bestia (2021), inspirado en la figura de la torturadora Ingrid Olderöck durante la dictadura chilena, fue nominado al Oscar en 2022 y reconocido en importantes festivales internacionales.

Francisco Visceral es director, animador e ilustrador chileno. Su trabajo cruza el stop motion, la animación 2D, el collage y la dirección de arte. Recientemente estrenó el cortometraje El Tamagochi Escarlata, que ha tenido un destacado recorrido por festivales, además de desarrollar colaboraciones en videoclips y distintos proyectos musicales y audiovisuales.

Escucha el tercer capítulo AQUÍ | Mira el tercer capítulo de Séptima Fila AQUÍ 

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Inspirada en el concepto griego de la katábasis: el descenso al inframundo, la experiencia nos invita a recorrer túneles, espacios olvidados y rincones invisibles de la metrópolis neoyorquina. Sin embargo, este experimento no es solo una exploración urbana porque se te transporta una dimensión mucho más humana y reflexiva. Su director, nos muestra ese mundo bajo las calles de Nueva York pero con una forma mucho más interesante y profunda de observarlo.

A lo largo del recorrido aparecen figuras humanas que emergen de la oscuridad para compartir fragmentos de sus vidas. Son personas que habitan estos espacios, trabajan en ellos o simplemente existen lejos de las miradas de la superficie. La forma de activar la conversación en mirarles a esa cara, esa cara que no tiene rostro, y es ahí cuando sus voces comienzan a construir un mosaico de historias que convierten los túneles en algo más que una infraestructura urbana. Es interesante porque te hace mirar a otros en un territorio habitado por memorias, experiencias y realidades que rara vez ocupan un lugar en el relato oficial de la ciudad.

Lo más fascinante de Katábasis es que nunca se siente como una experiencia invasiva o angustiante. A pesar de su vínculo conceptual con el inframundo, el recorrido transmite una inesperada sensación de calma. Hay algo profundamente contemplativo en la manera en que nos desplazamos por estos espacios. Las luces, las sombras y las siluetas humanas generan una atmósfera suspendida entre lo real y lo onírico, como si estuviéramos transitando por un lugar que existe fuera del tiempo, como en un camino hacía la muerte pero en calma, o al menos, así fue como me hizo sentir.

Por momentos, la experiencia se transforma casi en una meditación. Mientras avanzamos, el ruido del mundo exterior parece desaparecer lentamente. Las distracciones habituales quedan atrás y surge una rara sensación de conexión con el entorno y con uno mismo. No es casual que el descenso al subsuelo termine evocando algo más profundo que una exploración física y se convierta en una invitación a observar aquello que normalmente permanece oculto, tanto en la ciudad como en nuestra propia experiencia cotidiana.

Desde el punto de vista técnico, Arsac demuestra un notable dominio de las posibilidades del lenguaje inmersivo. Sin necesidad de recurrir al espectáculo constante, utiliza el espacio, la interacción y el sonido para construir una experiencia envolvente que encuentra su mayor fortaleza en la sensibilidad de su propuesta. La tecnología nunca busca imponerse sobre el contenido, por el contrario, desaparece para dejar espacio a las historias y a las emociones que emergen durante el recorrido.

Lo que permanece después de terminar Katábasis no son necesariamente las imágenes de los túneles ni la magnitud de Nueva York. Lo que se queda contigo es una sensación. La impresión de haber atravesado un espacio donde el tiempo avanzaba de otra manera, donde las voces invisibles encontraban un lugar para ser escuchadas y donde, por un instante, era posible escapar del ruido permanente de la superficie.

Katábasis es una experiencia inmersiva envolvente que realmente me cautivó. Es sobre escucharse, es mirar atrás y ver como el pasado se apaga junto con las luces, mientras avanzas por un túnel, una especie de purgatorio pacifico donde a veces te detienes a mirar a otro. También es sobre la presencia y la humanidad que este mundo veloz nos hace ignorar. Un descenso que no conduce a la oscuridad, sino a una forma distinta de mirar el mundo.

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La velada no fue solo una presentación de parrilla: fue la demostración de que Estudios Neverland, pionera en instalar el formato podcast como industria en Chile, en sus 7 años de existencia ha evolucionado hacia un modelo integral que incluye contenido multiplataforma, shows en vivo y su propia plataforma de streaming en www.estudiosneverland.com.

La noche comenzó con el humor de Esteban Araya, para luego dar palabras a Diego Carrasco, gerente general de Estudios Neverland, quien se mostró agradecido por la fidelidad de la audiencia y compromiso de los auspiciadores. “Hace siete años, cuando partimos Tomás va a morir, teníamos un sofá, micrófonos prestados y un staff de dos personas. No sabíamos cómo se hacía, pero sabíamos para qué: alivianar el peso de la existencia. Desde ese incipiente estudio hasta hoy, con catorce proyectos activos, plataforma propia de streaming y shows que llenan bares, teatros y arenas, tuvimos que arriesgarnos cada vez e ir aprendiendo sobre la marcha.” El gerente de operaciones, Gonzalo Pacheco complementó: “Todo esto es posible gracias al trabajo de más de 70 personas que mes a mes cuidan cada detalle, no porque alguien se los pida, sino porque les importa. Pensamos en ese estudiante que va apretado en el metro en hora punta, aguantándose la risa con los audífonos. En quien tuvo un día negro y llega a un show, y después de dos horas en una sala llena de gente riendo, se siente mejor. Ese cambio en su día es el motivo de lo que hacemos.» 

El evento reunió a más de 100 personas, donde destacan los rostros del estudio como Edo Caroe, Alison Mandel, Tomás Leiva, Alejandro de la Cruz, Manuel Ugalde, los recién anunciados Pamela Leiva y Eduardo Fuentes, con una participación especial de Raulín, además de distintas personalidades del entretenimiento y comedia nacional que son cercanos a la productora, como Don Carter, Erwin Padilla, Ignacio Socías, Fran Medina, Pau San Martín y Marcelo Valverde, entre otros.

Nuevos rostros, nuevas experiencias: Eduardo Fuentes llega a Estudios Neverland

La sorpresa de la noche llegó al cierre del evento. Eduardo Fuentes, querido periodista, animador y una de las caras más reconocidas de la televisión chilena, fue revelado como la gran incorporación de la noche, en un anuncio que el propio equipo mantuvo en secreto hasta el último momento.

Fuentes llega con dos proyectos bajo el brazo: un show en vivo junto a Edo Caroe, con quien mantiene una amistad desde hace muchos años, y del cual no pudieron adelantar mucho, pero Fuentes comentó sonriente “si nos imaginan como dupla, y hoy vieron a Don Carter acompañándonos, pueden inferir hacia dónde vamos”. El segundo proyecto, Uno Nunca Sabe, es un formato inédito de concursos que mezcla lo absurdo, la improvisación y grandes invitados. «Llevo años queriendo hacer estos proyectos, poder hacerlos, uno junto a Edo y el otro con este equipo, me tiene muy entusiasmado. Nos apasiona poder entretener al público, de verdad, y eso puede ser desde diferentes formatos, desde un programa de concursos absurdo, un show donde podamos reír sin límites. Estudios Neverland me da eso: producción de primer nivel y la libertad de hacer lo que me da la gana», complementó Fuentes frente a los asistentes. 

Pamela Leiva también se une: nueva voz, nuevo vodcast

La comediante Pamela Leiva fue presentada como la otra gran incorporación de la temporada. Amiga cercana del equipo y habitual de los pasillos de Neverland, Leiva confirmó que se viene un nuevo vodcast, aunque guardó los detalles para más adelante. «Estoy muy feliz de trabajar con Estudios Neverland. Los conocí en el verano, cuando hicimos No Tuve Vacaciones, y fue una tremenda experiencia. A raíz de eso nació la idea de traer un proyecto que tenía hace tiempo en carpeta y que por cosas de la vida no se podía realizar. Por fin lo vamos a hacer realidad acá, conozco al equipo y lo siento como una familia. Es un proyecto con un gran sentido, sé que lo vamos a pasar muy bien, pero además nos vamos a apoyar y nos vamos a contener”, adelantó Pamela Leiva con mucho entusiasmo.

“Es un orgullo que personas con la trayectoria y el cariño de la audiencia que tienen Eduardo Fuentes y Pamela Leiva apuesten por Estudios Neverland para realizar sus proyectos. Compartimos la misma visión: hacer entretención de calidad, con libertad creativa, para que los talentos brillen bajo su propia voz», señaló el gerente general Diego Carrasco. 

Edo Caroe vuelve al Movistar Arena

Uno de los momentos que arrancó más aplausos fue la presencia de Edo Caroe en el escenario: el comediante, mago y uno de los fundadores de Estudios Neverland, regresa al Movistar Arena con dos fechas: 27 y 28 de noviembre de 2026. El espectáculo contará con invitados especiales y momentos creados solo para la arena. Las entradas estarán disponibles desde el 8 de junio en https://edocaroe.cl/ , y para celebrar esa fecha con su comunidad, Caroe realizará una función especial de su show de comedia en bares “Habla, Cobarde!”, que será transmitida en vivo y de forma gratuita por YouTube. 

Una parrilla que consolida un ecosistema

El evento también fue el escenario para repasar los pilares que sostienen a Estudios Neverland. Tomás va a morir, con más de 230 millones de reproducciones acumuladas en Spotify y que durante 7 años ha liderado ranking de escucha nacional, en marzo estrenó su novena temporada. Free Solo, proyecto en solitario de Edo Caroe, evoluciona hacia un formato ampliado con streaming en vivo y un late mensual. Primerizas, conducido por Alison Mandel y Chiqui Aguayo, se incorporó este año al sello de la productora y ya registra un crecimiento del 20% respecto al año anterior, reflejo del salto que significa producir con Estudios Neverland. 

La diversidad de contenidos de la productora es amplia, con 2 temporadas de Charlas en un Pueblo Fantasma, vodcast conducido por Edo Caroe y el psicoanalista Manuel Ugalde, quienes con una mezcla de humor y reflexión, abordan la salud mental en un mundo en crisis. Y para los amantes del cine y series, Poscréditos, a cargo del famoso crítico Gonzalo Frías, prepara una nueva temporada con invitados que prometen interesantes conversaciones, incluyendo a bizarros personajes del cine mundial.

Ley de Murphy, exitoso show en vivo de Edo Caroe, Tomás Leiva y Alejandro de la Cruz, también anunció nuevas fechas, consolidando el brazo de espectáculos en teatros de gran nivel de producción de la productora.

Para cerrar la noche, los asistentes pudieron compartir un cóctel junto a los rostros de Estudios Neverland.

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Desde esa herida nace Raíces Ocultas, largometraje seleccionado para el Fantastic Round Robin del Fantastic Pavilion en el Festival de Cannes 2026, uno de los espacios más relevantes para el cine de género dentro del Marché du Film.

Sinopsis

François llegó a Francia siendo un bebé. Nunca supo cómo ni por qué. Años más tarde vuelve a Chile junto a su esposa embarazada para reencontrarse con sus tres hermanos biológicos en la isla de Chiloé. Lo que comienza como una búsqueda familiar pronto adquiere una dimensión inquietante: apariciones del Invunche —la criatura deformada de la mitología chilota— comienzan a perseguirlo.

La película explora el desarraigo, la memoria y el miedo a descubrir una verdad capaz de alterar por completo la propia identidad.

Proyección internacional

En 2025, el proyecto dirigido por Simón Bucher, participó en el SANFIC Mórbido LAB y posteriormente fue seleccionado para el Fantastic Pavilion de Cannes, posicionándose como una de las propuestas latinoamericanas de terror con mayor proyección internacional.

Ficha técnica

• Dirección: Simón Bucher
• Guion: Juan Bucher y Simón Bucher
• Producción: Miguel Yilales, Andrés Symon y Nicolás Werner
• Productoras: Mesa Grande Producciones, Ratelier y Musgo Cine
• Países: Chile y Argentina
• Idiomas: Español y francés
• Género: Folk Horror
• Duración: 90 minutos
• Estado: En desarrollo

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La edición de este año estará presidida por el cineasta surcoreano Park Chan-wook y reunirá a un jurado compuesto por Demi Moore (Estados Unidos), Ruth Negga (Irlanda/Etiopía), Laura Wandel (Bélgica), Chloé Zhao (China), Isaach De Bankolé (Costa de Marfil/Estados Unidos), Paul Laverty (Escocia), Stellan Skarsgård (Suecia) y el propio Céspedes en representación de Chile.

El jurado tendrá la misión de otorgar la Palma de Oro a una de las 22 películas en Competencia Oficial, además de los demás premios del palmarés, que será anunciado el sábado 23 de mayo en la ceremonia de clausura, transmitida por France Télévisions y Brut. a nivel internacional.

Para el cineasta chileno, este reconocimiento llega en un momento clave de su trayectoria. Céspedes fue premiado en Cannes 2025 en la sección Un Certain Regard por su primer largometraje La misteriosa mirada del flamenco, consolidando su vínculo con el festival. Su camino en Cannes, sin embargo, comenzó antes: su cortometraje El verano del león eléctrico obtuvo el Primer Premio de la Cinéfondation en 2018, marcando su irrupción en el circuito internacional.

Desde entonces, su obra ha circulado por festivales como San Sebastián, Sundance y Toronto, con títulos como Las criaturas que se derriten al sol (2022), caracterizados por una mirada íntima, política y centrada en identidades marginales y vínculos afectivos fuera de la norma. Actualmente desarrolla su segundo largometraje, The Case of a Boy Who Lost His Heart.

La presencia de Céspedes en el jurado refuerza el lugar del cine latinoamericano dentro de las instancias de decisión del festival, en una edición marcada por la diversidad de miradas, trayectorias y generaciones que conforman uno de los jurados más variados de los últimos años.

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