Al visitar un casino en línea, los jugadores pueden encontrar tragamonedas con todo tipo de temáticas: desde títulos inspirados en las clásicas películas del Viejo Oeste hasta juegos innovadores con temáticas originales. Los fanáticos del cine y las apuestas podrán disfrutar de todo tipo de juegos con temáticas de películas específicas o con diseños inspirados en clásicos de cine.

En este artículo, te hablamos de 5 películas legendarias que inspiraron la creación de slots en línea.

1. El Bueno, el Malo y el Feo

La clásica película de vaqueros del legendario Clint Eastwood no tiene una tragamonedas a su nombre, pero es una de las principales responsables de que los vaqueros hayan llegado a la cúspide de la fama en la cultura pop. Los vaqueros son tan populares que la temática de por sí se ha convertido en una insignia de los juegos de casinos online.

Hoy en día, tenemos acceso a juegos con temática de vaqueros como Wanted Dead or a Wild, que viene siendo uno de los títulos más populares lanzados por Hacksaw Gaming, o Wild West Gold, uno de los títulos de vaqueros más famosos desarrollados por Pragmatic Play. A esto se suman muchos otros juegos como Old Gun de Backseat Gaming, Tombstone RIP y Deadwood RIP de Nolimit City, y juegos con retornos altísimos como los de la serie Money Train de Relax Gaming.

Sin películas como El Bueno, El Malo y El Feo, y otros clásicos del oeste con Clint Eastwood como protagonista, la popularidad de los juegos de vaqueros no sería ni la sombra de lo que es hoy.

2. Jumanji

En 1995, Jumanji fue una auténtica revolución en el mundo de las películas, generando unos 262 millones de dólares con un presupuesto de 65. La presencia de Robin Williams, quien fue uno de los actores más destacados de los noventa, ayudó a impulsar a la película a la fama y la convirtió en un fenómeno global.

Años más tarde, el popular desarrollador de juegos de casino, NetEnt, lanzó al mercado una tragamonedas exclusiva de la película. NetEnt’s Jumanji incorpora una grilla de juego que pareciera el tablero de la película y viene repleto de rondas de giros gratis y pagos especiales.

3. Jurassic Park

Steven Spielberg es, sin duda alguna, uno de los directores de Hollywood más icónicos de todos los tiempos. Sus películas han introducido efectos visuales sin precedentes y temas jamás tratados en el cine norteamericano. Pocas de sus películas han alcanzado el nivel de fama de Jurassic Park, la cual combinó CGI con animatronics en 1993 y llevó el realismo hollywoodense a un nuevo plano.

La película original de Jurassic Park, que llegó a superar a E.T. como la más taquillera del mundo en su momento, también tiene su propia tragamonedas desarrollada por el prestigioso estudio IGT.

4. Los Cazafantasmas

Ghostbusters, cuyo tema principal sigue sonando en los 2020 tras llegar al puesto #1 del Billboard Hot 100 tras el lanzamiento de la película, tuvo un impacto sin precedentes en el cine cuando estrenó en 1984. La combinación de terror con comedia la convirtió en una de las películas más icónicas de los ochenta y noventa, protagonizada por el gran Bill Murray.

Los personajes más icónicos de la película, y no solo los cazafantasmas en sí, sino Marshmallow Man y Slimer, protagonizan el juego de Ghostbusters de IGT, el cual tiene una espectacular versión física que busca emular las experiencias 4D que asociamos con las mejores atracciones de Disney World.

5. Gladiador

Gladiador, lo que para muchos es la mejor película protagonizada por Russell Crowe, fue estrenada en el año 2000 y recaudó 466 millones de dólares con un presupuesto de 103. El actor ganó el Oscar por la película, y la franquicia pasó a convertirse en un ícono del cine de los 2000 y marcar una transición cinematográfica entre los noventa y el nuevo siglo.

Playtech desarrolló un juego inspirado en la película que busca poner a los jugadores dentro del Coliseo: los símbolos y temática de la tragamonedas “Gladiator” están adaptados a la perfección a la temática de la película. Este slot cuenta con escenas interactivas que lo hacen más inmersivo que otras tragamonedas con temática de películas.

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Y ahí aparece el elefante en la habitación ¿qué está haciendo realmente Marvel con este regreso? Todo indica que el estudio ha roto el cristal de emergencia llamado nostalgia. Ver a Chris Evans nuevamente es un disparo inmediato de dopamina colectiva, pero también instala una pregunta legítima para los fans: ¿esto es avance o repliegue?

Avengers: Endgame ofreció algo inusual en el blockbuster contemporáneo: un cierre definitivo para varios de sus personajes. Un final que respetaba el recorrido del héroe y le otorgaba sentido retrospectivo a toda una saga. Reabrir ese capítulo transforma ese cierre en un simple paréntesis. Si el conflicto central de Doomsday pasa por la paternidad de Steve y la amenaza de perder a su hijo —como sugiere el material filtrado—, el mensaje implícito es claro: las Fases 4 y 5 no lograron construir figuras con el peso simbólico suficiente para sostener la franquicia sin recurrir a la vieja confiable.

La jugada se vuelve aún más delicada si se mira el contexto interno del UCM. Mientras Anthony Mackie intenta consolidar su lugar como Capitán América, Marvel apuesta por un supuesto regreso del Steve Rogers “original”. El texto en pantalla, “Steve Rogers Will Return”, busca separar al hombre del escudo, pero el daño simbólico ya está hecho. En términos culturales, el mensaje se lee distinto: cuando las cosas se ponen difíciles, volvemos a donde fuimos felices.

Los Russo de Guadalupe

Todo parece articularse bajo una misma lógica emocional: padres protegiendo a sus hijos. Steve Rogers, Thor, Reed Richards y otros personajes se enfrentan a amenazas no desde el deber heroico universal, sino desde el miedo íntimo y doméstico. Doomsday empieza a perfilarse menos como una guerra por el destino del multiverso y más como un melodrama familiar con el presupuesto de nuestro PIB nacional. Es una maniobra emocionalmente manipuladora (y eso que soy escorpio). Y, seamos honestos, probablemente les funcione.

Siento que acá hay dos derivadas: Primero, Marvel está genuinamente preocupada por su capacidad de retener atención y conversación cultural. Segundo, está dispuesta a tensionar (e incluso erosionar) la coherencia de sus retiros narrativos con tal de reactivar el entusiasmo. Ver a Steve Rogers luchando por su hijo contra un Doctor Doom con el rostro de su mejor amigo muerto es el tipo de teleserie mexicana que los hermanos Russo pueden vender con total seriedad.

El UCM, por ahora, parece haber dejado de mirar hacia adelante para concentrarse en reescribir su propio pasado. Veamos qué tal siguen las otras filtraciones a ver si algo, nos termina por realmente sorprender.

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El descontento se sentía en las calles, y las manifestaciones de los trabajadores iban en aumento. Como respuesta, la dictadura promulgó un decreto que prohibía informar sobre las jornadas de protesta, se decretó estado de emergencia y, posteriormente, estado de sitio debido a los disturbios. También se publicó la Ley Antiterrorista, y cada manifestación terminaba con heridos y muertos.

El trío musical se conoció en su época secundaria, en primero medio. Aunque compartían el amor por la música, no tocaban instrumentos, por lo que todo comenzó como un juego bajo el nombre de Los Vinchukas. Con el tiempo, comprendieron que ese juego era su proyecto de vida, ahora como Los Prisioneros.

“Nuestras letras son un poco violentas, y esa era una razón para subirse al escenario, la excitación de poder defender una posición. Ahí la cosa se empezó a poner seria. Me di cuenta de que no había otra cosa que me llenara más”, comentó el vocalista Jorge González en una entrevista realizada en 1985 por la revista La Bicicleta.

Jorge compuso las canciones de La voz de los ’80 entre sus 17 y 19 años, por lo que estas reflejaban sus experiencias y vivencias de la adolescencia. Según la columna Lo visible e invisible de la subcultura juvenil en Chile en las décadas de 1980 y 1990, publicada en el Observatorio Historia y Política, en los años ’80 existía una visión peyorativa hacia la juventud, caracterizada como “floja” y despreocupada por el contexto nacional.

Además, los discursos adultocéntricos presentaban a los jóvenes como un elemento de conflicto: un grupo sometido a estereotipos y generalizaciones desarrolladas desde una perspectiva externa y sesgada. Mientras tanto, la juventud enfrentaba múltiples distinciones de género, socioeconómicas y demográficas, que resultaban invisibles a los ojos de los adultos.

En la entrevista con La Bicicleta, Jorge dejó en claro su desinterés por la política y cuestionó al folclore como algo identitario en Chile: “Nosotros somos tipos de clase media, de San Miguel, y allá no se escucha el folclore. Allá se escucha la radio, donde aparecen canciones en inglés, guitarras eléctricas y baterías”.

En sus inicios, el vocalista veía su música de como un puente entre las letras y el público, poniendo especial énfasis en el poder lírico de sus palabras. Finalizando aquella entrevista, consideró su posición frente a la vida, algo que se refleja en sus letras: “Entre ser un universitario y ser un Prisionero, creo que no hay donde perderse”.

Una nota publicada por la revista Apsi en 1987, manifestaba el sentimiento juvenil ante el contexto, regido por la sensación de “falta de oportunidades existentes en el Chile de hoy para los adolescentes”. La nota profundiza: “En los años 60 había esperanza … Allí había futuro. Actualmente, el proceso se revirtió … no hay confianza en el futuro”. Estas palabras reflejan el sentimiento de una juventud marginal e incomprendida en un contexto social, político y económico que se caía a pedazos.

Jorge González de 19 años, Miguel Tapia de 20 y Claudio Narea de 18, lanzaron su primer álbum, La voz de los ’80. Los Prisioneros se posicionaron como un símbolo para la juventud de aquella época, gracias a la rebeldía crítica e indiferente que el trío transmitía tanto en su desplante como en sus letras. Todo esto en un período marcado por el adultocentrismo y la dictadura cívico-militar de Pinochet.

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“Este es mi último baile”, fueron las palabras de la actriz, quien aseguro haber tomado la decisión previo a su trabajo en la serie que pondrá fin a su extensa y galardonada carrera.

Algunos de sus mayores logros en la industria se han reflejado en la nominación a: 4 Premios Óscar, 13 a los Golden Globes y 15 a los Premios Emmy. Esto le ha permitido hacerse de un hombrecito dorado, 3 globos terráqueos y una fémina alada por su desplante en Misery (1990), Los reyes de la noche (1996), Six Feet Under (2001) y American Horror Story: Coven (2013). 

Además, tras su último trabajo en Matlock, ha sido nominada a los Golden Globes 2025, por mejor interpretación femenina en una serie de televisión – Drama. 

Otras de sus interpretaciones trascendentales y que han dejado huella en la fanaticada, tanto en el cine, como en a televisión, han sido en producciones como: The Office, Midnight in Paris, The Big Bang Theory, Titanic, Primary Color, About Schmidt, El caso de Richard Jewell y Two and a half men. Que no te coma la nostalgia, siempre podrás revivir estas series y películas.

Matlock actualmente tiene solo una temporada de diez episodios, que aborda la historia de una abogada que se reincorpora a un prestigioso bufete de abogados, donde deslumbra por su talento resolviendo casos y develar irregularidades. Sin lugar a dudas, Kathy Bates ha logrado destacarse como actriz y encantar a la fanaticada tanto juvenil, como la no tan juvenil. Te extrañaremos Kathy…

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Müller inicia su trabajo con el documental Reportaje a Lota, sobre el trabajo y la lucha de los mineros del carbón. Posteriormente, colaboró ​​con Miguel Littin en la película La Tierra Prometida (estrenado en 1991) y con el director Raúl Ruiz en La Expropiación y Realismo Socialista. Esta última película no pudo ser estrenada por el golpe de Estado, pero fue terminada en 2023 por Valeria Sarmiento.

Reconocido por sus pares por su talento en el manejo del plano secuencia, La Batalla de Chile, de Patricio Guzmán, resultó ser su trabajo más reconocido como camarógrafo, aunque nunca pudo ver el documental en la pantalla grande.

Por su parte, Bueno se complementó como asistente de producción de Guzmán en El Primer Año y participó como productora, actriz y vestuarista en La Tierra Prometida de Littin, además de colaborar en diversos programas de televisión, especialmente en la producción de contenidos infantiles.

Carmen, de 24 años, y Jorge, de 27, vivían en la casa de Pablo Perelman. Ambos eran cineastas de profesión y militantes del Movimiento de Izquierda Revolucionaria (MIR). El golpe de Estado provocó que la labor cinematográfica se volviera incierta; Aun así, la pareja decidió no exiliarse.

Ambos trabajaron en la productora estatal Chile Films: Müller como camarógrafo y Bueno en cortos publicitarios. A pocos meses del 11 de septiembre de 1973, Caiozzi y Perelman los invitaron a unirse al equipo del filme A la Sombra del Sol, rodado en el desierto de Atacama.

El día del estreno fue fijado para el 28 de noviembre de 1974, en el cine Las Condes. Al día siguiente, ambos fueron detenidos por agentes de la Dirección de Inteligencia Nacional (DINA). Según relata Perelman a Radio Bío-Bío, los agentes reconocieron a la pareja de cineastas gracias a Marcia Merino, conocida como «la Flaca Alejandra», exmilitante del MIR.

La pareja fue trasladada al centro de detención de Villa Grimaldi, donde fueron torturados. Luego, fueron llevados al recinto de Cuatro Álamos, donde se comunicaban con señas cuando salían en fila al baño, hasta ser descubiertos. Ambos fueron trasladados con destino incierto y permanecen desaparecidos hasta el día de hoy.

En 1984, la asociación de cineastas inició esta fecha como el día oficial del cine nacional, en conmemoración de Carmen Bueno y Jorge Müller.

Si quieres saber más detalles de esta y otras historias del cine y documental chileno, no te pierdas las siguientes producciones:

• La Tierra Prometida: Estrenada en 1991, fue terminada por Littin durante su exilio en México debido a la dictadura. Relata la historia de un grupo de campesinos que deciden tomarse unas tierras en el sector de Palmilla para el ideal socialista.
• La Expropiación: Dirigida por Raúl Ruiz y estrenada en 1994, aborda la historia de un ingeniero agrónomo dispuesto a expropiar terrenos. En su travesía, se encuentra con un latifundista con quien entabla una relación.
• Realismo Socialista: Película de Raúl Ruiz, rescatada y reconstruida en 2023 por Valeria Sarmiento. Es una sátira al proceso de la Unidad Popular previo al golpe de Estado de 1973, que ilustra la relación entre las diversas capas sociales de la época.
• La Batalla de Chile: Estrenada en 1975, Patricio Guzmán narra el escenario político previo al golpe cívico-militar, ilustrando la respuesta de la burguesía frente a las medidas adoptadas por el presidente Salvador Allende.
• El Primer Año: La primera película de Guzmán, restaurado y estrenado 50 años después de su producción. Aborda el primer año de gobierno de la Unidad Popular.
• A la Sombra del Sol: De Silvio Caiozzi y Pablo Perelman, estrenada en 1974. Relata la fuga de dos presos que se asilan en el desierto de Atacama, donde encuentran un pequeño pueblo cordillerano. A partir de ahí, los prófugos se aprovechan de la hospitalidad de los habitantes.
• Punto de Encuentro: Dirigida por Roberto Baeza y estrenada en 2023, narra la historia de dos realizadores audiovisuales que se unen para reconstruir la historia de sus padres, quienes se conocieron cautivos en el centro de detención y tortura Villa Grimaldi.
• La Flaca Alejandra: Dirigida por Carmen Castillo y Guy Girard, estrenada en 1994. Retrata la conversación entre la directora y Marcia Merino, conocida como “la Flaca Alejandra”, exdirigente del MIR que colaboró ​​con la DINA en la detención de sus compañeros de militancia. 
  

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En la versión original en inglés, el título «Eternal Sunshine of the Spotless Mind» hace referencia a un poema de Alexander Pope, donde la «mente sin mancha» se asocia con la pérdida de la memoria. En este contexto, los cambios de cabello de Clementine podrían verse como una representación visual de su memoria fragmentada.

Cada color tiene un significado simbólico:

• La revolución verde: Este tono vibrante representa el inicio de la relación entre Clementine y Joel (Jim Carrey). Es un momento de frescura, esperanza y nuevos comienzos.
• La Amenaza Roja: A medida que la pareja se enamora, el cabello de Clementine se torna rojo, un color asociado con la pasión, el amor y la intensidad.
• El Agente Naranja: Este tono más cálido marca un punto de inflexión en la relación. El naranja simboliza la advertencia, el peligro y las primeras señales de que algo no está bien.
• La Ruina Azul: Cuando la relación de Clementine y Joel llega a su punto más crítico, su cabello se vuelve azul, un color que representa la tristeza, la melancolía y la desolación.

Estos cambios de color no solo reflejan el estado de la relación, sino también el viaje emocional de Clementine. A medida que avanza la película, ella experimenta una gama de emociones, desde la alegría del enamoramiento hasta la tristeza de la pérdida. El color de su cabello es una forma de expresar estas emociones de forma visual y visceral.

La próxima vez que veas «Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos», presta atención a los cambios de cabello de Clementine. No solo te ayudarán a seguir la cronología de la historia, sino que también te darán una mejor comprensión de su mundo interior.

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A casi un año del lanzamiento de su primer single titulado “Mónica”, Virco sorprendió con el lanzamiento de “No.”, sencillo para el que lx artista oriundx de Punta Arenas busca realizar un video colaborativo con los seguidores de esta novedosa propuesta artística. 

Tan rupturista como su canción antecesora, “No.” explora temas que nos invitan a reflexionar sobre sobre cómo vivir los abusos desde la empatía y la humanidad con frases delicadas pero a la vez directas como: «Mi cuerpo no es mío, mi vida no es mía», según versan en los primeros segundos del track que fue  financiado por el Fondo para el Fomento de la Música Nacional en su convocatoria 2023. 

Virco ha incursionado en sus dos cortes en géneros como el rock, el grunge y el metal, logrando dar una fusión a su sonido generando una atmósfera bastante vanguardista, rupturista y experimental en la antesala a lo que será el lanzamiento de su primer LP. 

“No.”, además de contar con la voz de Virco, fue interpretado por Alonso Velasco e Iñaki Mendoza en bajo y guitarra respectivamente, además de Benjamín Campos en batería y Arturo Zegers en el trabajo de masterización. El tema ya se encuentra disponible a través de distintas plataformas digitales como Spotify, Apple Music, Youtube y Tidal.

Junto a este último single y buscando nuevamente innovar, Virco ha lanzado una convocatoria abierta para que artistas de toda clase de disidencias, interpreten un extracto de la canción a través de animaciones de formato libre, para crear un vídeo musical completamente colaborativo que incorpore distintas voces y visiones sobre los tópicos abordados por  “No.” Como lo es la violencia racial, sexual, especista, medioambiental y política.

Las colaboraciones serán recibidas hasta el día 15 de Noviembre de este año a través de las redes sociales de lx artista donde pueden consultar más detalles o dudas sobre los requerimientos para el videoclip.

Especificaciones para envío de vídeo:
Formato: 1920 x 1080
Mínimo 3 segundos de animación (cualquier técnica)
INSTAGRAM VIRCO
FACEBOOK VIRCO
correo: vircomusica@gmail.com

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«HALLE BAILEY APRENDIENDO ESPAÑOL» YA SE ENCUENTRA DISPONIBLE AQUI

Cuando en 1989 llegó a los cines el clásico animado de Disney LA SIRENITA, las audiencias de todo el mundo conocieron la música que acompañaba la historia de Ariel, la joven sirena que soñaba con explorar el mundo más allá de su hogar. Aquella banda sonora creada por el compositor Alan Menken y el fallecido letrista Howard Ashman no solo fue distinguida con dos premios Oscar® a mejor banda sonora original y mejor canción original por «Bajo el mar», sino que a su vez colocó a Menken en la prestigiosa lista «EGOT», integrada por tan solo 18 artistas que a lo largo de sus carreras han recibido los premios Emmy®, Grammy®, Oscar® y Tony®.

34 años después de aquel estreno, canciones como «Bajo el mar» y «Parte de él» siguen formando parte de la cultura popular y llegando a los corazones nuevas generaciones. En LA SIRENITA, el nuevo film de acción real que llega mañana a los cines, las icónicas canciones de la película original regresan en las voces de Halle Bailey, Melissa McCarthy, Awkwafina y el resto del extraordinario elenco que da vida a la historia, al tiempo que la banda sonora se expande con tres nuevas canciones —»Aguas indomables», «Primera experiencia» y «Hay un rumor»— que llegan de la mano de otro gran creativo: el productor y letrista Lin-Manuel Miranda. Un nuevo contenido adicional, «Halle aprendiendo español» ya se encuentra disponible aquí.

Estos son seis datos clave sobre el proceso creativo detrás de la música del nuevo film.

LIN-MANUEL MIRANDA ES EL FAN #1 DE LA MÚSICA DE LA SIRENITA

Para Lin-Manuel Miranda, incorporarse al equipo creativo detrás de la música de LA SIRENITA fue tan maravilloso como aterrador. El productor y letrista es un fanático confeso de la película original, al punto que expresó que probablemente sea más responsable de su amor por la narrativa musical que cualquier otra cosa en su vida.

Dice Miranda:

«Howard Ashman estableció un estándar increíble como letrista. Creo que ‘Parte de él’ es una de las canciones de personaje más grandes de todos los tiempos porque es una balada extraordinaria y al mismo tiempo es muy conversacional, sin sacrificar ninguna de las dos cosas«.

Alan Menken, en tanto, asegura que haber unido fuerzas creativas con el talentoso creador de Hamilton, el musical fue un regalo, y no escatima en elogios para el artista. «Lin es absolutamente invaluable como talento, como intelecto y tiene un gran corazón. Lo conozco desde que era niño, así que se me hincha el pecho de orgullo viéndolo hacer lo que hace y sabiendo que la película original tuvo un papel tan importante en su vida. Todo eso hizo que trabajar juntos fuese un placer inmenso«.

EL LEGADO DE HOWARD ASHMAN SE HONRÓ CADA DÍA DURANTE EL PROCESO CREATIVO

Para el equipo liderado por el director Rob Marshall, y especialmente para Alan Menken, encarar la realización de una nueva versión de LA SIRENITA sin el aporte del extraordinario letrista Howard Ashman, fallecido en 1991, era un gran desafío emocional y artístico. «No hubo un solo día sin que Alan mencionara a Howard y lo trajera a la conversación. Se aseguró de que no nos olvidáramos de su genio«, señala el productor John DeLuca.

Menken, por su parte, valora especialmente el amor de las audiencias por LA SIRENITA y guarda un recuerdo muy especial de la experiencia de creación de esa música junto a Ashman.

«No me puedo quejar si la gente quiere volver a cosas que hice en el pasado y me dice ‘hagamos una nueva versión de esto’. LA SIRENITA, entre todas, es como la joya más bonita. Fue la primera. Howard todavía estaba bien cuando la hicimos, aunque sabíamos que tenía los días contados. Fue una época muy feliz y maravillosa«, recuerda el compositor.

LAS CANCIONES SE GRABARON CON UNA ORQUESTA DE 100 MÚSICOS

Las canciones de LA SIRENITA se grabaron a comienzos de 2020 en los famosos AIR Studios de Londres, donde el elenco tuvo el extraordinario privilegio de cantar junto a una orquesta de cien músicos provenientes, en su mayoría, de la Orquesta Filarmónica de Londres. «Cantar con una orquesta enorme fue muy emocionante, especialmente grabar en los icónicos AIR Studios, que se alojan en una iglesia convertida. Las iglesias y la energía que hay dentro siempre me parecieron algo mágico, así que fue una de las experiencias más hermosas de mi vida«, confiesa la actriz Halle Bailey, quien da vida a Ariel en el film.

LOS TEMAS MUSICALES SE REPRODUCÍAN EN EL SET DURANTE EL RODAJE

Una vez grabadas, Marshall llevó las pistas definitivas al set con la misión de inspirar al elenco en escena a través de la fuerza única de la orquesta. Así, se aseguró de que el departamento de sonido les diera audífonos a cada uno de los actores y las actrices para que pudieran escuchar la banda sonora en cada escena que correspondiera. «Ya habíamos pregrabado las canciones, pero Rob también quería tratar de captar algo en vivo del set, lo que ayudó muchísimo a crear atmósfera«, explica el actor Jonah Hauer-King, quien interpreta al príncipe Eric en la película.

LA CANTANTE AWKWAFINA IMPRIMIÓ SU SELLO EN UN RAP MUY SINGULAR

El elenco de LA SIRENITA está integrado por la actriz y cantante Awkwafina, quien presta su voz en inglés al ave Scuttle, uno de los grandes compañeros de Ariel. En su rol, la artista no solo transmite con un humor único el carisma y la energía de Scuttle, sino que además brilla especialmente en un momento especial de la historia: al cantar la nueva canción «Hay un rumor», cuyo título significa «rumor» en inglés.

Cuenta Marshall: «Estábamos buscando una canción rítmica y vertiginosa, que fuera divertida y excéntrica para Scuttle. En esa canción, Scuttle da las noticias del reino y, por supuesto, lo dice todo mal«. El director explica que decidieron darle un estilo rapero a la canción porque Scuttle habla muy rápido, un desafío que Awkwafina superó con creces. «Lo genial de Awkwafina en el papel de Scuttle es que ella le aporta una energía alocada y única al personaje«, asegura.

ROB MARSHALL SE INSPIRÓ EN EL MISMÍSIMO WALT DISNEY PARA DAR VIDA A «BAJO EL MAR»

Para dar vida a la interpretación de «Bajo el mar», Marshall y su equipo se enfrentaron a la ambiciosa tarea de crear un número musical con la presencia de 500 criaturas de mar animadas y tan solo un actor real. Al momento de desarrollarlo, el realizador supo a quién recurrir como fuente de inspiración. 

«Lo primero que pensé fue: ‘¿qué hubiese hecho Walt Disney?’ Inmediatamente pensé en la manera en la que Disney encaró la secuencia de danza «Nutcracker Suite» para la película FANTASÍA, y recordé que había llevado la compañía de Ballets Rusos a los estudios de Disney en Anaheim, de manera que los artistas pudieran usar sus movimientos como base para los bailes de las flores, los hongos y los copos de nieve».

A fin de seguir el mismo proceso, Marshall convocó a los bailarines de la Alvin Ailey Foundation para representar la compleja coreografía bajo el mar y ubicarse en los lugares de todas las extraordinarias criaturas que forman parte. De la mano de los reconocidos coreógrafos Joey Pizzi (Chicago, EL REGRESO DE MARY POPPINS) y Tara Nicole Hughes (EL REGRESO DE MARY POPPINS), se crearon pasos de danza específicos para lirios de mar, lapas, peces golondrina, anguilas, tortugas marinas, pulpos, medusas y más especies. «Comenzamos con guiones gráficos, luego pasamos a las animáticas y luego a las previsualizaciones. Fue el proceso de diseño de un número de producción más complicado que hicimos en la vida«, confiesa el cineasta, al tiempo que cuenta que él y su equipo tardaron más de dos años en completar la secuencia.

A partir de mañana, 25 de mayo, las audiencias del mundo entero viajarán bajo el mar para bailar, cantar y conmoverse con una de las bandas sonoras más extraordinarias de todos los tiempos, descubriendo en cada canción un poco de la magia hecha por un equipo único, con talento, entrega y amor absoluto por una historia eternamente vigente.

La nueva banda sonora de LA SIRENITA de Disney ya está disponible en Apple Music, Spotify y Amazon Music. El video clip de «Part of Your World» puede verse en YouTube.

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2. Muchos de los monumentos más conocidos de París aparecen en momentos claves de la película. Entre ellos tenemos: el arco del Triunfo, la casa de la Ópera de París (palacio Garnier), la torre Eiffel, el palacio de Vaux-le-Vicomte (donde se ambienta la mansión de la condesa Sekou) y el puente de los candados.

3. Esta es la primera vez que se ha filmado una escena de riesgo en la parte más alta de la torre Eiffel, a más de 300 metros de altura.

4. Las escenas de peleas con Aniston, Sandler y Strong en la cima de la torre Eiffel se rodaron durante diez noches consecutivas. Sin embargo, como era la época más fría del año, se construyó un modelo a escala de los niveles superiores de la torre dentro de un estudio, para que todos pudieran filmar sus escenas sin congelarse. 

5. La producción tuvo solo 24 horas para filmar una escena principal en el Palacio Garnier, la famosa casa de la Ópera de París. Si bien el set del escenario de la ópera no es real, los cantantes sí son integrantes de la Ópera de París. 

6. Ya que las novias en la India se visten de rojo para la ceremonia nupcial, el vestido de Aniston era de color blanco, para que ella y Sandler contrastaran con los otros invitados a la boda, vestidos en tonos de rojo (del lado de la novia) y morado (del lado del novio).

7. Para el acto musical durante el sangeet, una parte de la boda en la que se conocen las familias del novio y de la novia, se les pidió a la coreógrafa Mahina Khanum y al compositor Avishaï Léger-Tanger crear un espectáculo muy acorde con los extravagantes gustos de Vik.

8. Khanum usó más de 50 bailarines de la comunidad india en Francia especializados en diversos estilos, que incluyen el hip-hop, el ballet y hasta el can-can.

9. Khanum no les enseñó a Aniston ni a Sandler la coreografía a propósito, para que la confusión y la improvisación de los personajes durante esta escena fueran auténticas.

10. Para su ingreso a Le Jules Verne, Aniston lleva puesta una chaqueta blanca de The Row y un vestido de Yves Saint Laurent. También viste íntegramente de YSL durante la escena en el puente de los candados.

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Un restaurante de lujo en una isla en la costa estadounidense del Pacífico. Un chef mundialmente famoso. Un magnífico menú. Un diverso grupo de comensales. Un equipo gastronómico infalible. Esos son los ingredientes que integran EL MENÚ, un nuevo thriller satírico que estrena en cines el 1 de diciembre y que ya en su tráiler revela una trama imperdible con tensión en aumento y mucho humor ácido.

 
La historia comienza con una pareja integrada por Margot (Anya Taylor-Joy) y Tyler (Nicholas Hoult), que viaja a una isla en la costa del noroeste del Pacífico para cenar en un exclusivo restaurante a cargo del antipático y mundialmente famoso chef, Julian Slowik (Ralph Fiennes). Allí, Slowik prepara un fastuoso menú para doce especiales comensales respaldado por un afilado equipo de cocina. A medida que transcurre la velada va aumentando la tensión en todas las mesas mientras se van revelando secretos y se sirven platos inesperados. Con cada acontecimiento violento y tormentoso se empieza a vislumbrar la verdadera motivación de Slowik, y los comensales empiezan a inquietarse cuando caen en la cuenta de que su elaborado menú está diseñado como catalizador de un final de fiesta estremecedor.
 
Gran parte de la película transcurre en Hawthorn, un restaurante imaginado especialmente para el film que funciona como un personaje más de la historia. Su creación es el extraordinario resultado de un talentoso equipo detrás de cámara que supo poner lo mejor del look and feel de la gastronomía contemporánea al servicio de una trama atrapante.

ESPACIOS QUE COBRAN VIDA
 
Cuando el diseñador de producción Ethan Tobman (FREE GUY: TOMANDO EL CONTROL, Reporte clasificado, La habitación) se puso al frente de la creación del mundo de Hawthorn, supo de inmediato que cada espacio dentro del restaurante debía acompañar el recorrido emocional de los personajes.
 
La cocina, el centro de operaciones de Slowik y su equipo, fue creada para evocar una iglesia, un lugar de veneración en el que la elaboración de cada plato sea una experiencia espiritual. El baño donde Margot va en busca de algo de tranquilidad en un momento de la velada tiene una pared de roca rústica que expresa el tema recurrente del choque entre modernidad y naturaleza. El salón del restaurante, en tanto, tiene un aspecto rígido y minimalista, al tiempo que el paisaje exterior se insinúa desde una ventana panorámica que sugiere la creciente necesidad de escapar.
 
«Es teatral, asimétrica, impresionante y austera. Tiene algo escalofriante», señala Tobman.
 
En este sentido, Tobman explica que el entorno exterior de Hawthorn está en sintonía con el tipo de gastronomía de Slowik. «Desde que llegas a la isla hay vistas muy impactantes, que no se ven en el mundo real. No es un lugar real. Es una referencia clara al tipo de experiencia que van a tener allí. Además, ninguno de los platos es ni remotamente práctico. Crearlos requiere un equipamiento de veinte mil dólares y, si no se consumen dentro de los tres minutos, se caen. La naturaleza se retrata de manera similar. Se la alteró hacia formas geométricas específicas que no existirían de no ser por la intervención humana», describe.

INSPIRACIONES DE AQUÍ Y ALLÁ
 
Los detalles que la audiencia descubrirá en los distintos rincones de Hawthorn fueron creados por un equipo liderado por Gretchen Gattuso, la decoradora de escenografía de EL MENÚ, a partir de la inspiración en corrientes artísticas, restaurantes reales y películas emblemáticas.
 
«El restaurante se va transformando a lo largo de la película –explica Gattuso–. Va evolucionando de un plato a otro. Mi interrogante más importante fue cómo iba a hacer evolucionar el set».
 
Para diseñar la icónica puerta rotatoria cerrada con llave que da paso a Hawthorn, de una presencia especial en el film, Gattuso se inspiró en los frescos florentinos y en la película de Luis Buñuel de 1962, El ángel exterminador.
 
Para crear el aspecto visual de Hawthorn y el estilo culinario de Slowik, Tobman supo desde un principio que el lugar debía reflejar esencialmente la visión del chef. Sin embargo, el equipo de producción se inspiró en algunos de los restaurantes más renombrados del mundo, incluyendo  el ahora cerrado restaurante sueco Fäviken, a cargo del chef Magnus Nilsson; el aclamado restaurante catalán El Bulli, producto de la visión del chef Ferran Adrià; el French Laundry, de Thomas Keller, ubicado en Sonoma, California; y el trabajo de René Redzepi, chef del exclusivo restaurante danés Noma.
 
«Tratamos de incorporar algunos elementos de fuego, con llamas abiertas, porque es una tendencia nueva en los restaurantes y los chefs están empezando a incorporarla a sus cocinas», agrega Gattuso.

HECHO EN GEORGIA
 
Los escenarios interiores de Hawthorn se crearon en estudio, pero el exterior del restaurante se filmó en distintas locaciones del estado de Georgia, en Estados Unidos. La locación central está en la ciudad de Savannah, donde Tobman y su equipo cubrieron un cobertizo que ya existía, que por lo general se usa para bodas, con una fachada de concreto, y usaron mantillo negro y piedra caliza blanca para completar la evocadora entrada al restaurante. También se filmó en locaciones de Fort McAllister State Park, World Trade Center Atlanta, Skidaway Island Community Gardens, Driftwood Beach en Jekyll Island, Hampton Island Retreat y Tybee Island.
 
EL MENÚ estrena en cines el 1 de diciembre.

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