OJO! la reseña tiene MUCHOS Spoilers

La aberración

El libro bíblico de Levítico suele percibirse como una árida compilación de decretos antiguos y normas minuciosas. En su capítulo décimo, sin embargo, habita uno de los pasajes más sobrecogedores de la literatura religiosa: la muerte de Nadab y Abiú. Estos sacerdotes son fulminados tras ofrecer un ritual no autorizado, un «fuego extraño». Ante la muerte de sus hijos, Aarón permanece en silencio. La obediencia se impone incluso frente al duelo. Chiarella toma ese conflicto ancestral y lo deposita en el presente.

La película sitúa su acción en una comunidad religiosa aislada en la región de Victoria, Australia. Naim (Joe Bird) y Ryan (Stacy Clausen) viven su despertar afectivo bajo la vigilancia constante de un entorno que interpreta el deseo como una amenaza espiritual. Chiarella utiliza la puesta en escena para subrayar este aislamiento: los encuadres en pasillos vacíos y la frialdad de las mesas de disección de biología —donde los alumnos analizan ranas— operan como una metáfora visual de cómo la propia comunidad somete a los jóvenes a un examen clínico y moral constante, diseccionando su identidad.

Los adolescentes mantienen encuentros secretos en un edificio abandonado, lejos de los ojos de la congregación. Es allí donde un breve gesto introduce la tesis fundamental del filme: al mirarse en un espejo de ojo de pez mientras se abrazan, la culpa emerge antes que lo sobrenatural. Leviticus convierte las llamadas terapias de conversión en el núcleo de una pesadilla sobrenatural mediante un exorcismo inverso

Los líderes espirituales infectan a los jóvenes con una entidad parásita que adopta una mecánica perversa: toma la apariencia de la persona deseada para atacar. Cada acercamiento emocional activa el peligro, cada impulso afectivo desencadena una agresión, y el amor finalmente se transforma en trampa. El demonio-parásito no trae nada nuevo. Toma la vergüenza ya inoculada y le da un cuerpo. La criatura es la culpa hecha carne.

La víctima reproduce al verdugo

La tragedia alcanza su mayor complejidad cuando el propio Naim participa de la lógica de vigilancia que lo oprime. El detonante de toda la cadena de horror llega desde el lugar más inesperado: los celos. Al descubrir a Ryan besándose con Hunter (Jeremy Blewitt) en el molino, Naim actúa desde la herida. Denuncia la situación ante la comunidad, quedando expuesto también. Pero claro, los celos operan como el mecanismo más certero del sistema represivo. Naim delata desde el dolor, pero la estructura es la que recibe esa confesión y la convierte en instrumento de control.

Chiarella evita la comodidad de dividir el mundo entre víctimas inocentes y victimarios absolutos. Los sistemas de dominación más eficaces son aquellos que enseñan a sus víctimas a vigilarse entre sí. El fanatismo no necesita ejército cuando ha conseguido que cada creyente sea un centinela. Esta internalización de la violencia se anticipa sutilmente en la dinámica de los chicos de la iglesia, como el crudo juego de Hunter y Ryan de lanzarse piedras pesadas en el patio trasero antes de besarse: un autocastigo físico que evoca la lapidación de los textos antiguos.

Con 86 minutos y una notable economía narrativa, la película concentra la tensión en espacios cerrados, personas que no son y pesadillas que se sienten reales. El verdadero horror habita en la sensación permanente de estar siendo observado, juzgado, corregido: un estado que la comunidad ha logrado volver invisible porque lo llama fe.

La puesta en escena del aislamiento

Desde el punto de vista estrictamente cinematográfico, Chiarella demuestra madurez visual al rehuir de los sustos fáciles (jumpscares, que francamente me tienen podrido…) para apostar por el terror de atmósfera. La dirección de fotografía aprovecha los exteriores con planos abiertos y desolados que acentúan la desorientación y el desamparo de los protagonistas, contrastando la belleza árida de la naturaleza con estructuras industriales oxidadas y descoloridas que se sienten tan obsoletas como los dogmas que rigen al pueblo entero. Asimismo, la química entre Joe Bird y Stacy Clausen dota a la película de un corazón melancólico; desde mi punto de vista, es esa vulnerabilidad la que eleva el filme, logrando que el verdadero peligro no sea la aparición del monstruo, sino la devastadora quietud de los espacios en los que se van moviendo.

El fuego purificador frente al dogma

La relación entre el parásito y el fuego constituye el núcleo simbólico de la obra. En el Levítico bíblico, el fuego divino aparece asociado a la purificación, al juicio y a la autoridad de Dios. La comunidad de la película interpreta esa tradición como justificación para intervenir los cuerpos y disciplinar las conductas. El Deliverance Preacher (Nicholas Hope) encarna esa autoridad con la serenidad del que nunca ha dudado: alguien que ejecuta la norma sin preguntarse a quién destruye, porque destruir también es, en su teología, una forma de amor.

Chiarella toma esa misma imagen del fuego y la invierte. Las llamas reales son el único elemento capaz de dañar y ahuyentar a la entidad. Esta inversión posee una potencia dramática que excede el efecto de género: el símbolo cambia de dueño. Las llamas dejan de ser el instrumento del altar y pasan a ser la respuesta de quienes el altar pretendía consumir. Destruir el templo implica destruir el mecanismo que hizo posible la culpa. Allí donde Aarón guardó silencio frente al sacrificio de sus hijos, Leviticus imagina una respuesta distinta: el fuego abandona el altar y encuentra otro destino. Finalmente, esas llamas caen sobre la hipocresía que aprendió a llamarse pureza, no sobre las víctimas.

La necesaria visibilidad

El cine de terror ha funcionado históricamente como reflejo de las ansiedades colectivas, y Leviticus ratifica esta condición al abordar el trauma de las terapias de conversión desde una perspectiva simbólica, pero sin eufemismos. Para la comunidad LGBTQ+, este tipo de representaciones posee un valor que va más allá de la crítica cinematográfica. Al emplear el horror corporal y psicológico, la película visibiliza el daño real que producen las prácticas de manipulación disfrazadas de fe, acompañamiento o corrección moral. El terror obliga al espectador a habitar la experiencia de quien aprende a considerarse una aberración.

La comunidad retratada convierte la vergüenza en una herramienta de disciplina. Primero enseña a sus miembros a desconfiar de sí mismos y luego transforma esa inseguridad en un mecanismo de vigilancia permanente. El monstruo es la manifestación física de ese proceso.

Sin embargo, Chiarella huye de la resolución simple. El cierre definitivo en el autobús, con los jóvenes compartiendo auriculares al ritmo de Self Control de Frank Ocean, rescata que la película es, ante todo, una resistencia romántica. Que el parásito de la culpa siga acechando a lo lejos desde los campos no anula la victoria de su escape: han aprendido que su afecto es demasiado real como para esconderlo.

No solo Aarón se quedó callado…

Leviticus (2026) consolida una lograda alegoría teológica sobre la intolerancia. Adrian Chiarella construye una fábula de horror donde la sociedad prefiere enmudecer ante la destrucción de sus hijos antes que aceptar su identidad. La película encuentra en la culpa, la obediencia y el silencio los pilares de su discurso. La gente calla, Naim delata, Arlene (Mia Wasikowska) obedece. Cada uno representa una forma distinta de colaboración con una estructura que exige sacrificios humanos para preservar su autoridad.

Cuando la doctrina devora la empatía, el silencio se vuelve cómplice del horror.

Leviticus (2026) disponible en los cines del país a partir del 25 de junio.

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La película retoma uno de los temas centrales de la franquicia: el miedo de los juguetes a ser olvidados. Pero esta vez el conflicto se actualiza para dialogar con una realidad muy distinta a la que enfrentaban Woody y sus amigos cuando comenzó la saga. Los niños ya no solo dejan atrás los juguetes porque crecen; ahora también lo hacen porque gran parte de su tiempo está absorbido por tablets, teléfonos y otros dispositivos electrónicos.

Lo interesante es que la película no utiliza esta premisa para construir un discurso nostálgico o una crítica simplista a la tecnología. Por el contrario, plantea una conversación sobre cómo los niños necesitan espacios para desarrollar su imaginación y creatividad, encontrando eventualmente una convivencia entre ambos mundos. Los juguetes comprenden que la tecnología no es el enemigo, sino una herramienta que también puede formar parte del juego cuando existe un equilibrio saludable.

A diferencia de otras entregas, el protagonismo recae principalmente en Jessie. La vaquera se convierte en el corazón emocional de la historia y en el personaje que impulsa gran parte de la acción. Buzz Lightyear también recupera una presencia relevante dentro del grupo, mientras que Woody adopta un rol más secundario y complementario. Lejos de sentirse como una ausencia, este cambio permite refrescar la dinámica de la saga y explorar nuevas perspectivas dentro de un universo que parecía haber contado todas sus historias.

La película también encuentra sensibilidad en la relación con su nueva protagonista humana, una niña que parece sentirse diferente a los demás. Mientras muchos de sus compañeros prefieren las pantallas, ella encuentra en los juguetes un espacio para expresarse y desarrollar su imaginación. A través de ella, la película reflexiona sobre la importancia del juego en una época donde la creatividad muchas veces compite con el consumo constante de contenido digital.

Sin reinventar por completo la fórmula, Toy Story 5 consigue actualizarla. Es una película consciente de los cambios culturales y tecnológicos que han transformado la infancia, pero que al mismo tiempo recuerda por qué jugar sigue siendo una experiencia fundamental. Contra todo pronóstico, esta nueva entrega demuestra que todavía había una historia valiosa por contar dentro de este universo.

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La película sigue a Tova, una mujer marcada por la pérdida que trabaja en un acuario y cuya rutina parece haberse convertido en una forma de sobrellevar la ausencia. Sin embargo, gran parte de la atención termina concentrándose en Marcellus, un pulpo extraordinariamente inteligente que habita uno de los estanques del recinto. A través de sus observaciones y de su relación con quienes lo rodean, la película construye una reflexión inesperadamente sensible sobre los animales y la manera en que solemos percibirlos.

Lo interesante es que Criaturas luminosas no cae en la tentación de humanizar excesivamente a su protagonista marino. No intenta convencernos de que piensa exactamente igual que nosotros ni transforma su comportamiento en una caricatura. Lo que hace es mucho más efectivo porque nos recuerda que existe una inteligencia distinta a la humana, una forma diferente de experimentar el mundo, que no por ser diferente es menos compleja.

Durante años la humanidad se acostumbró a mirar a los animales desde una posición de superioridad. Se les observa en zoológicos, acuarios o parques marinos como si fueran parte de una exhibición diseñada para nosotros. La película pone esa lógica en cuestión sin necesidad de discursos ni consignas. Basta con observar a Marcellus desplazarse por su espacio, reaccionar a lo que ocurre a su alrededor y demostrar una curiosidad constante por el mundo exterior para que aparezca una pregunta inevitable: ¿qué significa realmente mantener a un ser así encerrado? Marcellus solo quiere su libertad.

Esa sensación atraviesa buena parte de la película. Aunque el cautiverio nunca se convierte en un tema explícito, está presente en cada rincón del relato. Marcellus vive protegido, alimentado y cuidado, pero sigue existiendo una distancia enorme entre sobrevivir y vivir. La película parece entender que ambas cosas no son necesariamente lo mismo.

Quizás por eso algunos de sus momentos más emotivos no tienen que ver con los grandes giros argumentales, sino con instantes mucho más pequeños: una mirada, una reacción, una muestra de curiosidad. Son escenas que funcionan porque apelan a algo que la ciencia lleva años intentando demostrar y que muchas personas ya intuían, que los animales poseen vidas interiores más complejas de lo que solemos admitir. Tienen memoria, resuelven problemas, desarrollan vínculos y responden emocionalmente a su entorno.

En el caso de los pulpos, esa idea resulta todavía más fascinante. Son criaturas radicalmente distintas a nosotros desde el punto de vista evolutivo y, aun así, exhiben niveles sorprendentes de inteligencia. Criaturas luminosas aprovecha esa particularidad para construir una historia donde la empatía surge precisamente de las diferencias. No conectamos con Marcellus porque sea como nosotros, sino porque entendemos que también tiene deseos, necesidades y una forma propia de habitar el mundo.

La película encuentra ahí sus momentos más poderosos. No cuando intenta resolver los conflictos humanos, sino cuando invita a detenerse y observar a una criatura que normalmente miraríamos detrás de un vidrio durante unos segundos antes de seguir caminando, o que algunos incluso ponen en sus platos. Hay algo profundamente melancólico en esa idea, porque la posibilidad de que tantos animales pasen gran parte de sus vidas siendo observados sin que realmente intentemos comprenderlos y sin entender el maltrato, es realmente frustrante.

Después de ver Criaturas Luminosas, resulta difícil volver a pensar en los acuarios, zoológicos o espacios de exhibición animal exactamente de la misma manera. No porque la película adopte una postura militante, sino porque logra despertar la empatía suficiente para preguntarnos cómo experimentan ellos una realidad que siempre hemos descrito desde nuestra perspectiva.

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The Mandalorian and Grogu llega a los cines el 21 de mayo de 2025 con una misión clara: cautivar no solo a los fans de la serie, sino a toda una generación que creció con Star Wars. Francamente, es una misión digna de un Skywalker, porque los fans somos exigentes con la estética, los personajes y, sobre todo, con la nostalgia. En Mundo Películas te contamos qué nos pareció.

¿Cómo funciona la película?

La película arranca bien: la clásica tipografía amarilla de Star Wars aparece desde el primer minuto, esa referencia directa a George Lucas que funciona como señal inmediata para los fans de toda la vida. Lo que sigue tiene un tono de introducción que recuerda más a Marvel o DC que a Star Wars clásico, pero logra encajar justo donde debe.

El gran problema —o quizás la gran virtud— es que Grogu se roba la película completa. Con solo aparecer en pantalla, con su carita, su voz y sus escenas comiendo, el pequeño personaje opaca todo lo demás. Cuando la trama acumula demasiada información, su presencia funciona como un respiro que el espectador agradece.

Mandalorian y su crossover: ¿demasiado Marvel?

Aquí viene la crítica más honesta: hay un momento en la película donde uno deja de saber si está viendo The Mandalorian o Thor: Ragnarok. Quienes la vean entenderán de inmediato a qué me refiero. Disney tenía tantas ideas nuevas para Mando que recurrir a lo de siempre se siente como una oportunidad desperdiciada. Chiste repetido sale podrido, dicen. Funciona, sí, pero costaba más.

Grogu: el personaje más querible del universo Star Wars

Desde The Mandalorian y El libro de Boba Fett, Grogu ha demostrado que puede robarse cualquier escena. En esta película no es la excepción. Su ternura y su rol de alivio cómico lo convierten en el corazón emocional de la historia. Con 50 años de edad —sí, como Yoda— Grogu tiene mucho por delante, y Disney claramente lo sabe.

Pedro Pascal: el héroe chileno con casco

Para el público latinoamericano, y especialmente el chileno, Pedro Pascal es más que Mando. Con solo aparecer dos minutos, conquista a media sala. El gran chiste del universo Mandalorian —que un mandaloriano jamás puede mostrar su rostro— siempre genera esa tensión morbo entre los fans: ¿cuándo veremos la cara de Pedrito? La película juega con eso, y por esta vez, se le perdona todo.

Nostalgia y personajes clásicos: ¿vuelve Jabba the Hutt?

Un recordatorio importante antes de entrar al cine: la historia de The Mandalorian no ocurre en el mismo período que la saga principal. No esperes ver a Luke, Leia o Darth Vader. Es otro tiempo, otro contexto. Dicho esto, Disney logró tejer un hilo conductor nostálgico que funciona bien y deja la puerta abierta para más.

Veredicto final: ¿vale la pena ver The Mandalorian and Grogu?

Sí, vale la pena. Es una película familiar que cumple con lo básico: buena historia, buena música, un conflicto claro y mucho corazón. No hay que llegar con expectativas de obra maestra —es entretenimiento bien ejecutado que prepara el terreno para más aventuras del dúo.

Si amas a Grogu tanto como yo, la vas a disfrutar igual.

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Fan’s por la nostalgia 

El team más querido está de regreso. Anne Hathaway, Meryl Streep, Emily Blunt y Stanley Tucci, todos juntos y como el vino… 

Volvieron a traer sus personajes y esta vez trayendo consigo el mejor de los cierres para sus personajes. Con historias llenas de sorpresas, encuentros emotivos y grandes evoluciones.

Una versión más psicológica

Para esta circunstancia la película muestra un lado B un poco más maduro que de la primera entrega. A comparación de El Diablo Viste A La Moda del 2006 para esta oportunidad podemos profundizar un poco más en cada personaje; sus miedos, rechazos, metas y cómo se han sentido con el paso de los años… Algo que se rescata mucho para esta versión ya que logramos sentir empatía por cada personaje que quizás en su primera versión no alcanzamos a ver del todo ya que es algo más “ superficial”. En esta secuela logramos entender las heridas de la gran Miranda y una Andy más madura que ya no lucha por encajar, sino por lograr su propio objetivo ( a pesar de ser ambicioso)

A veces las expectativas ganan… 

La película a pesar de que hayan pasado 20 años para esperar esta secuela. Se siente como una película hecha para el 2026. Con esto de la IA, que todos somos reemplazables es uno de los grandes puntos a tocar y en cómo nos estamos olvidando un poco de “vivir” puede sonar cliché, pero quien no extraña realmente sentarse a tomar un café y leer una revista… Queramos o no marcaron un gran hito. Hasta coleccionabamos pósters que venían en ellas y es algo que las generaciones de ahora probablemente no conocen o no ven la emoción que daba en su momento ver a tu artista favorito en la portada y es algo bien logrado y punto a favor para esta secuela. Tomarse una pausa para descubrir cómo en 20 años ha cambiado todo. La industria llegó para ser desechable al igual que la moda, al igual que nosotros…. Triste, pero cierto

Pero volviendo a la película y lo que sucede realmente que no es menor … qué pasa cuando esperamos por casi 20 años esta continuación y con casi un año de marketing por detrás, estamos a la espera casi que de la película más esperada del año, el espectador no entrará a la sala de cine como en cualquier otra película entrará más “aguja” porque las mismas redes nos hicieron entrar así. No es una película mala, pero sí ten este punto de vista claro y llega a

Apariciones icónicas

Para no caer en el maldito spoiler y no hacerles perder la magia, no diré quienes son los invitados sorpresas ( salvo que ustedes lo busquen por su propia cuenta en ese caso la culpa ya no es mía )

Pero es de mi agrado informar que en los 119 minutos de película hay más de una persona que verás en la pantalla y dirás -WOW- 

En ese sentido, todo lo prometido hacía la película está cumplido. El glamour, las colaboraciones y los cameos definitivamente llegaron a romperla. 

EN FIN… Como mencioné, es una buena película, si llegas con la mente con la cual viste la primera historia en el 2006, créeme que la disfrutarás, mucha red carpet , moda por todos lados, unos outfits MARAVILLOSOS, los personajes con unos atuendos 10/10 en cada momento. Pero será un goce sólo si la ves así, deja a un lado todo el marketing y toda esa expectativa de lado, porque sino de lo contrario por supuesto que elegirás la primera… 

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Una reseña implica distancia: el ejercicio crítico de quien observa desde afuera, puntúa, compara y concluye. Pero hay películas con las que no me gusta hacer eso, porque abordan narrativas que demandan más compromiso, o con las cuales prefiero centrarme en un tema antes que en otros. Esta es una de esas. Además, me llamo Andy; y Andy Sachs no habría escrito solo una reseña… Habría escrito algo más.

| Ojo, que tiene un par de pequeños mini-spoilers..

Don’t be ridiculous, Andrea. Everybody wants this.

Hay algunas preguntas que El Diablo Viste a la Moda instala desde su primera entrega y que no resuelve del todo sino hasta ahora. ¿Hasta qué punto es legítimo entregarse por completo a lo que amas? ¿Dónde termina la pasión y empieza la patología? ¿Y qué pasa cuando descubres que esa línea, en tu caso, hace mucho que cruzaste?

La primera película planteaba algo así. Andy (Anne Hathaway) renunció a Runway porque lo que vio no le gustó: una Miranda (Meryl Streep) capaz de traicionar a Nigel (Stanley Tucci) sin pestañear, de sacrificar a las personas por el cargo. Pero también vio el costo humano de esa entrega: los divorcios, el aislamiento, la frialdad como mecanismo de supervivencia. Era una advertencia sobre lo que la obsesión con el trabajo le hace a una persona. Esta segunda entrega revisita esas interrogantes y llega a una conclusión distinta. No sé si opuesta. Distinta. Y eso es infinitamente más interesante.

You sold your soul the day you put on your first pair of Jimmy Choos

A mi juicio, Andy Sachs no escapó de Miranda Priestly. Eso es lo que creímos durante veinte años, pero la secuela hace clic: Andy no huyó de Miranda, huyó de sí misma. De la versión que le esperaba si se quedaba. De una Andy más vieja que ya podía ver con demasiada claridad.

En esta entrega la encontramos en sus cuarenta y algo, despedida luego del cierre de otro medio: ese fenómeno que ya no sorprende a nadie pero que igual duele cada vez que pasa. Una periodista que lo ha logrado todo y al mismo tiempo nada, que sigue necesitando más no por ambición, sino porque su trabajo es el lugar donde existe con más plenitud. La película lo establece desde el arranque, con una economía narrativa que se agradece: Andy no cambió. Maduró. Y madurar, en su caso, significó dejar de disculparse por lo que es.

Everybody wants to be us.

Hablaré de la escena en el auto, donde Andy y Miranda conversan en Italia. La posición de ambas, y la forma en que hablan, es un eco directo del diálogo en el auto en París de la primera película, pero con una tónica radicalmente diferente. En París, Miranda le mostró a Andy el costo del poder como si fuera una amenaza. En Italia, lo plantea en voz alta, como si fuera una confesión (ya sabida, por cierto). Le dice, entre risas, que ama lo que hace y que no imagina haciendo otra cosa.

El momento más honesto de la película es esa conversación entre dos mujeres donde finalmente se dicen la verdad.

Y acá me pregunto ¿qué hace Miranda exactamente? porque sí, vemos una mujer exitosa, adinerada y poderosa. Pero ¿qué es aquello que ama realmente? ¿Es el poder? ¿Es el cargo? A mi parecer lo que Miranda ama no es la influencia abstracta, sino el trabajo concreto de controlar la narrativa de una industria que, como bien apunta Nigel, mueve millones y define cómo el mundo se ve a sí mismo.

Y es en ese momento donde Andy la mira, no con temor como en París. No con decepción. La mira con reconocimiento. Con admiración. Porque se está viendo a sí misma. Porque ella también lo siente. Porque a ella también le gusta, y 20 años después, al fin deja de pretender que no.

Pero hay algo más en esa escena que vale la pena nombrar: Miranda no está explicando su presente. Está describiendo una decisión que tomó hace décadas y con la que hace mucho dejó de negociar. Ella ya resolvió la pregunta. Ya cruzó la línea, pagó el costo, y llegó al otro lado. Lo que le está mostrando a Andy es nuevamente ese destino posible, pero esta vez Andy decide quedarse.

I love my job, I love my Job, I love my Job…

Lo que El Diablo Viste a la Moda 2 está argumentando, con toda su estética pop, es algo que nuestra época tiende a castigar: que hay personas para quienes el trabajo no es un medio sino un modo de ser, y que eso no es necesariamente una tragedia.

Vivimos en una época que glorifica el equilibrio. Que celebra el límite como virtud. Que desconfía de quien entrega demasiado. Y hay razones válidas para esa desconfianza; la historia está llena de sistemas que explotaron esa entrega y la llamaron «ponerse la camiseta». Pero la película hace algo más sutil que glorificar el sacrificio: muestra a dos mujeres que eligieron con los ojos abiertos, que conocen el costo, que lo han pagado, y que de todas formas eligen seguir pagándolo. No porque no tengan otra opción. Sino porque esa es su opción.

Miranda y Andy se ríen, en esa escena en Italia, de que les importa un rábano si es correcto o sano entregarse así a algo que las traiciona, que las pone al borde, que las obliga a tomar decisiones extremas. Esa risa es la manifestación de una lucidez cómplice.

La pregunta no es si es sano amar de esa manera. La pregunta es si ese amor, aun con sus costos, sigue siendo una elección legítima.

It’s more than just fashion.

Hay una capa adicional que la película instala en su trasfondo y que merece ser nombrado: El Diablo Viste a la Moda 2 también es una historia sobre quién controla el relato. El cierre del medio donde trabaja Andy no es un detalle de contexto. Es la condición de toda la trama. Inversores que no entienden nada tomando decisiones que afectan a quienes lo entienden todo. El capital imponiendo criterios sobre las historias que se cuentan. Siempre hay un pez más grande, lo que no implica que sea el más inteligente de la pecera.

Y esa tensión entre el poder económico y el poder narrativo es exactamente lo que Emily (Emily Blunt) articula en uno de los monólogos. Ella habla sobre lo que representa la ropa de lujo: no es vanidad, no es derroche, es un lenguaje. Un sistema de símbolos que comunica identidad, pertenencia, aspiración. Un statement, en el sentido más literal. Lo que Emily defiende, casi sin proponérselo, es que la moda es cultura. Y que quienes la narran, quienes deciden qué significa cada temporada, qué historia cuenta cada colección, ejercen un poder tan real como cualquier otro. Solo que más difícil de ver, y por eso más difícil de defender ante quienes solo entienden de balances.

En ese sentido, El Diablo Viste a la Moda 2 es también una película sobre las comunicaciones, sobre la moda como industria de poder simbólico, y sobre el valor de quienes realmente saben contar historias en un mundo que cada vez les hace menos espacio.

That’s All

No tengo una respuesta a las preguntas que esta película instala. No sé dónde está la línea entre la pasión legítima y la entrega tóxica a un sistema ingrato y muchas veces traidor. Sospecho que esa línea es distinta para cada persona, y que lo más honesto que se puede hacer es dejar de pretender que existe un mapa universal para encontrarlas.

Lo que sí sé es que El Diablo Viste a la Moda 2 no se disculpa por lo que es. Habita en sus decisiones con el mismo orgullo con que Miranda y Andy habitan las suyas: conociendo el costo, aceptándolo, y eligiendo de todas formas. En una industria que suele tratar las secuelas como productos de riesgo calculado, admito que la decisión de contar esta historia en 2026 es bastante cojonuda.

¿Es buena? Vayan a verla mejor. Pero si les sirve de algo: hay risas, hay emoción y hay Botox. Mucho Botox. Pero también hay mucho amor en su elenco, en sus personajes, y en la continuidad de una historia que si bien nadie pidió, igual agradecemos. Y a veces, eso es suficiente.

El Diablo Viste a la Moda 2, en cines a partir del 30 de abril.

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La producción, desarrollada por Sony Pictures Television para MGM+ y Prime Video, introduce un diferencial poco habitual en el formato: los espectadores podrán elegir entre dos versiones de visualización, Blanco y Negro Auténtico y Color Real, reforzando su identidad estética y su propuesta narrativa.

El primer adelanto

El primer adelanto fue presentado en la CCXPMX26, el evento de cultura pop realizado en el Centro de Convenciones Centro Banamex en Ciudad de México, ante más de 2.100 asistentes. El panel contó con la participación de Lamorne Morris, Li Jun Li, Jack Huston y Karen Rodriguez, junto al creador y co-showrunner Oren Uziel. En la instancia se exhibió una escena extendida de la serie, acompañada de un saludo en video de Nicolas Cage. Además, los asistentes accedieron a material exclusivo, incluyendo pines coleccionables diseñados por el artista mexicano Jorge Molina.

Spider-Noir se posiciona como una serie de acción con fuerte carga noir, inspirada en el cómic Spider-Man Noir. La historia sigue a Ben Reilly, un investigador privado marcado por la tragedia, que opera en la Nueva York de los años 30 mientras enfrenta las consecuencias de su pasado y asume el rol de único superhéroe en la ciudad.

El elenco

El elenco combina nombres consolidados y perfiles de alto reconocimiento en la industria. Nicolas Cage lidera el reparto, acompañado por Lamorne Morris, Li Jun Li, Abraham Popoola y Karen Rodriguez, además de Jack Huston y Brendan Gleeson. A ellos se suman participaciones de Lukas Haas, Cameron Britton, Amanda Schull y Amy Aquino, entre otros.

En el frente creativo, la serie cuenta con dirección de Harry Bradbeer en sus dos primeros episodios, mientras que Oren Uziel y Steve Lightfoot asumen como co-showrunners y productores ejecutivos. El desarrollo incluye al equipo detrás de Spider-Man: Into the Spider-Verse, con Phil Lord, Christopher Miller y Amy Pascal como parte del núcleo creativo, reforzando el vínculo con una de las franquicias más exitosas de Marvel en el cine reciente.

Con una estética marcada, un enfoque narrativo distinto y el respaldo de un equipo creativo consolidado, Spider-Noirbusca posicionarse dentro del competitivo escenario de series de superhéroes en 2026, apostando por una lectura más oscura y estilizada del universo Spider-Man.

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Ambientada en 1989, en los últimos años de la dictadura en Chile, la historia comienza con una familia que se reúne en el desierto del norte para celebrar Año Nuevo. Un contexto cargado de simbolismo: esperanza colectiva, pero con un miedo todavía latente. Esa calma inicial se rompe abruptamente con la muerte, detonando un relato íntimo sobre cómo una familia enfrenta la pérdida.

Para su directora, este contexto no es solo un marco temporal, es el corazón del relato. Como nos señaló  Nayra Ilic García en una entrevista a Mundo Películas: “Es un periodo de transición… como la adolescencia, ocurre una sola vez y para siempre.”

Una narrativa que rompe la estructura clásica

A diferencia de otras producciones más tradicionales, Cuerpo Celeste juega con su ritmo narrativo. Mantiene una base estructural reconocible, pero introduce quiebres tempranos que desordenan la experiencia del espectador. Esta decisión no es casual: busca reflejar emocionalmente el impacto de la tragedia.

Esa lectura se confirma desde la propia interpretación actoral. Daniela Ramírez lo describe con claridad: “Es muy loca la película… a veces uno siente que te quitan todo, y eso es lo que quiere la película también.”

Actuaciones que sostienen el relato

La película se centra en el vínculo entre madre e hija, interpretadas por Daniela Ramírez y Helen Mrugalski. Desde ahí se construye un conflicto transversal: adolescencia, identidad y necesidad de validación.

Pero aquí hay una decisión interpretativa relevante: el foco no está en el lucimiento individual. La propia Ramírez lo plantea desde una lógica más estratégica que emocional: “Yo estoy contando una historia… soy facilitadora de que esa historia se cuente.”

El elenco se complementa con nombres como Néstor Cantillana y Mariana Loyola, quienes aportan solidez a un relato que se mueve entre lo íntimo y lo colectivo.

Nostalgia, historia y memoria chilena

Uno de los elementos más potentes de la película es su carga simbólica. La inclusión del himno “Chile, la alegría viene”, compuesto por Jaime de Aguirre, conecta directamente con el contexto político de la época y refuerza el tono emocional de la historia.

Aquí no hay nostalgia vacía. Hay una intención clara de conectar pasado y presente. Como plantea Nayra Ilic García: “Es importante conectarnos con nuestra memoria, con quienes hemos sido y con quienes estamos siendo como país.”

El paisaje como narrativa

El desierto del norte de Chile no es solo escenario, es parte del relato. La fotografía destaca por capturar la magnitud y belleza del territorio, generando un contraste potente con el conflicto interno de los personajes.

Desde la experiencia en rodaje, Daniela Ramírez lo describe desde lo sensorial: “El desierto… uno puede escucharse a sí mismo, escuchar el silencio… es muy heavy.”

Y desde la dirección, el lugar tiene una carga aún más profunda: no es solo paisaje, es memoria. Un territorio donde conviven belleza, historia y huellas de lo que ocurrió como país.

Vestuario y reconstrucción de época

La ambientación en los años 80 y 90 está bien ejecutada, especialmente en el vestuario. Hay una reconstrucción visual coherente que aporta credibilidad y refuerza la experiencia nostálgica, sin caer en caricaturas.

Una película para conectar

Cuerpo Celeste funciona desde la emoción. No busca complejizar su mensaje ni instalar una lectura densa. Su propuesta es clara: generar conexión a través de experiencias universales como la pérdida, la familia y la memoria.

Y ahí está su mayor acierto. Como resume Nayra Ilic García: “El cine se vive… es una experiencia que continúa después de verla y conversarla.”

Desde una lógica estratégica, es cine chileno que entiende su identidad y la pone en valor. Y en un contexto donde la conversación cultural necesita más profundidad, eso ya es una toma de posición.

Entrevista: Paz Barahona.

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Y aquí hay un punto clave: solo un Jackson podía traer de vuelta a otro Jackson. Jaafar Jackson no interpreta, encarna. Su actuación no se queda en la imitación; construye una conexión emocional que permite al espectador empatizar, reír y emocionarse con la historia del Rey del Pop.

La película recorre desde los inicios de su carrera hasta uno de sus momentos más icónicos, logrando una narrativa fluida donde el tiempo pasa sin que se note. Actuaciones, música y ritmo funcionan como un engranaje preciso que mantiene al espectador completamente involucrado.

Una biopic sin necesidad de spoilers

No hay spoilers relevantes, y tampoco hacen falta. Independiente de si eres fan o no de Michael Jackson, la película logra algo estratégico: activar emoción transversal. La historia no se construye desde el drama forzado, sino desde lo inevitable. Y todos sabemos cómo termina.

La familia Jackson y el control del relato

La producción cuenta con la participación directa de miembros de la familia, como Jermaine y Jackie Jackson, además de Prince y Bigi. Esto no es menor: hay un control narrativo claro sobre cómo se construye el legado, lo que se traduce en una película que busca conectar más que cuestionar.

Música, nostalgia y experiencia sensorial

Esto no es un musical. Es una biografía con banda sonora de alto impacto. La selección de canciones es estratégica, considerando el desafío evidente: elegir hits dentro de un catálogo donde prácticamente todo es icónico.

Incluso si no eres fan, el resultado es claro: sales del cine con las canciones en la cabeza. La película funciona como una experiencia emocional más que como un ejercicio analítico.

¿Vale la pena ver Michael?

Sí. Desde una lógica de consumo, es una película diseñada para disfrutarse. No busca complejizar, busca conectar. Y lo logra.

Recomendación directa: verla en formato IMAX potencia la experiencia visual y sonora, elevando el impacto del relato.

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Producida por A24 la cinta es una comedia dramática y romántica que sigue a una pareja cuya relación comienza a desmoronarse justo antes de su boda, cuando secretos ocultos salen a la luz.

“El Drama” aborda con honestidad y tensión emocional las complejidades de una relación consolidada que enfrenta uno de sus momentos más decisivos, el paso hacia el matrimonio.

A través de una narrativa que mezcla lo íntimo con elementos oníricos, la película invita al espectador a cuestionar las certezas sobre el amor, la confianza y la percepción de la realidad. Con un tono de comedia romántica que se atreve a ir más allá, propone una reflexión sobre cuánto queremos saber

realmente de las personas más cercanas, ofreciendo una mirada ingeniosa, oscuramente divertida e inesperadamente sincera sobre el amor en la era de la sobreexposición.

En “El Drama”, Robert Pattinson entrega una interpretación contenida y emocionalmente compleja. Sobre su personaje, el actor comenta: “Crees que conoces a alguien y de pronto esa persona puede decir una frase, quizás sin medir su alcance, que lo cambia todo. No hay vuelta atrás. De repente, todo ha cambiado y no puedes volver a meter al genio en la lámpara”.

Por su parte, Zendaya consolida una vez más su versatilidad actoral con un personaje profundo y desafiante: “El tono de comedia negra representó tanto un desafío como una fuente de inspiración. El Drama es divertida, pero también profundamente incómoda; pasa de lo aterrador a lo dulce para volver a ser aterradora”.

Sinopsis
A pocos días de su boda, Emma (Zendaya) y Charlie (Robert Pattinson) parecen tenerlo todo bajo control, hasta que una serie de verdades inesperadas comienzan a salir a la superficie y desestabilizan su relación. Lo que comienza como una celebración se transforma rápidamente en tensión. La intimidad se vuelve incómoda y las certezas empiezan a fracturarse, obligándolos a enfrentar lo que realmente significan el amor, la honestidad y el compromiso cuando ya no hay vuelta atrás.

Elenco:  Robert Pattinson, Zendaya, Alana Haim (Una Batalla tras Otra), Mamoudou Athie (Jurassic World: Dominion), Hailey Gates (Marty Supremo), Zöe Winters (Materialistas)

Ficha Técnica:

• Dirección: Kristoffer Borgli
• Producción: Ari Aster, Lars Knudsen, Tyler Campellone
• Productor Ejecutivo: Kristoffer Borgli
• Guion: Kristoffer Borgli
• Fotografía: Arseni Khachaturan
• Productora: A24
• Distribuidora: Diamond Films

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