OJO! la reseña tiene MUCHOS Spoilers

La aberración

El libro bíblico de Levítico suele percibirse como una árida compilación de decretos antiguos y normas minuciosas. En su capítulo décimo, sin embargo, habita uno de los pasajes más sobrecogedores de la literatura religiosa: la muerte de Nadab y Abiú. Estos sacerdotes son fulminados tras ofrecer un ritual no autorizado, un «fuego extraño». Ante la muerte de sus hijos, Aarón permanece en silencio. La obediencia se impone incluso frente al duelo. Chiarella toma ese conflicto ancestral y lo deposita en el presente.

La película sitúa su acción en una comunidad religiosa aislada en la región de Victoria, Australia. Naim (Joe Bird) y Ryan (Stacy Clausen) viven su despertar afectivo bajo la vigilancia constante de un entorno que interpreta el deseo como una amenaza espiritual. Chiarella utiliza la puesta en escena para subrayar este aislamiento: los encuadres en pasillos vacíos y la frialdad de las mesas de disección de biología —donde los alumnos analizan ranas— operan como una metáfora visual de cómo la propia comunidad somete a los jóvenes a un examen clínico y moral constante, diseccionando su identidad.

Los adolescentes mantienen encuentros secretos en un edificio abandonado, lejos de los ojos de la congregación. Es allí donde un breve gesto introduce la tesis fundamental del filme: al mirarse en un espejo de ojo de pez mientras se abrazan, la culpa emerge antes que lo sobrenatural. Leviticus convierte las llamadas terapias de conversión en el núcleo de una pesadilla sobrenatural mediante un exorcismo inverso

Los líderes espirituales infectan a los jóvenes con una entidad parásita que adopta una mecánica perversa: toma la apariencia de la persona deseada para atacar. Cada acercamiento emocional activa el peligro, cada impulso afectivo desencadena una agresión, y el amor finalmente se transforma en trampa. El demonio-parásito no trae nada nuevo. Toma la vergüenza ya inoculada y le da un cuerpo. La criatura es la culpa hecha carne.

La víctima reproduce al verdugo

La tragedia alcanza su mayor complejidad cuando el propio Naim participa de la lógica de vigilancia que lo oprime. El detonante de toda la cadena de horror llega desde el lugar más inesperado: los celos. Al descubrir a Ryan besándose con Hunter (Jeremy Blewitt) en el molino, Naim actúa desde la herida. Denuncia la situación ante la comunidad, quedando expuesto también. Pero claro, los celos operan como el mecanismo más certero del sistema represivo. Naim delata desde el dolor, pero la estructura es la que recibe esa confesión y la convierte en instrumento de control.

Chiarella evita la comodidad de dividir el mundo entre víctimas inocentes y victimarios absolutos. Los sistemas de dominación más eficaces son aquellos que enseñan a sus víctimas a vigilarse entre sí. El fanatismo no necesita ejército cuando ha conseguido que cada creyente sea un centinela. Esta internalización de la violencia se anticipa sutilmente en la dinámica de los chicos de la iglesia, como el crudo juego de Hunter y Ryan de lanzarse piedras pesadas en el patio trasero antes de besarse: un autocastigo físico que evoca la lapidación de los textos antiguos.

Con 86 minutos y una notable economía narrativa, la película concentra la tensión en espacios cerrados, personas que no son y pesadillas que se sienten reales. El verdadero horror habita en la sensación permanente de estar siendo observado, juzgado, corregido: un estado que la comunidad ha logrado volver invisible porque lo llama fe.

La puesta en escena del aislamiento

Desde el punto de vista estrictamente cinematográfico, Chiarella demuestra madurez visual al rehuir de los sustos fáciles (jumpscares, que francamente me tienen podrido…) para apostar por el terror de atmósfera. La dirección de fotografía aprovecha los exteriores con planos abiertos y desolados que acentúan la desorientación y el desamparo de los protagonistas, contrastando la belleza árida de la naturaleza con estructuras industriales oxidadas y descoloridas que se sienten tan obsoletas como los dogmas que rigen al pueblo entero. Asimismo, la química entre Joe Bird y Stacy Clausen dota a la película de un corazón melancólico; desde mi punto de vista, es esa vulnerabilidad la que eleva el filme, logrando que el verdadero peligro no sea la aparición del monstruo, sino la devastadora quietud de los espacios en los que se van moviendo.

El fuego purificador frente al dogma

La relación entre el parásito y el fuego constituye el núcleo simbólico de la obra. En el Levítico bíblico, el fuego divino aparece asociado a la purificación, al juicio y a la autoridad de Dios. La comunidad de la película interpreta esa tradición como justificación para intervenir los cuerpos y disciplinar las conductas. El Deliverance Preacher (Nicholas Hope) encarna esa autoridad con la serenidad del que nunca ha dudado: alguien que ejecuta la norma sin preguntarse a quién destruye, porque destruir también es, en su teología, una forma de amor.

Chiarella toma esa misma imagen del fuego y la invierte. Las llamas reales son el único elemento capaz de dañar y ahuyentar a la entidad. Esta inversión posee una potencia dramática que excede el efecto de género: el símbolo cambia de dueño. Las llamas dejan de ser el instrumento del altar y pasan a ser la respuesta de quienes el altar pretendía consumir. Destruir el templo implica destruir el mecanismo que hizo posible la culpa. Allí donde Aarón guardó silencio frente al sacrificio de sus hijos, Leviticus imagina una respuesta distinta: el fuego abandona el altar y encuentra otro destino. Finalmente, esas llamas caen sobre la hipocresía que aprendió a llamarse pureza, no sobre las víctimas.

La necesaria visibilidad

El cine de terror ha funcionado históricamente como reflejo de las ansiedades colectivas, y Leviticus ratifica esta condición al abordar el trauma de las terapias de conversión desde una perspectiva simbólica, pero sin eufemismos. Para la comunidad LGBTQ+, este tipo de representaciones posee un valor que va más allá de la crítica cinematográfica. Al emplear el horror corporal y psicológico, la película visibiliza el daño real que producen las prácticas de manipulación disfrazadas de fe, acompañamiento o corrección moral. El terror obliga al espectador a habitar la experiencia de quien aprende a considerarse una aberración.

La comunidad retratada convierte la vergüenza en una herramienta de disciplina. Primero enseña a sus miembros a desconfiar de sí mismos y luego transforma esa inseguridad en un mecanismo de vigilancia permanente. El monstruo es la manifestación física de ese proceso.

Sin embargo, Chiarella huye de la resolución simple. El cierre definitivo en el autobús, con los jóvenes compartiendo auriculares al ritmo de Self Control de Frank Ocean, rescata que la película es, ante todo, una resistencia romántica. Que el parásito de la culpa siga acechando a lo lejos desde los campos no anula la victoria de su escape: han aprendido que su afecto es demasiado real como para esconderlo.

No solo Aarón se quedó callado…

Leviticus (2026) consolida una lograda alegoría teológica sobre la intolerancia. Adrian Chiarella construye una fábula de horror donde la sociedad prefiere enmudecer ante la destrucción de sus hijos antes que aceptar su identidad. La película encuentra en la culpa, la obediencia y el silencio los pilares de su discurso. La gente calla, Naim delata, Arlene (Mia Wasikowska) obedece. Cada uno representa una forma distinta de colaboración con una estructura que exige sacrificios humanos para preservar su autoridad.

Cuando la doctrina devora la empatía, el silencio se vuelve cómplice del horror.

Leviticus (2026) disponible en los cines del país a partir del 25 de junio.

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The Mandalorian and Grogu llega a los cines el 21 de mayo de 2025 con una misión clara: cautivar no solo a los fans de la serie, sino a toda una generación que creció con Star Wars. Francamente, es una misión digna de un Skywalker, porque los fans somos exigentes con la estética, los personajes y, sobre todo, con la nostalgia. En Mundo Películas te contamos qué nos pareció.

¿Cómo funciona la película?

La película arranca bien: la clásica tipografía amarilla de Star Wars aparece desde el primer minuto, esa referencia directa a George Lucas que funciona como señal inmediata para los fans de toda la vida. Lo que sigue tiene un tono de introducción que recuerda más a Marvel o DC que a Star Wars clásico, pero logra encajar justo donde debe.

El gran problema —o quizás la gran virtud— es que Grogu se roba la película completa. Con solo aparecer en pantalla, con su carita, su voz y sus escenas comiendo, el pequeño personaje opaca todo lo demás. Cuando la trama acumula demasiada información, su presencia funciona como un respiro que el espectador agradece.

Mandalorian y su crossover: ¿demasiado Marvel?

Aquí viene la crítica más honesta: hay un momento en la película donde uno deja de saber si está viendo The Mandalorian o Thor: Ragnarok. Quienes la vean entenderán de inmediato a qué me refiero. Disney tenía tantas ideas nuevas para Mando que recurrir a lo de siempre se siente como una oportunidad desperdiciada. Chiste repetido sale podrido, dicen. Funciona, sí, pero costaba más.

Grogu: el personaje más querible del universo Star Wars

Desde The Mandalorian y El libro de Boba Fett, Grogu ha demostrado que puede robarse cualquier escena. En esta película no es la excepción. Su ternura y su rol de alivio cómico lo convierten en el corazón emocional de la historia. Con 50 años de edad —sí, como Yoda— Grogu tiene mucho por delante, y Disney claramente lo sabe.

Pedro Pascal: el héroe chileno con casco

Para el público latinoamericano, y especialmente el chileno, Pedro Pascal es más que Mando. Con solo aparecer dos minutos, conquista a media sala. El gran chiste del universo Mandalorian —que un mandaloriano jamás puede mostrar su rostro— siempre genera esa tensión morbo entre los fans: ¿cuándo veremos la cara de Pedrito? La película juega con eso, y por esta vez, se le perdona todo.

Nostalgia y personajes clásicos: ¿vuelve Jabba the Hutt?

Un recordatorio importante antes de entrar al cine: la historia de The Mandalorian no ocurre en el mismo período que la saga principal. No esperes ver a Luke, Leia o Darth Vader. Es otro tiempo, otro contexto. Dicho esto, Disney logró tejer un hilo conductor nostálgico que funciona bien y deja la puerta abierta para más.

Veredicto final: ¿vale la pena ver The Mandalorian and Grogu?

Sí, vale la pena. Es una película familiar que cumple con lo básico: buena historia, buena música, un conflicto claro y mucho corazón. No hay que llegar con expectativas de obra maestra —es entretenimiento bien ejecutado que prepara el terreno para más aventuras del dúo.

Si amas a Grogu tanto como yo, la vas a disfrutar igual.

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Fan’s por la nostalgia 

El team más querido está de regreso. Anne Hathaway, Meryl Streep, Emily Blunt y Stanley Tucci, todos juntos y como el vino… 

Volvieron a traer sus personajes y esta vez trayendo consigo el mejor de los cierres para sus personajes. Con historias llenas de sorpresas, encuentros emotivos y grandes evoluciones.

Una versión más psicológica

Para esta circunstancia la película muestra un lado B un poco más maduro que de la primera entrega. A comparación de El Diablo Viste A La Moda del 2006 para esta oportunidad podemos profundizar un poco más en cada personaje; sus miedos, rechazos, metas y cómo se han sentido con el paso de los años… Algo que se rescata mucho para esta versión ya que logramos sentir empatía por cada personaje que quizás en su primera versión no alcanzamos a ver del todo ya que es algo más “ superficial”. En esta secuela logramos entender las heridas de la gran Miranda y una Andy más madura que ya no lucha por encajar, sino por lograr su propio objetivo ( a pesar de ser ambicioso)

A veces las expectativas ganan… 

La película a pesar de que hayan pasado 20 años para esperar esta secuela. Se siente como una película hecha para el 2026. Con esto de la IA, que todos somos reemplazables es uno de los grandes puntos a tocar y en cómo nos estamos olvidando un poco de “vivir” puede sonar cliché, pero quien no extraña realmente sentarse a tomar un café y leer una revista… Queramos o no marcaron un gran hito. Hasta coleccionabamos pósters que venían en ellas y es algo que las generaciones de ahora probablemente no conocen o no ven la emoción que daba en su momento ver a tu artista favorito en la portada y es algo bien logrado y punto a favor para esta secuela. Tomarse una pausa para descubrir cómo en 20 años ha cambiado todo. La industria llegó para ser desechable al igual que la moda, al igual que nosotros…. Triste, pero cierto

Pero volviendo a la película y lo que sucede realmente que no es menor … qué pasa cuando esperamos por casi 20 años esta continuación y con casi un año de marketing por detrás, estamos a la espera casi que de la película más esperada del año, el espectador no entrará a la sala de cine como en cualquier otra película entrará más “aguja” porque las mismas redes nos hicieron entrar así. No es una película mala, pero sí ten este punto de vista claro y llega a

Apariciones icónicas

Para no caer en el maldito spoiler y no hacerles perder la magia, no diré quienes son los invitados sorpresas ( salvo que ustedes lo busquen por su propia cuenta en ese caso la culpa ya no es mía )

Pero es de mi agrado informar que en los 119 minutos de película hay más de una persona que verás en la pantalla y dirás -WOW- 

En ese sentido, todo lo prometido hacía la película está cumplido. El glamour, las colaboraciones y los cameos definitivamente llegaron a romperla. 

EN FIN… Como mencioné, es una buena película, si llegas con la mente con la cual viste la primera historia en el 2006, créeme que la disfrutarás, mucha red carpet , moda por todos lados, unos outfits MARAVILLOSOS, los personajes con unos atuendos 10/10 en cada momento. Pero será un goce sólo si la ves así, deja a un lado todo el marketing y toda esa expectativa de lado, porque sino de lo contrario por supuesto que elegirás la primera… 

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Una reseña implica distancia: el ejercicio crítico de quien observa desde afuera, puntúa, compara y concluye. Pero hay películas con las que no me gusta hacer eso, porque abordan narrativas que demandan más compromiso, o con las cuales prefiero centrarme en un tema antes que en otros. Esta es una de esas. Además, me llamo Andy; y Andy Sachs no habría escrito solo una reseña… Habría escrito algo más.

| Ojo, que tiene un par de pequeños mini-spoilers..

Don’t be ridiculous, Andrea. Everybody wants this.

Hay algunas preguntas que El Diablo Viste a la Moda instala desde su primera entrega y que no resuelve del todo sino hasta ahora. ¿Hasta qué punto es legítimo entregarse por completo a lo que amas? ¿Dónde termina la pasión y empieza la patología? ¿Y qué pasa cuando descubres que esa línea, en tu caso, hace mucho que cruzaste?

La primera película planteaba algo así. Andy (Anne Hathaway) renunció a Runway porque lo que vio no le gustó: una Miranda (Meryl Streep) capaz de traicionar a Nigel (Stanley Tucci) sin pestañear, de sacrificar a las personas por el cargo. Pero también vio el costo humano de esa entrega: los divorcios, el aislamiento, la frialdad como mecanismo de supervivencia. Era una advertencia sobre lo que la obsesión con el trabajo le hace a una persona. Esta segunda entrega revisita esas interrogantes y llega a una conclusión distinta. No sé si opuesta. Distinta. Y eso es infinitamente más interesante.

You sold your soul the day you put on your first pair of Jimmy Choos

A mi juicio, Andy Sachs no escapó de Miranda Priestly. Eso es lo que creímos durante veinte años, pero la secuela hace clic: Andy no huyó de Miranda, huyó de sí misma. De la versión que le esperaba si se quedaba. De una Andy más vieja que ya podía ver con demasiada claridad.

En esta entrega la encontramos en sus cuarenta y algo, despedida luego del cierre de otro medio: ese fenómeno que ya no sorprende a nadie pero que igual duele cada vez que pasa. Una periodista que lo ha logrado todo y al mismo tiempo nada, que sigue necesitando más no por ambición, sino porque su trabajo es el lugar donde existe con más plenitud. La película lo establece desde el arranque, con una economía narrativa que se agradece: Andy no cambió. Maduró. Y madurar, en su caso, significó dejar de disculparse por lo que es.

Everybody wants to be us.

Hablaré de la escena en el auto, donde Andy y Miranda conversan en Italia. La posición de ambas, y la forma en que hablan, es un eco directo del diálogo en el auto en París de la primera película, pero con una tónica radicalmente diferente. En París, Miranda le mostró a Andy el costo del poder como si fuera una amenaza. En Italia, lo plantea en voz alta, como si fuera una confesión (ya sabida, por cierto). Le dice, entre risas, que ama lo que hace y que no imagina haciendo otra cosa.

El momento más honesto de la película es esa conversación entre dos mujeres donde finalmente se dicen la verdad.

Y acá me pregunto ¿qué hace Miranda exactamente? porque sí, vemos una mujer exitosa, adinerada y poderosa. Pero ¿qué es aquello que ama realmente? ¿Es el poder? ¿Es el cargo? A mi parecer lo que Miranda ama no es la influencia abstracta, sino el trabajo concreto de controlar la narrativa de una industria que, como bien apunta Nigel, mueve millones y define cómo el mundo se ve a sí mismo.

Y es en ese momento donde Andy la mira, no con temor como en París. No con decepción. La mira con reconocimiento. Con admiración. Porque se está viendo a sí misma. Porque ella también lo siente. Porque a ella también le gusta, y 20 años después, al fin deja de pretender que no.

Pero hay algo más en esa escena que vale la pena nombrar: Miranda no está explicando su presente. Está describiendo una decisión que tomó hace décadas y con la que hace mucho dejó de negociar. Ella ya resolvió la pregunta. Ya cruzó la línea, pagó el costo, y llegó al otro lado. Lo que le está mostrando a Andy es nuevamente ese destino posible, pero esta vez Andy decide quedarse.

I love my job, I love my Job, I love my Job…

Lo que El Diablo Viste a la Moda 2 está argumentando, con toda su estética pop, es algo que nuestra época tiende a castigar: que hay personas para quienes el trabajo no es un medio sino un modo de ser, y que eso no es necesariamente una tragedia.

Vivimos en una época que glorifica el equilibrio. Que celebra el límite como virtud. Que desconfía de quien entrega demasiado. Y hay razones válidas para esa desconfianza; la historia está llena de sistemas que explotaron esa entrega y la llamaron «ponerse la camiseta». Pero la película hace algo más sutil que glorificar el sacrificio: muestra a dos mujeres que eligieron con los ojos abiertos, que conocen el costo, que lo han pagado, y que de todas formas eligen seguir pagándolo. No porque no tengan otra opción. Sino porque esa es su opción.

Miranda y Andy se ríen, en esa escena en Italia, de que les importa un rábano si es correcto o sano entregarse así a algo que las traiciona, que las pone al borde, que las obliga a tomar decisiones extremas. Esa risa es la manifestación de una lucidez cómplice.

La pregunta no es si es sano amar de esa manera. La pregunta es si ese amor, aun con sus costos, sigue siendo una elección legítima.

It’s more than just fashion.

Hay una capa adicional que la película instala en su trasfondo y que merece ser nombrado: El Diablo Viste a la Moda 2 también es una historia sobre quién controla el relato. El cierre del medio donde trabaja Andy no es un detalle de contexto. Es la condición de toda la trama. Inversores que no entienden nada tomando decisiones que afectan a quienes lo entienden todo. El capital imponiendo criterios sobre las historias que se cuentan. Siempre hay un pez más grande, lo que no implica que sea el más inteligente de la pecera.

Y esa tensión entre el poder económico y el poder narrativo es exactamente lo que Emily (Emily Blunt) articula en uno de los monólogos. Ella habla sobre lo que representa la ropa de lujo: no es vanidad, no es derroche, es un lenguaje. Un sistema de símbolos que comunica identidad, pertenencia, aspiración. Un statement, en el sentido más literal. Lo que Emily defiende, casi sin proponérselo, es que la moda es cultura. Y que quienes la narran, quienes deciden qué significa cada temporada, qué historia cuenta cada colección, ejercen un poder tan real como cualquier otro. Solo que más difícil de ver, y por eso más difícil de defender ante quienes solo entienden de balances.

En ese sentido, El Diablo Viste a la Moda 2 es también una película sobre las comunicaciones, sobre la moda como industria de poder simbólico, y sobre el valor de quienes realmente saben contar historias en un mundo que cada vez les hace menos espacio.

That’s All

No tengo una respuesta a las preguntas que esta película instala. No sé dónde está la línea entre la pasión legítima y la entrega tóxica a un sistema ingrato y muchas veces traidor. Sospecho que esa línea es distinta para cada persona, y que lo más honesto que se puede hacer es dejar de pretender que existe un mapa universal para encontrarlas.

Lo que sí sé es que El Diablo Viste a la Moda 2 no se disculpa por lo que es. Habita en sus decisiones con el mismo orgullo con que Miranda y Andy habitan las suyas: conociendo el costo, aceptándolo, y eligiendo de todas formas. En una industria que suele tratar las secuelas como productos de riesgo calculado, admito que la decisión de contar esta historia en 2026 es bastante cojonuda.

¿Es buena? Vayan a verla mejor. Pero si les sirve de algo: hay risas, hay emoción y hay Botox. Mucho Botox. Pero también hay mucho amor en su elenco, en sus personajes, y en la continuidad de una historia que si bien nadie pidió, igual agradecemos. Y a veces, eso es suficiente.

El Diablo Viste a la Moda 2, en cines a partir del 30 de abril.

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Ambientada en 1989, en los últimos años de la dictadura en Chile, la historia comienza con una familia que se reúne en el desierto del norte para celebrar Año Nuevo. Un contexto cargado de simbolismo: esperanza colectiva, pero con un miedo todavía latente. Esa calma inicial se rompe abruptamente con la muerte, detonando un relato íntimo sobre cómo una familia enfrenta la pérdida.

Para su directora, este contexto no es solo un marco temporal, es el corazón del relato. Como nos señaló  Nayra Ilic García en una entrevista a Mundo Películas: “Es un periodo de transición… como la adolescencia, ocurre una sola vez y para siempre.”

Una narrativa que rompe la estructura clásica

A diferencia de otras producciones más tradicionales, Cuerpo Celeste juega con su ritmo narrativo. Mantiene una base estructural reconocible, pero introduce quiebres tempranos que desordenan la experiencia del espectador. Esta decisión no es casual: busca reflejar emocionalmente el impacto de la tragedia.

Esa lectura se confirma desde la propia interpretación actoral. Daniela Ramírez lo describe con claridad: “Es muy loca la película… a veces uno siente que te quitan todo, y eso es lo que quiere la película también.”

Actuaciones que sostienen el relato

La película se centra en el vínculo entre madre e hija, interpretadas por Daniela Ramírez y Helen Mrugalski. Desde ahí se construye un conflicto transversal: adolescencia, identidad y necesidad de validación.

Pero aquí hay una decisión interpretativa relevante: el foco no está en el lucimiento individual. La propia Ramírez lo plantea desde una lógica más estratégica que emocional: “Yo estoy contando una historia… soy facilitadora de que esa historia se cuente.”

El elenco se complementa con nombres como Néstor Cantillana y Mariana Loyola, quienes aportan solidez a un relato que se mueve entre lo íntimo y lo colectivo.

Nostalgia, historia y memoria chilena

Uno de los elementos más potentes de la película es su carga simbólica. La inclusión del himno “Chile, la alegría viene”, compuesto por Jaime de Aguirre, conecta directamente con el contexto político de la época y refuerza el tono emocional de la historia.

Aquí no hay nostalgia vacía. Hay una intención clara de conectar pasado y presente. Como plantea Nayra Ilic García: “Es importante conectarnos con nuestra memoria, con quienes hemos sido y con quienes estamos siendo como país.”

El paisaje como narrativa

El desierto del norte de Chile no es solo escenario, es parte del relato. La fotografía destaca por capturar la magnitud y belleza del territorio, generando un contraste potente con el conflicto interno de los personajes.

Desde la experiencia en rodaje, Daniela Ramírez lo describe desde lo sensorial: “El desierto… uno puede escucharse a sí mismo, escuchar el silencio… es muy heavy.”

Y desde la dirección, el lugar tiene una carga aún más profunda: no es solo paisaje, es memoria. Un territorio donde conviven belleza, historia y huellas de lo que ocurrió como país.

Vestuario y reconstrucción de época

La ambientación en los años 80 y 90 está bien ejecutada, especialmente en el vestuario. Hay una reconstrucción visual coherente que aporta credibilidad y refuerza la experiencia nostálgica, sin caer en caricaturas.

Una película para conectar

Cuerpo Celeste funciona desde la emoción. No busca complejizar su mensaje ni instalar una lectura densa. Su propuesta es clara: generar conexión a través de experiencias universales como la pérdida, la familia y la memoria.

Y ahí está su mayor acierto. Como resume Nayra Ilic García: “El cine se vive… es una experiencia que continúa después de verla y conversarla.”

Desde una lógica estratégica, es cine chileno que entiende su identidad y la pone en valor. Y en un contexto donde la conversación cultural necesita más profundidad, eso ya es una toma de posición.

Entrevista: Paz Barahona.

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Entré a ver They Will Kill You sin haber visto absolutamente nada. No tenía idea ni de su director ni de quién la producía… De hecho, cuando me llega la invitación por parte de Warner, solo reconocí a la actriz Zazie Beetz, y era.

El punto es que mi decisión de no haber visto el trailer fue, lejos, la mejor decisión de la vida, porque mi experiencia en la sala habría sido completamente diferente. Así que, en este review de hoy, los invito a disfrutar de “Te van a matar” (They Will Kill You).

The Virgil: Lujo, cárcel y malas vibras

Asia Reaves (Zazie Beetz), recién salida de la cárcel, consigue trabajo como empleada doméstica en The Virgil, un hotel de ultra lujo en Nueva York donde todo se ve demasiado perfecto para ser real. El edificio funciona como una comunidad cerrada para gente con poder y dinámicas de millonarios, que no se explican a primera vista, pero está claro desde el primer segundo que deben ser turbias. 

Y qué razón tenía. A medida que avanza la noche, Asia descubre que el edificio es el núcleo de un culto satánico que sostiene su poder a través de sacrificios humanos. Sin haber firmado contrato ni beneficios como la caja de compensación, pasa a ser parte del sistema y, probablemente, del plato de fondo. Encerrada en una estructura que funciona como trampa, tendrá que sobrevivir sola en un entorno violento, donde cada piso es un problema nuevo y donde todos… la quieren matar.

La decapitación que lo cambia todo

La película parte jugando a ser algo que no es. Te deja cómodo en un thriller bastante reconocible: protagonista con pasado oscuro, edificio de lujo y un misterio que parece avanzar con cierta lógica. Uno entra tranquilo, entendiendo las reglas del juego… hasta que una decapitación lo cambia todo. Desde ahí, They Will Kill You deja de hacerse la ordenada y se tira de cabeza a lo gore, lo tarantinezco… lo absurdo.

La transición es rara, pero funciona. La película suelta la necesidad de explicarse y se pone a jugar con su propio caos. Hay ritmo, hay intención y una sensación constante de que cualquier cosa puede pasar. Acá es donde te tiene que importar un dick la física, la química o la biología. No cuestiones, solo disfruta.

El tropo sociopolítico del kill the rich se cruza aquí con una lógica cercana al sasibetsu, donde el enfrentamiento se construye desde la tensión previa más que desde el impacto mismo. La narrativa posiciona rápido a esta élite como un grupo de privilegiados degenerados, encerrados en su propia depravación y jugando a ser dioses. Desde esa premisa, es inevitable no empatizar con Asia. Aunque al inicio el guion instala cierta distancia hacia ella, en cuanto se activa el conflicto, la relación se reconfigura. Ya no importa tanto quién es ella; importa la amenaza que representan ellos. En ese escenario, la violencia deja de leerse como castigo y pasa a entenderse como respuesta.

En ese enfrentamiento, Asia entra preparada para todo. Se mueve segura, hábil, desafiante. Pero hay detalles que le cambian la lectura, como el hecho de que anda descalza toda la película. Onda, no es menor. Funciona como una forma de exponer al personaje, de volver cada desplazamiento más vulnerable y cada movimiento más incómodo. No sé si será rollo mío, pero mientras la veía huir de sus asesinos, desplazándose por el hotel, cada superficie como que pesaba. Y pensaba en el estrés de hacer todo eso… de sobrevivir a pata pelá.

La honestidad y originalidad se agradecen en tiempos de remakes.

Cuando agarra vuelo, la película se tira de cabeza. Empiezan a aparecer referencias claras: Kill Bill, Ready or Not, John Wick, con un aire medio Afro Samurai dando vueltas (sí, suena “Bloody Samurai” y funciona perfecto).

El resultado es un híbrido medio loco. Artes marciales, comedia negra, gore, incluso algo de western. Todo convive sin demasiada explicación, pero con una lógica clara. La película empuja el ritmo, mantiene la tensión y sostiene la experiencia sin detenerse a justificarse. Me gusta eso de que las películas conozcan su lugar. Que sean fieles a lo que son realmente. Muchas buenas ideas, terminan dando una lata tremenda cuando aspiran a ser lo que no es. La honestidad y originalidad se agradecen en tiempos de remakes.

Las secuencias de acción están bien armadas. Hay ritmo, hay tensión y hay momentos que se sienten derechamente épicos. De esos donde uno queda medio pegado mirando la pantalla pensando “ya, esto está muy bien hecho”.

They Will Kill You, dirigida por Kirill Sokolov y producida por Andy Muschietti y Barbara Muschietti bajo el sello Nocturna, es una de esas películas que se entienden mejor cuando uno deja de tratar de explicarlas. Funciona porque tiene ritmo, porque sabe lo que quiere ser y porque no se complica más de la cuenta.

Así que sí: anda a verla.
Y en serio, entra sin ver el trailer. Después me das las gracias.

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La cinta estrenada en el Festival Internacional de Cine de Berlín, sigue al capitán Jorge Silva, interpretado de manera magistral por Nicolás Zárate, cuya carrera impecable en la Fuerza Aérea es puesta a prueba cuando recibe la orden de convertir su academia de cadetes en un centro de detención y tortura. Zárate encarna la grieta moral del hombre atrapado entre la obediencia, el deber que le impone el uniforme y el imperativo ético, donde cada uno de sus gestos, cada pausa y cada mirada, contienen la tensión de un individuo forzado a medir su humanidad contra la maquinaria del autoritarismo. Su interpretación muestra una gran habilidad de traspasar la pantalla con su contención, sutileza y magnetismo, capaz de sostener la narrativa sin necesidad de artificios.

La elección de Sallato de rodar en blanco y negro, con la fotografía envolvente de Diego Pequeño, refuerza la atmósfera de opresión y la sensación de tiempo suspendido. Los pasillos y hangares de la base aérea se convierten en laberintos de hormigón, y los espacios íntimos, en escenarios donde la ética y la violencia se cruzan sin necesidad de mostrarla explícitamente. La violencia se percibe detrás de puertas cerradas, en documentos firmados con frialdad y en la tensión contenida de las relaciones humanas.

Sallato y el guionista Luis Emilio Guzmán construyen en 81 minutos un relato que avanza con firmeza, sin exageraciones ni énfasis innecesarios. La evolución de Silva, desde la obediencia automática hasta el cuestionamiento personal, se desarrolla de forma gradual, permitiendo que cada decisión y cada silencio tengan peso propio.

Las imágenes recurrentes del paracaidista en descenso aportan una dimensión simbólica sencilla pero efectiva, evocando libertad y riesgo, en contraste con el encierro institucional que marca la historia de forma poetica.

Hangar rojo me deja con algunas preguntas: ¿hasta dónde llega la responsabilidad personal cuando el sistema exige barbarie? ¿Qué precio tiene la resistencia silenciosa frente a la obediencia? Al situar la cámara tan cerca de Zárate, Sallato transforma la experiencia en un estudio íntimo de la ética bajo presión, un espejo para la conciencia del espectador. ¿Es el personaje un simple mortal o un villano? Porque la cinta es de estas que incomodan y que permanece en la memoria, recordando que incluso en los engranajes más oscuros del poder, un gesto mínimo puede marcar la diferencia.

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Aclaro lo de físicamente, porque mi papá era el reverso absoluto de Gustav Borg (Stellan Skarsgård). Marcos Salas, mi padre, sorteaba cualquier circunstancia para hacernos sentir su ternura imponente como fuera, dejándonos para siempre esa sensación de superhéroe personal — aunque hace casi trece años que dejamos de vernos por razones de “obsolescencia programada” del cuerpo humano, por usar un eufemismo que no ponga tan nervioso a nadie.

Las hijas de Gustav, en cambio, no evocan ese mismo refugio al hablar de su padre. Nora (Renate Reinsve) y Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) lo describen desde la distancia emocional, desde una herida que nunca terminó de cerrar. “Mi padre es una persona muy difícil. (…) No podemos comunicarnos realmente”, dice Nora en una de las primeras líneas que escuchamos en el tráiler de la película.

Pero bueno, ¿de qué va la peli? Sentimental Value es la historia de una familia trizada que se resiste a derrumbarse. Dos hermanas en sus treintas vuelven a enfrentarse con la relación compleja que mantienen con un padre errático y errante. Gustav Borg, es un cineasta reconocido pero emocionalmente torpe, y sus hijas Nora y Agnes, han crecido adaptándose a sus ausencias afectivas. Cuando Gustav intenta reconectar con ellas — especialmente con Nora, con quien mantiene el vínculo más turbulento — a través de un nuevo proyecto cinematográfico, viejas heridas resurgen y obligan a todos a enfrentarse a los silencios y afectos no dichos que han moldeado sus vidas.

Esta película deja muchos temas para conversar una vez terminada. Me cuesta decidir por dónde empezar, de hecho. Pero, en honor al increíble reparto — insisto, TODO el elenco principal nominado a los Premios Óscar; Stellan, además, ya obtuvo el Golden Globe — comenzaré por los personajes y sus vínculos.

Hemos hablado de Gustav, el padre cineasta: narcisista, egoísta, torpe con las palabras, ausente; un hombre con heridas emocionales que sólo parece saber comunicar a través de su arte, su lenguaje audiovisual. Su figura contrasta y choca con la sensibilidad de Nora, quien más resiente la “huida” de su padre. Entre miradas de tormentosa tristeza e impulsivas oraciones cargadas de ira contenida, Nora deja entrever su necesidad de aprobación paterna, de afecto genuino, y el dolor de sentir que su casa dejó de ser un hogar.

“Es muy difícil querer a alguien que tiene tanta rabia.” – Gustav.

“Si somos lo mejor de tu vida, ¿por qué no estabas?” – Nora.

Como espectadores, el entendimiento emocional — y también pragmático — entre este padre y su hija parece cuesta arriba. Sus lenguajes emocionales no concilian, no dialogan, no logran sincronizar. Gustav, a priori, puede parecer majadero con su guion, su película, su obsesión con el cine. Sin embargo, esa es su forma de hablar: su intento de demostrar afecto, de volver visibles emociones que no logra articular en una conversación directa. Nora, en cambio, necesita — o cree necesitar — otra forma de presencia: alguien que esté, que permanezca. Alguien capaz de transformar el afecto en gestos reconocibles, en palabras dichas a tiempo, vínculos que no dependan de la interpretación.

Y en medio de esta disonancia de lenguajes emocionales —de love languages dispares, como dirían las redes sociales— sostener un vínculo se vuelve una tarea monumental. Quererse dentro de una torre de Babel; parece casi imposible. ¿Reconciliarse? Uf. Difícilmente es un proceso que pueda ocurrir sólo entre dos actores.

Es ahí donde el guion incorpora, brillantemente, personajes que funcionan como catalizadores. Primero, Agnes, la hermana mediadora, quien aporta una mirada sensata, teñida de ternura y conciliación, recordándonos que ningún hermano crece con los mismos padres, aunque lleven el mismo nombre y apellido. Y, por otro lado, Rachel Kemp (Elle Fanning), la actriz que protagonizará la película de Gustav, quien entrega momentos de inesperada lucidez y funciona como un espejo emocional que permite revelar las dinámicas familiares que descubrimos a lo largo de la cinta.

Trier, con su cine nórdico que ya empezamos a conocer – y querer -, parece recordarnos que el amor familiar rara vez fracasa por falta de sentimiento, sino por la imposibilidad de traducirlo. Y es que nadie aprende a amar desde cero: heredamos gestos, silencios, formas torpes o luminosas de vincularnos (“everything is our parents, except our parents who are their parents”). En Sentimental Value, ese legado emocional se materializa en la casa de los Borg, una protagonista y espectadora más de la historia, donde la memoria parece adherida a esas paredes testigos de generaciones: silencios, discusiones, gritos, risas, abrazos, vacíos, grietas e incontables huellas que moldean sigilosamente los días de esta familia.

¿Cuánto de nuestro hogar habita en la forma en que aprendemos a amar? ¿Y cuánto de nuestra forma de amar habita en nuestro hogar?

La casa está filmada con una belleza y sensibilidad que trasciende lo meramente escenográfico. La cámara se detiene en sus superficies, en la textura de sus muros y en las marcas que el tiempo ha dejado sobre ellos. No es casual: el director ha señalado que quería mostrar el hogar como un archivo vivo, donde cada rincón sugiere que el pasado no es un recuerdo lejano, sino una presencia que continúa modelando los vínculos del presente.

En ese gesto sutil — junto a otras decisiones narrativas igual de fundamentales (highlight al mónologo del inicio) — Sentimental Value nos permite asomarnos al pasado familiar como una forma de empezar a traducir a sus personajes. Al mostrarnos las capas de historia que preceden a Gustav, la película lo desplaza de su rol de padre para situarlo también como hijo, como heredero de afectos, carencias y lenguajes emocionales que no eligió, pero que inevitablemente reproduce. Esa perspectiva nos invita a mirar a nuestros propios padres — e incluso a nuestros hermanos — entendiendo que, además de ser refugio o herida, también cargan con su propia genealogía emocional, hecha de luces y sombras.

Joachim Trier, esta vez director y co-guionista – muy reconocido, por lo demás (por favor, vean sus otras películas) – declaró que “no quería centrar la película en preguntarnos si es posible la reconciliación, sino mostrar qué nos enseña el tratar de reconciliarnos. (…) Quería explorar cómo podemos estar en paz con nuestras diferencias”. Y, lo lograste, Joachim. No sólo eso, sino que, con una equilibrada cinematografía y guion, pudiste hablarnos de legado familiar, memoria, duelo, infancia, vulnerabilidad humana y expresión emocional a través del arte.

Sentimental Value conmueve desde la reflexión, la empatía, los colores pasteles característicos de Noruega —y de Ikea— y desde la profunda conexión que construye con personajes complejos, introspectivos, queribles y absolutamente inolvidables.

La primera vez me gustó. La segunda, me encantó. Y ahora, mientras escribo sobre ella, sin duda se transforma en una de mis películas favoritas de la temporada — y probablemente, de la vida.

Esta película nos invita a volver a mirar a quienes nos enseñaron — asertiva o torpemente — a querer. A reconocer que, detrás de cada padre, hay un hijo intentando comprender su propia historia. Y mientras veía a Gustav Borg intentar traducirse frente a sus hijas, no pude evitar pensar en esa ternura imponente que marcó mi propia memoria afectiva. Porque hay presencias que siguen enseñándonos a amar incluso cuando ya no están, recordándonos que el amor no siempre consiste en entenderlo todo, sino también en dejar una huella lo suficientemente cálida como para acompañarnos el resto de la vida.

Tratar de entendernos, traducirnos, sincronizar nuestros lenguajes emocionales, nunca dejará de ser uno de los actos más profundos de amor y ternura que podemos ofrecer y recibir. Narrarnos para no perdernos, través del arte, también es parte de esa búsqueda. Y Sentimental Value nos recuerda que, incluso entre ruinas afectivas, ese intento persiste como un gesto profundamente humano. Porque, aun cuando no logramos entendernos del todo, seguimos buscándonos. Como si querernos fuera, en el fondo, nunca dejar de intentarlo.

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Sentimental Value está nominada a nueve Premios Oscar, incluidos: Mejor película, mejor dirección, mejor actriz principal (Renate Reinsve), mejor actriz de reparto x2 (Inga Ibsdotter Lilleaas y Elle Fanning), mejor actor de reparto (Stellan Skarsgård), mejor película internacional, mejor guión original, mejor edición.

Puedes verla en algunos cines y estará disponible en MUBI Latinoamérica desde este Viernes 13 de Febrero.

Aquí está el tráiler.

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¿Cómo explicar en unas cuantas líneas todo lo que esta historia me hizo sentir? Decir que lloré cinco veces se queda corto. Aunque la premisa de «el amor lo puede todo» pueda sonar cliché, la ejecución de esta cinta es magistral. Hugh Jackman lo logró .Te cautiva desde el primer segundo, obligándote a empatizar con la vulnerabilidad y la fuerza de su personaje… 

Y es que todo parte con Mike, un ex alcoholico rehabilitado hace más de 20 años conoce a Claire, un amor a primera vista que deciden formar una banda tributo a Neil Diamond… y para no caer en el spoiler hasta ahí llegaré, lo demás debes contemplarlo tú mismo en la pantalla grande.

El amor como entrega absoluta

La película nos recuerda que el amor real no sólo es entrega;es pelear y entender que, al final del día, esa persona especial es quien te sostiene y te da la contención que necesitas.Es un recordatorio visual de que cuando el amor es grande, se puede con todo, y aunque caiga en lo ficticio de verdad hace emocionar y darle una verdadera importancia a la manera de amar… 

La historia que supera la ficción (Basada en hechos reales)

Lo que hace que esta película te rompa el corazón y luego lo vuelva a armar es saber que está basada en una historia real. La cinta se inspira en el aclamado documental de 2008 sobre Mike y Claire Sardina, una pareja de Milwaukee que, a pesar de las dificultades económicas y los golpes de la vida, decidieron formar un dúo musical tributo a Neil Diamond llamado «Thunder and Lightning».

La  película llegó con todo 

Con nominaciones a los Globos de Oro y los SAG Awards, y victorias en festivales como Palm Springs y los Gotham, esta película se perfila como una de las grandes favoritas del año.

Actuaciones Impecables

El peso dramático de esta película es fuerte. En dos horas y doce minutos que dura abarca tantos golpes de realidad que es imposible perder el hilo o la concentración 

• Hugh Jackman: Entrega una de las interpretaciones más humanas de su carrera. Destacando su fragilidad, canto, humanidad y carisma. Un acierto puro 

• Kate Hudson: logrando un equilibrio perfecto entre la sobreviviencia propia, ganas de vivir y salir adelante. Entrega una actuación única digna de premios 

Un tributo a la leyenda: Neil Diamond

Más que una simple banda sonora, la película es un homenaje vibrante a la música de Neil Diamond.

Escuchar clásicos como «Song Sung Blue» o «Sweet Caroline» integrados en la narrativa no solo apela al querer cantar con los actores, sino que invita a reflexionar sobre cada tema y el porqué fueron elegidos… o cómo una simple canción te puede llegar tanto. 

Si buscas una película que te sacuda el corazón, que te haga cantar y que te recuerde la importancia de vivir el día a día, Song Sung Blue es una cita obligatoria en el cine.

Prepara los pañuelos. 

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La saga regresa para recordarnos por qué el cine de gran formato sigue vigente. Esta película no funciona únicamente como continuación narrativa, sino como una experiencia sensorial que busca borrar la línea entre la pantalla y el espectador. La promesa es clara: inmersión total. El debate viene después.

El legado de Pandora continúa (sin spoilers)

El universo de Pandora sigue expandiéndose. Lo que comenzó como el viaje de Jake Sully hacia la cultura Na’vi, hoy se presenta como una exploración más amplia de nuevas comunidades, conflictos y vínculos espirituales con la naturaleza. La escala crece, los peligros evolucionan y la épica se mantiene.

Sin embargo, la sensación de reiteración es evidente. Esta entrega funciona más como una extensión directa de las dos películas anteriores que como un verdadero punto de quiebre. Narrativamente, se siente como una “segunda parte y media” más que como una tercera película con identidad propia.

IMAX: donde Avatar cobra sentido

Avatar: Fuego y Cenizas fue pensada para verse en IMAX. Aquí el formato no es un accesorio, es el eje de la experiencia. La profundidad de campo, el realismo visual y el diseño sonoro generan momentos donde el espectador deja de observar y pasa a habitar la escena.

Ese despliegue técnico sostiene la película incluso cuando el relato se vuelve predecible. El asombro constante logra compensar la densidad narrativa, aunque no elimina el desgaste. La película es visualmente rica, absorbente y detallada, pero también larga y exigente.

El desafío del tiempo: ¿vale la pena?

La duración supera con holgura las tres horas. Es una propuesta obligatoria para quienes buscan espectáculo audiovisual de alto nivel, pero plantea un costo claro: cansancio mental y visual. Cameron construye el clímax con paciencia extrema, y esa decisión divide aguas.

¿Vale la pena? Desde lo técnico y visual, sí. Cumple con todos los estándares del cine espectáculo: innovación, diseño, ambición y escala. Desde el guion, la respuesta es más compleja. Repetir estructuras ya vistas en entregas anteriores, con duraciones similares, termina siendo excesivo.

Conclusión

Avatar: Fuego y Cenizas confirma que la saga sigue siendo una potencia audiovisual, pero también evidencia sus límites narrativos. Impresiona, deslumbra y se disfruta, especialmente en gran formato. El problema no está en lo que muestra, sino en volver a contar lo mismo con mejores herramientas.

Es cine para ver, discutir y cuestionar. Un viaje visual inolvidable que deja abierta una pregunta incómoda: ¿hasta cuándo el espectáculo puede sostener la historia?

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