La película retoma uno de los temas centrales de la franquicia: el miedo de los juguetes a ser olvidados. Pero esta vez el conflicto se actualiza para dialogar con una realidad muy distinta a la que enfrentaban Woody y sus amigos cuando comenzó la saga. Los niños ya no solo dejan atrás los juguetes porque crecen; ahora también lo hacen porque gran parte de su tiempo está absorbido por tablets, teléfonos y otros dispositivos electrónicos.

Lo interesante es que la película no utiliza esta premisa para construir un discurso nostálgico o una crítica simplista a la tecnología. Por el contrario, plantea una conversación sobre cómo los niños necesitan espacios para desarrollar su imaginación y creatividad, encontrando eventualmente una convivencia entre ambos mundos. Los juguetes comprenden que la tecnología no es el enemigo, sino una herramienta que también puede formar parte del juego cuando existe un equilibrio saludable.

A diferencia de otras entregas, el protagonismo recae principalmente en Jessie. La vaquera se convierte en el corazón emocional de la historia y en el personaje que impulsa gran parte de la acción. Buzz Lightyear también recupera una presencia relevante dentro del grupo, mientras que Woody adopta un rol más secundario y complementario. Lejos de sentirse como una ausencia, este cambio permite refrescar la dinámica de la saga y explorar nuevas perspectivas dentro de un universo que parecía haber contado todas sus historias.

La película también encuentra sensibilidad en la relación con su nueva protagonista humana, una niña que parece sentirse diferente a los demás. Mientras muchos de sus compañeros prefieren las pantallas, ella encuentra en los juguetes un espacio para expresarse y desarrollar su imaginación. A través de ella, la película reflexiona sobre la importancia del juego en una época donde la creatividad muchas veces compite con el consumo constante de contenido digital.

Sin reinventar por completo la fórmula, Toy Story 5 consigue actualizarla. Es una película consciente de los cambios culturales y tecnológicos que han transformado la infancia, pero que al mismo tiempo recuerda por qué jugar sigue siendo una experiencia fundamental. Contra todo pronóstico, esta nueva entrega demuestra que todavía había una historia valiosa por contar dentro de este universo.

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La película sigue a Tova, una mujer marcada por la pérdida que trabaja en un acuario y cuya rutina parece haberse convertido en una forma de sobrellevar la ausencia. Sin embargo, gran parte de la atención termina concentrándose en Marcellus, un pulpo extraordinariamente inteligente que habita uno de los estanques del recinto. A través de sus observaciones y de su relación con quienes lo rodean, la película construye una reflexión inesperadamente sensible sobre los animales y la manera en que solemos percibirlos.

Lo interesante es que Criaturas luminosas no cae en la tentación de humanizar excesivamente a su protagonista marino. No intenta convencernos de que piensa exactamente igual que nosotros ni transforma su comportamiento en una caricatura. Lo que hace es mucho más efectivo porque nos recuerda que existe una inteligencia distinta a la humana, una forma diferente de experimentar el mundo, que no por ser diferente es menos compleja.

Durante años la humanidad se acostumbró a mirar a los animales desde una posición de superioridad. Se les observa en zoológicos, acuarios o parques marinos como si fueran parte de una exhibición diseñada para nosotros. La película pone esa lógica en cuestión sin necesidad de discursos ni consignas. Basta con observar a Marcellus desplazarse por su espacio, reaccionar a lo que ocurre a su alrededor y demostrar una curiosidad constante por el mundo exterior para que aparezca una pregunta inevitable: ¿qué significa realmente mantener a un ser así encerrado? Marcellus solo quiere su libertad.

Esa sensación atraviesa buena parte de la película. Aunque el cautiverio nunca se convierte en un tema explícito, está presente en cada rincón del relato. Marcellus vive protegido, alimentado y cuidado, pero sigue existiendo una distancia enorme entre sobrevivir y vivir. La película parece entender que ambas cosas no son necesariamente lo mismo.

Quizás por eso algunos de sus momentos más emotivos no tienen que ver con los grandes giros argumentales, sino con instantes mucho más pequeños: una mirada, una reacción, una muestra de curiosidad. Son escenas que funcionan porque apelan a algo que la ciencia lleva años intentando demostrar y que muchas personas ya intuían, que los animales poseen vidas interiores más complejas de lo que solemos admitir. Tienen memoria, resuelven problemas, desarrollan vínculos y responden emocionalmente a su entorno.

En el caso de los pulpos, esa idea resulta todavía más fascinante. Son criaturas radicalmente distintas a nosotros desde el punto de vista evolutivo y, aun así, exhiben niveles sorprendentes de inteligencia. Criaturas luminosas aprovecha esa particularidad para construir una historia donde la empatía surge precisamente de las diferencias. No conectamos con Marcellus porque sea como nosotros, sino porque entendemos que también tiene deseos, necesidades y una forma propia de habitar el mundo.

La película encuentra ahí sus momentos más poderosos. No cuando intenta resolver los conflictos humanos, sino cuando invita a detenerse y observar a una criatura que normalmente miraríamos detrás de un vidrio durante unos segundos antes de seguir caminando, o que algunos incluso ponen en sus platos. Hay algo profundamente melancólico en esa idea, porque la posibilidad de que tantos animales pasen gran parte de sus vidas siendo observados sin que realmente intentemos comprenderlos y sin entender el maltrato, es realmente frustrante.

Después de ver Criaturas Luminosas, resulta difícil volver a pensar en los acuarios, zoológicos o espacios de exhibición animal exactamente de la misma manera. No porque la película adopte una postura militante, sino porque logra despertar la empatía suficiente para preguntarnos cómo experimentan ellos una realidad que siempre hemos descrito desde nuestra perspectiva.

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Dirigida por Steno, la película lleva al extremo la idea de americanización y de trasposición identitaria en la clase media italiana. Sordi encarna a Nando, un romano que vive en un departamentito en Trastevere, completamente obsesionado con el sueño americano y las películas yankees. Repite diálogos de los films y los incorpora en su vida cotidiana. Su existencia gira en torno a un único objetivo: viajar a Estados Unidos y formar parte del “mejor pueblo del mundo”. Se trata de una sátira brillante, que critica a una sociedad que gradualmente abandona sus costumbres y su lenguaje, dejándose atomizar por el imperio que les dio la “libertad”.

Il vedovo (1959)
La película, dirigida por Dino Risi, está protagonizada por Sordi, quien encarna a Alberto Nardi, un romano convertido en burgués oportunista, obsesionado con “enviudar”: es decir, desear la muerte de su esposa milanese (Franca Valeri) para quedarse con su herencia. A lo largo de la trama, Nardi atraviesa todo tipo de situaciones; cuando cree que su esposa ha muerto, él ya ha despilfarrado su dinero, cerrado negocios y planificado nuevas inversiones. Sin embargo, nada sale como lo esperaba y los acontecimientos toman un giro inesperado. La película no solo critica la lógica del “vale todo” en la ambición económica, sino que también cuestiona cómo, dentro del patriarcado, las mujeres son aceptadas mientras resulten funcionales a un objetivo; una vez que dejan de serlo, parece que todo está permitido, incluso planificar su muerte. El film se inspira en un hecho real conocido como “Il mistero di via Monaci” o “caso Fenaroli”, ocurrido apenas un año antes de su estreno.

Un italiano in America (1967)

Dirigida por Alberto Sordi y co-protagonizada junto al inigualable Vittorio De Sica, la película parece dialogar con aquella de trece años antes. Salvando las distancias, aquí Sordi interpreta a Giuseppe Marossi, un hombre sencillo que trabaja en una estación de servicio. Su vida transcurre tranquila, cuenta con un buen amigo y pasa el tiempo sin mayores sobresaltos, hasta que llega un auto con la noticia de que su padre, a quien creía muerto, está vivo en Estados Unidos y quiere encontrarse con él al día siguiente en un estudio de televisión. El padre de Giuseppe, Lando (Vittorio De Sica), lo abandonó cuando era chico, dejando a su mujer sin explicaciones: “vuelvo pronto”, tomó las llaves y se fue. Ahora, Lando busca reincorporarse a la vida de Giuseppe. En apariencia, es un hombre poderoso, exitoso en los negocios internacionales, algo frívolo y nada afectuoso con su hijo. A lo largo de la película, se van viendo las grietas, el ideal norteamericano se va desmoronando gradualmente. La obra utiliza el humor para mostrar cómo la migración italiana en Estados Unidos no siempre cumple el american dream. Es, también, una comedia que señala, con sutileza y mordacidad, el doble juego de los sueños y el papel del padre narcisista en una sociedad marcada por la americanización.

Le vacanze intelligenti  (1978)
Dirigida y protagonizada por el propio Alberto Sordi, esta película es la tercera entrega de la trilogía Dove vai in vacanza?, precedida por Sarò tutta per te de Mauro Bolognini y Sì buana de Luciano Salce. En esta ocasión, Sordi y Anna Longhi interpretan a una pareja que trabaja en el mercado frutícola. Con una educación modesta, representan a la Roma popular: aquellos que esperan ansiosos los días de vacaciones para tirarse panza arriba en la playa más cercana, comiendo panini bajo la sombrilla y apoyando los pies en la heladerita con tapa. Son padres humildes y trabajadores, orgullosos de sus hijos, a quienes han visto crecer y formarse gracias a su propio cuero; pertenecen a la primera generación universitaria de la familia. Sin embargo, los jóvenes, algo snobs, intentan “educar” a sus padres, aunque con poco éxito. Para lograrlo, organizan ellos mismos las vacaciones, imponiendo necesidades alimenticias específicas y recorridos intelectuales por museos y sitios históricos. Al finalizar la visita a la Biennale di Venezia, la madre (Anna Longhi) se queda dormida en una silla, y los presentes la confunden con una obra de arte contemporáneo expuesta en el museo. La escena es maravillosa.
La película funciona como sátira del intelectual de pacotilla que, por vergüenza clasista, evita relacionarse con sus padres en presencia de amigos extranjeros. Aunque puede pecar de cierta idealización de la humildad, es sumamente divertida y constituye una excelente estampa de época, mostrando cómo se vivían las vacaciones en Italia durante la década del ’70.

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Inspirada en el concepto griego de la katábasis: el descenso al inframundo, la experiencia nos invita a recorrer túneles, espacios olvidados y rincones invisibles de la metrópolis neoyorquina. Sin embargo, este experimento no es solo una exploración urbana porque se te transporta una dimensión mucho más humana y reflexiva. Su director, nos muestra ese mundo bajo las calles de Nueva York pero con una forma mucho más interesante y profunda de observarlo.

A lo largo del recorrido aparecen figuras humanas que emergen de la oscuridad para compartir fragmentos de sus vidas. Son personas que habitan estos espacios, trabajan en ellos o simplemente existen lejos de las miradas de la superficie. La forma de activar la conversación en mirarles a esa cara, esa cara que no tiene rostro, y es ahí cuando sus voces comienzan a construir un mosaico de historias que convierten los túneles en algo más que una infraestructura urbana. Es interesante porque te hace mirar a otros en un territorio habitado por memorias, experiencias y realidades que rara vez ocupan un lugar en el relato oficial de la ciudad.

Lo más fascinante de Katábasis es que nunca se siente como una experiencia invasiva o angustiante. A pesar de su vínculo conceptual con el inframundo, el recorrido transmite una inesperada sensación de calma. Hay algo profundamente contemplativo en la manera en que nos desplazamos por estos espacios. Las luces, las sombras y las siluetas humanas generan una atmósfera suspendida entre lo real y lo onírico, como si estuviéramos transitando por un lugar que existe fuera del tiempo, como en un camino hacía la muerte pero en calma, o al menos, así fue como me hizo sentir.

Por momentos, la experiencia se transforma casi en una meditación. Mientras avanzamos, el ruido del mundo exterior parece desaparecer lentamente. Las distracciones habituales quedan atrás y surge una rara sensación de conexión con el entorno y con uno mismo. No es casual que el descenso al subsuelo termine evocando algo más profundo que una exploración física y se convierta en una invitación a observar aquello que normalmente permanece oculto, tanto en la ciudad como en nuestra propia experiencia cotidiana.

Desde el punto de vista técnico, Arsac demuestra un notable dominio de las posibilidades del lenguaje inmersivo. Sin necesidad de recurrir al espectáculo constante, utiliza el espacio, la interacción y el sonido para construir una experiencia envolvente que encuentra su mayor fortaleza en la sensibilidad de su propuesta. La tecnología nunca busca imponerse sobre el contenido, por el contrario, desaparece para dejar espacio a las historias y a las emociones que emergen durante el recorrido.

Lo que permanece después de terminar Katábasis no son necesariamente las imágenes de los túneles ni la magnitud de Nueva York. Lo que se queda contigo es una sensación. La impresión de haber atravesado un espacio donde el tiempo avanzaba de otra manera, donde las voces invisibles encontraban un lugar para ser escuchadas y donde, por un instante, era posible escapar del ruido permanente de la superficie.

Katábasis es una experiencia inmersiva envolvente que realmente me cautivó. Es sobre escucharse, es mirar atrás y ver como el pasado se apaga junto con las luces, mientras avanzas por un túnel, una especie de purgatorio pacifico donde a veces te detienes a mirar a otro. También es sobre la presencia y la humanidad que este mundo veloz nos hace ignorar. Un descenso que no conduce a la oscuridad, sino a una forma distinta de mirar el mundo.

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La historia sigue a una familia profundamente religiosa y conservadora que intenta construir una vida tranquila junto a sus cinco hijos. Sin embargo, todo cambia cuando una de las niñas llega a la escuela con un golpe visible, alarmando particularmente a una de las profesoras, quien culmina activando inmediatamente los protocolos de protección infantil del Estado noruego. Lo que sigue no es un thriller judicial tradicional, ni una denuncia directa contra alguna de las partes involucradas, sino una exploración incómoda sobre los límites de la intervención estatal, las diferencias culturales y el derecho de los padres a educar a sus hijos según sus propias convicciones.

Lo interesante es que, la película juega constantemente con nuestras percepciones. Hay momentos en que uno empieza a desconfiar de los padres, a preguntarse qué ocurre realmente puertas adentro. Pero a medida que avanza el relato, también emerge otra sensación: la de un aparato estatal que, en su afán de proteger, puede transformarse en una fuerza profundamente invasiva. Y ahí es donde Fjord encuentra su mayor potencia dramática. Más que construir héroes o villanos, Mungiu tensiona dos sistemas de creencias que chocan entre sí y obliga al espectador a posicionarse frente a ellos.

Desde una perspectiva cinematográfica, esa ambigüedad está trabajada con una precisión notable. Mungiu vuelve a recurrir a una puesta en escena observacional, marcada por planos largos, una cámara paciente y una distancia emocional que evita manipular la respuesta del público. En términos teóricos, la película se instala en una tradición del cine europeo contemporáneo que privilegia la observación por sobre el juicio, permitiendo que el conflicto se despliegue en toda su complejidad ética.

En el centro de todo aparecen dos interpretaciones extraordinarias. Sebastian Stan entrega probablemente uno de los trabajos más contenidos y complejos de su carrera, alejándose por completo de cualquier imagen previa para construir a un hombre atrapado entre sus creencias y un sistema que no logra comprender. A su lado, Renate Reinsve vuelve a demostrar por qué es una de las actrices más fascinantes del cine europeo actual, aportando una enorme carga emocional desde la sutileza y los silencios.

La puesta en escena también juega un papel fundamental. Los fiordos, montañas y paisajes noruegos no funcionan únicamente como telón de fondo; transmiten una sensación constante de aislamiento y pequeñez frente a estructuras sociales mucho más grandes que los personajes. Esa inmensidad visual contrasta con la tensión que se acumula dentro del hogar, creando una atmósfera tan hermosa como inquietante.

Lo que más me interesa de Fjord es que abre debate, y deja pensando menos en quién tenía la razón y más en cómo ciertas instituciones, familiares, religiosas o estatales, pueden convencerse de que actúan por el bien de otros sin detenerse a cuestionar sus propios límites. Esa sensibilidad para abordar conflictos humanos complejos, sin reducirlos a respuestas simples, es precisamente lo que vuelve tan fascinante al cine de Mungiu.

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Entré a ver They Will Kill You sin haber visto absolutamente nada. No tenía idea ni de su director ni de quién la producía… De hecho, cuando me llega la invitación por parte de Warner, solo reconocí a la actriz Zazie Beetz, y era.

El punto es que mi decisión de no haber visto el trailer fue, lejos, la mejor decisión de la vida, porque mi experiencia en la sala habría sido completamente diferente. Así que, en este review de hoy, los invito a disfrutar de “Te van a matar” (They Will Kill You).

The Virgil: Lujo, cárcel y malas vibras

Asia Reaves (Zazie Beetz), recién salida de la cárcel, consigue trabajo como empleada doméstica en The Virgil, un hotel de ultra lujo en Nueva York donde todo se ve demasiado perfecto para ser real. El edificio funciona como una comunidad cerrada para gente con poder y dinámicas de millonarios, que no se explican a primera vista, pero está claro desde el primer segundo que deben ser turbias. 

Y qué razón tenía. A medida que avanza la noche, Asia descubre que el edificio es el núcleo de un culto satánico que sostiene su poder a través de sacrificios humanos. Sin haber firmado contrato ni beneficios como la caja de compensación, pasa a ser parte del sistema y, probablemente, del plato de fondo. Encerrada en una estructura que funciona como trampa, tendrá que sobrevivir sola en un entorno violento, donde cada piso es un problema nuevo y donde todos… la quieren matar.

La decapitación que lo cambia todo

La película parte jugando a ser algo que no es. Te deja cómodo en un thriller bastante reconocible: protagonista con pasado oscuro, edificio de lujo y un misterio que parece avanzar con cierta lógica. Uno entra tranquilo, entendiendo las reglas del juego… hasta que una decapitación lo cambia todo. Desde ahí, They Will Kill You deja de hacerse la ordenada y se tira de cabeza a lo gore, lo tarantinezco… lo absurdo.

La transición es rara, pero funciona. La película suelta la necesidad de explicarse y se pone a jugar con su propio caos. Hay ritmo, hay intención y una sensación constante de que cualquier cosa puede pasar. Acá es donde te tiene que importar un dick la física, la química o la biología. No cuestiones, solo disfruta.

El tropo sociopolítico del kill the rich se cruza aquí con una lógica cercana al sasibetsu, donde el enfrentamiento se construye desde la tensión previa más que desde el impacto mismo. La narrativa posiciona rápido a esta élite como un grupo de privilegiados degenerados, encerrados en su propia depravación y jugando a ser dioses. Desde esa premisa, es inevitable no empatizar con Asia. Aunque al inicio el guion instala cierta distancia hacia ella, en cuanto se activa el conflicto, la relación se reconfigura. Ya no importa tanto quién es ella; importa la amenaza que representan ellos. En ese escenario, la violencia deja de leerse como castigo y pasa a entenderse como respuesta.

En ese enfrentamiento, Asia entra preparada para todo. Se mueve segura, hábil, desafiante. Pero hay detalles que le cambian la lectura, como el hecho de que anda descalza toda la película. Onda, no es menor. Funciona como una forma de exponer al personaje, de volver cada desplazamiento más vulnerable y cada movimiento más incómodo. No sé si será rollo mío, pero mientras la veía huir de sus asesinos, desplazándose por el hotel, cada superficie como que pesaba. Y pensaba en el estrés de hacer todo eso… de sobrevivir a pata pelá.

La honestidad y originalidad se agradecen en tiempos de remakes.

Cuando agarra vuelo, la película se tira de cabeza. Empiezan a aparecer referencias claras: Kill Bill, Ready or Not, John Wick, con un aire medio Afro Samurai dando vueltas (sí, suena “Bloody Samurai” y funciona perfecto).

El resultado es un híbrido medio loco. Artes marciales, comedia negra, gore, incluso algo de western. Todo convive sin demasiada explicación, pero con una lógica clara. La película empuja el ritmo, mantiene la tensión y sostiene la experiencia sin detenerse a justificarse. Me gusta eso de que las películas conozcan su lugar. Que sean fieles a lo que son realmente. Muchas buenas ideas, terminan dando una lata tremenda cuando aspiran a ser lo que no es. La honestidad y originalidad se agradecen en tiempos de remakes.

Las secuencias de acción están bien armadas. Hay ritmo, hay tensión y hay momentos que se sienten derechamente épicos. De esos donde uno queda medio pegado mirando la pantalla pensando “ya, esto está muy bien hecho”.

They Will Kill You, dirigida por Kirill Sokolov y producida por Andy Muschietti y Barbara Muschietti bajo el sello Nocturna, es una de esas películas que se entienden mejor cuando uno deja de tratar de explicarlas. Funciona porque tiene ritmo, porque sabe lo que quiere ser y porque no se complica más de la cuenta.

Así que sí: anda a verla.
Y en serio, entra sin ver el trailer. Después me das las gracias.

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La propuesta de Matapanki se instala, desde sus primeros minutos, en un territorio donde lo político y lo simbólico dialogan con una energía poco frecuente en el cine chileno reciente. En un mundo donde las estructuras parecen imponerse con una inercia implacable, la película sugiere – casi como un gesto de resistencia – que nadie se salva solo.

Esa idea, que atraviesa todo el relato, se convierte en su mayor fortaleza. Más que una historia de superpoderes o de marginalidad, Matapanki funciona como una alegoría sobre el abandono, la rabia generacional y las formas — a veces precarias, a veces profundamente humanas — de sostenerse en comunidad. No es casual que haya tenido un recorrido destacado en festivales, incluyendo su paso por Festival Internacional de Cine de Berlín y su reconocimiento en Festival Internacional de Cine de Valdivia, donde fue premiada como Mejor Película Chilena. Hay algo en su riesgo informal, atrevido y explícitamente punkie; y en su identidad tan marcada que conecta especialmente con ese circuito.

La naturalidad de lo cotidiano en el lenguaje hablado es un reflejo reconocible de nuestro contexto sociopolítico y cultural (algo que inevitablemente recuerda a la forma en que Arelis Uribe construye mundo en Quiltras y Telepunga). En Matapanki, la oralidad —los modismos, los ritmos del habla, los garabatos dichos sin filtro— construye momentos de una autenticidad difícil de replicar. Ahí, en lo cotidiano, en lo no impostado, la película respira con mayor naturalidad y logra anclar su dimensión más fantástica en una experiencia reconocible. Sin duda, uno de sus puntos más sólidos.

Su apuesta estética también se inscribe en esa lógica: una imagen que se aleja de lo pulido, una textura que dialoga con lo punk no solo desde lo temático sino desde lo visual. Más que buscar una forma clásica, parece interesada en sostener una sensación, una energía, incluso a riesgo de desbordarse. Lo mismo ocurre con su aproximación al relato, que en lugar de explicitarlo todo, se mueve entre códigos más intuitivos, dejando espacios para que el espectador complete.

En ese sentido, la película se alinea con cierto cine contemporáneo que privilegia el gesto por sobre la precisión, la atmósfera por sobre la estructura cerrada. Y aunque esa decisión puede generar momentos de cierta distancia o desborde que arisca, también es la que le permite construir una voz propia, reconocible y, sobre todo, honesta en su intención.

Lo que queda, finalmente, es menos una historia que una sensación persistente: la de un mundo áspero, desigual, donde las posibilidades individuales parecen siempre insuficientes, pero donde aún existe, casi como último refugio, la posibilidad de lo colectivo. En esa tensión, entre derrota y compañía, Matapanki encuentra su lugar.

Me quedo con esa insistencia: la de una película que, incluso en sus desbordes, elige creer en la fuerza de los muchos.

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Matapanki se estrena este jueves 26 de marzo en cines chilenos, y puedes ver su trailer aquí:

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En el film, Sofía mira Trance and Dance in Bali, un corto documental filmado entre 1930 y 1937 por los antropólogos Mead y Gregory Bateson, que muestra a mujeres completamente en trance, mientras se «apuñalan» (simbólicamente) con dagas y se mueven de un lado a otro. En esta danza ritual, las mujeres representan a las brujas, simbolizando el mal en la tierra, mientras que los dragones son el bien. Y aunque Mead no fue la creadora del concepto del doble vínculo, su colaboración con Bateson fue clave para su formulación. El doble vínculo ocurre cuando una persona recibe dos mensajes contradictorios, creando una situación de opresión y asimetría de poder de la que es muy difícil escapar. Esta dinámica se produce en la comunicación entre dos personas, generalmente en relaciones cercanas (como las familiares, amorosas, etc.), y tiene un profundo impacto en la salud mental.

La película describe una relación densa y claustrofóbica, donde la madre actúa como un parásito emocional, creando un conflicto interno en Sofía, una contradicción del tipo doble vínculo. Es un discurso que suena a “te quiero pero no sabés cómo vivir sin mí”, “te quiero pero ‘nunca fuiste valiente’”, como dice Rose en la película. Sofía no puede más, es como si estuviera atrapada en un trance, como las mujeres de Bali, apuñalándose simbólicamente mientras se pierde a sí misma.

En los sueños, el mar es un lugar a donde ella va a morir sentada en la silla de ruedas de su madre paralítica mientras se hunde desesperadamente. De cualquier manera, durante la vigilia, Sofía va al mar: hace mucho calor en esa playita al sur de España. Ahí también, la madre invade el espacio, la llama constantemente por teléfono, inventa malestares, urgencias impostergables. Ella escapa al agua, el único lugar inalcanzable por Rose. Pero hay medusas y la pican. Ni siquiera ahí consigue liberarse del tedio. Sin embargo, son quemaduras emocionales que, aunque dolorosas, le pertenecen solo a ella. Es un momento de reivindicación personal, de poseer algo que es suyo, aunque, al mismo tiempo, el veneno continúa siendo una forma de control sutil que simboliza a la madre: las medusas la obligan a salir del agua, a volver a la casa.

La película inicia con una frase de Louise Bourgeois: “I have been to hell and back, and let me tell you, it was wonderful (he estado en el infierno y volví, y dejame decirte, fue maravilloso)”. Para quienes no hayan leído el libro (la película es una adaptación del libro homónimo escrito por Deborah Levy), la frase de la creadora de la araña más grande del mundo (a la cual llamó Maman), nos abre una puerta al argumento del film. 
Hot Milk es una buena película, bastante desapercibida, con críticas mediocres. No se merece tan poco. Es cierto que se inscribe en la serie de películas que tratan los tan de moda mommy issues, pero lo hace con un tiempo narrativo reflexivo, lindo, sensual. Además, la música se utiliza como contrapunto narrativo: suena “Gracias a la vida” de Violeta Parra mientras la vida de Sofía es el infierno mismo en la tierra.

Otro punto que se presta al debate: a pesar de que la protagonista se encuentra con una chica a caballo (libre, libre) que conquista su corazón, la película no es (solo) una historia de “amor” queer. La chica en cuestión es Ingrid, interpretada por Vicky Krieps (Corsages, Old), una joven polígama traumada como su madre. Hay muchas red flags, la historia se repite: otra narcisista. Queremos que le grite de todo, que la mande lejos. Pero si hay cosas que huelgan son los momentos en donde Sofía externaliza el descontento y la angustia. Eso termina por funcionar, porque cuando Sofía se excede, lo hace del mejor de los modos.

Muy buena ópera prima independiente para Lenkiewicz que ya tiene un carrerón en la dramaturgia y como guionista de grandes películas. Las actuaciones son muy contundentes, acertadas. Importante es destacar la recuperación de Margaret Mead, de la antropología social y la importancia de los estudios culturales.

La entrada Hot milk: entre rituales, madres y dagas. La ópera prima de Rebecca Lenkiewicz. se publicó primero en Mundo Peliculas.

La cinta estrenada en el Festival Internacional de Cine de Berlín, sigue al capitán Jorge Silva, interpretado de manera magistral por Nicolás Zárate, cuya carrera impecable en la Fuerza Aérea es puesta a prueba cuando recibe la orden de convertir su academia de cadetes en un centro de detención y tortura. Zárate encarna la grieta moral del hombre atrapado entre la obediencia, el deber que le impone el uniforme y el imperativo ético, donde cada uno de sus gestos, cada pausa y cada mirada, contienen la tensión de un individuo forzado a medir su humanidad contra la maquinaria del autoritarismo. Su interpretación muestra una gran habilidad de traspasar la pantalla con su contención, sutileza y magnetismo, capaz de sostener la narrativa sin necesidad de artificios.

La elección de Sallato de rodar en blanco y negro, con la fotografía envolvente de Diego Pequeño, refuerza la atmósfera de opresión y la sensación de tiempo suspendido. Los pasillos y hangares de la base aérea se convierten en laberintos de hormigón, y los espacios íntimos, en escenarios donde la ética y la violencia se cruzan sin necesidad de mostrarla explícitamente. La violencia se percibe detrás de puertas cerradas, en documentos firmados con frialdad y en la tensión contenida de las relaciones humanas.

Sallato y el guionista Luis Emilio Guzmán construyen en 81 minutos un relato que avanza con firmeza, sin exageraciones ni énfasis innecesarios. La evolución de Silva, desde la obediencia automática hasta el cuestionamiento personal, se desarrolla de forma gradual, permitiendo que cada decisión y cada silencio tengan peso propio.

Las imágenes recurrentes del paracaidista en descenso aportan una dimensión simbólica sencilla pero efectiva, evocando libertad y riesgo, en contraste con el encierro institucional que marca la historia de forma poetica.

Hangar rojo me deja con algunas preguntas: ¿hasta dónde llega la responsabilidad personal cuando el sistema exige barbarie? ¿Qué precio tiene la resistencia silenciosa frente a la obediencia? Al situar la cámara tan cerca de Zárate, Sallato transforma la experiencia en un estudio íntimo de la ética bajo presión, un espejo para la conciencia del espectador. ¿Es el personaje un simple mortal o un villano? Porque la cinta es de estas que incomodan y que permanece en la memoria, recordando que incluso en los engranajes más oscuros del poder, un gesto mínimo puede marcar la diferencia.

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Y es que el director sigue fiel a su estilo en Evil Dead o Drag Me to Hell, Raimi nos recuerda que nadie maneja el gore divertido como él.

La película está protagonizada por Rachel McAdams (en el papel de Linda), quien es una empleada con más de siete años de servicios, trabajando para marketing, se le promete un ascenso de puesto para su trabajo hasta que llega  Ashton Kutcher, su nuevo  jefe y pone en duda sus capacidades de trabajo, otorgándole el puesto a otra persona. Pero esto es solo la introducción para conocer a los personajes, ya que la verdadera película podríamos decir que comienza cuando estos dos personajes son llamados para un viaje de negocios que sale terriblemente mal. Cuando su avión se estrella en una isla y deja  a este par como los únicos supervivientes. ¿Cómo lograrán sobrevivir solos, podrán?

Un acierto, pero repetido

Si viste “La laguna azul:El despertar (2012)la película protagonizada por Indiana Evans y Brenton Thwaites.La  premisa te resultará familiar: dos personas aisladas tratando de no morir. Sin embargo, donde aquellas buscaban romance o existencialismo, en Send Help se desvía por un camino mucho más oscuro con la diferencia que el amor se vuelve un horror.

El poder de Rachel McAdams:

Lo que hace especial a esta película no es solo el accidente, sino el giro de trama y “poder” que la actriz Rachel McAdams es capaz de otorgarnos: El pasar de una empleada sumisa, atrapada en su horrible trabajo, sin recibir jamás un solo mérito a pesar que la empresa siga en pie gracias a ella siempre es pasada a llevar, pero en la isla los planes están por cambiar. Ahora ella tiene el mando total, y es que entre medio del caos es capaz de liderar frente a la lucha de supervivencia haciendo que su jefe no sepa hacer nada, pero… ¿Buscará venganza en la isla?

Un reality  pauteado

La película cuenta con un punto clave y muy cómico y lo que es  es entre una sátira y un crossover del programa Survivor ( y es que literal lo dicen en la película) 

Y es que al quedar varados en una isla sin comida, sin agua ni objetos de sobrevivencia entran a la prueba de fuego y donde todo es posible que pueda suceder.

Si quieres saltar del miedo y reír esta película es el panorama perfecto de la semana … Pero si eres asquiento no lleves tus cabritas, porque después de tanta sangre el hambre se te quitará.

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