OJO! la reseña tiene MUCHOS Spoilers

La aberración

El libro bíblico de Levítico suele percibirse como una árida compilación de decretos antiguos y normas minuciosas. En su capítulo décimo, sin embargo, habita uno de los pasajes más sobrecogedores de la literatura religiosa: la muerte de Nadab y Abiú. Estos sacerdotes son fulminados tras ofrecer un ritual no autorizado, un «fuego extraño». Ante la muerte de sus hijos, Aarón permanece en silencio. La obediencia se impone incluso frente al duelo. Chiarella toma ese conflicto ancestral y lo deposita en el presente.

La película sitúa su acción en una comunidad religiosa aislada en la región de Victoria, Australia. Naim (Joe Bird) y Ryan (Stacy Clausen) viven su despertar afectivo bajo la vigilancia constante de un entorno que interpreta el deseo como una amenaza espiritual. Chiarella utiliza la puesta en escena para subrayar este aislamiento: los encuadres en pasillos vacíos y la frialdad de las mesas de disección de biología —donde los alumnos analizan ranas— operan como una metáfora visual de cómo la propia comunidad somete a los jóvenes a un examen clínico y moral constante, diseccionando su identidad.

Los adolescentes mantienen encuentros secretos en un edificio abandonado, lejos de los ojos de la congregación. Es allí donde un breve gesto introduce la tesis fundamental del filme: al mirarse en un espejo de ojo de pez mientras se abrazan, la culpa emerge antes que lo sobrenatural. Leviticus convierte las llamadas terapias de conversión en el núcleo de una pesadilla sobrenatural mediante un exorcismo inverso

Los líderes espirituales infectan a los jóvenes con una entidad parásita que adopta una mecánica perversa: toma la apariencia de la persona deseada para atacar. Cada acercamiento emocional activa el peligro, cada impulso afectivo desencadena una agresión, y el amor finalmente se transforma en trampa. El demonio-parásito no trae nada nuevo. Toma la vergüenza ya inoculada y le da un cuerpo. La criatura es la culpa hecha carne.

La víctima reproduce al verdugo

La tragedia alcanza su mayor complejidad cuando el propio Naim participa de la lógica de vigilancia que lo oprime. El detonante de toda la cadena de horror llega desde el lugar más inesperado: los celos. Al descubrir a Ryan besándose con Hunter (Jeremy Blewitt) en el molino, Naim actúa desde la herida. Denuncia la situación ante la comunidad, quedando expuesto también. Pero claro, los celos operan como el mecanismo más certero del sistema represivo. Naim delata desde el dolor, pero la estructura es la que recibe esa confesión y la convierte en instrumento de control.

Chiarella evita la comodidad de dividir el mundo entre víctimas inocentes y victimarios absolutos. Los sistemas de dominación más eficaces son aquellos que enseñan a sus víctimas a vigilarse entre sí. El fanatismo no necesita ejército cuando ha conseguido que cada creyente sea un centinela. Esta internalización de la violencia se anticipa sutilmente en la dinámica de los chicos de la iglesia, como el crudo juego de Hunter y Ryan de lanzarse piedras pesadas en el patio trasero antes de besarse: un autocastigo físico que evoca la lapidación de los textos antiguos.

Con 86 minutos y una notable economía narrativa, la película concentra la tensión en espacios cerrados, personas que no son y pesadillas que se sienten reales. El verdadero horror habita en la sensación permanente de estar siendo observado, juzgado, corregido: un estado que la comunidad ha logrado volver invisible porque lo llama fe.

La puesta en escena del aislamiento

Desde el punto de vista estrictamente cinematográfico, Chiarella demuestra madurez visual al rehuir de los sustos fáciles (jumpscares, que francamente me tienen podrido…) para apostar por el terror de atmósfera. La dirección de fotografía aprovecha los exteriores con planos abiertos y desolados que acentúan la desorientación y el desamparo de los protagonistas, contrastando la belleza árida de la naturaleza con estructuras industriales oxidadas y descoloridas que se sienten tan obsoletas como los dogmas que rigen al pueblo entero. Asimismo, la química entre Joe Bird y Stacy Clausen dota a la película de un corazón melancólico; desde mi punto de vista, es esa vulnerabilidad la que eleva el filme, logrando que el verdadero peligro no sea la aparición del monstruo, sino la devastadora quietud de los espacios en los que se van moviendo.

El fuego purificador frente al dogma

La relación entre el parásito y el fuego constituye el núcleo simbólico de la obra. En el Levítico bíblico, el fuego divino aparece asociado a la purificación, al juicio y a la autoridad de Dios. La comunidad de la película interpreta esa tradición como justificación para intervenir los cuerpos y disciplinar las conductas. El Deliverance Preacher (Nicholas Hope) encarna esa autoridad con la serenidad del que nunca ha dudado: alguien que ejecuta la norma sin preguntarse a quién destruye, porque destruir también es, en su teología, una forma de amor.

Chiarella toma esa misma imagen del fuego y la invierte. Las llamas reales son el único elemento capaz de dañar y ahuyentar a la entidad. Esta inversión posee una potencia dramática que excede el efecto de género: el símbolo cambia de dueño. Las llamas dejan de ser el instrumento del altar y pasan a ser la respuesta de quienes el altar pretendía consumir. Destruir el templo implica destruir el mecanismo que hizo posible la culpa. Allí donde Aarón guardó silencio frente al sacrificio de sus hijos, Leviticus imagina una respuesta distinta: el fuego abandona el altar y encuentra otro destino. Finalmente, esas llamas caen sobre la hipocresía que aprendió a llamarse pureza, no sobre las víctimas.

La necesaria visibilidad

El cine de terror ha funcionado históricamente como reflejo de las ansiedades colectivas, y Leviticus ratifica esta condición al abordar el trauma de las terapias de conversión desde una perspectiva simbólica, pero sin eufemismos. Para la comunidad LGBTQ+, este tipo de representaciones posee un valor que va más allá de la crítica cinematográfica. Al emplear el horror corporal y psicológico, la película visibiliza el daño real que producen las prácticas de manipulación disfrazadas de fe, acompañamiento o corrección moral. El terror obliga al espectador a habitar la experiencia de quien aprende a considerarse una aberración.

La comunidad retratada convierte la vergüenza en una herramienta de disciplina. Primero enseña a sus miembros a desconfiar de sí mismos y luego transforma esa inseguridad en un mecanismo de vigilancia permanente. El monstruo es la manifestación física de ese proceso.

Sin embargo, Chiarella huye de la resolución simple. El cierre definitivo en el autobús, con los jóvenes compartiendo auriculares al ritmo de Self Control de Frank Ocean, rescata que la película es, ante todo, una resistencia romántica. Que el parásito de la culpa siga acechando a lo lejos desde los campos no anula la victoria de su escape: han aprendido que su afecto es demasiado real como para esconderlo.

No solo Aarón se quedó callado…

Leviticus (2026) consolida una lograda alegoría teológica sobre la intolerancia. Adrian Chiarella construye una fábula de horror donde la sociedad prefiere enmudecer ante la destrucción de sus hijos antes que aceptar su identidad. La película encuentra en la culpa, la obediencia y el silencio los pilares de su discurso. La gente calla, Naim delata, Arlene (Mia Wasikowska) obedece. Cada uno representa una forma distinta de colaboración con una estructura que exige sacrificios humanos para preservar su autoridad.

Cuando la doctrina devora la empatía, el silencio se vuelve cómplice del horror.

Leviticus (2026) disponible en los cines del país a partir del 25 de junio.

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The Mandalorian and Grogu llega a los cines el 21 de mayo de 2025 con una misión clara: cautivar no solo a los fans de la serie, sino a toda una generación que creció con Star Wars. Francamente, es una misión digna de un Skywalker, porque los fans somos exigentes con la estética, los personajes y, sobre todo, con la nostalgia. En Mundo Películas te contamos qué nos pareció.

¿Cómo funciona la película?

La película arranca bien: la clásica tipografía amarilla de Star Wars aparece desde el primer minuto, esa referencia directa a George Lucas que funciona como señal inmediata para los fans de toda la vida. Lo que sigue tiene un tono de introducción que recuerda más a Marvel o DC que a Star Wars clásico, pero logra encajar justo donde debe.

El gran problema —o quizás la gran virtud— es que Grogu se roba la película completa. Con solo aparecer en pantalla, con su carita, su voz y sus escenas comiendo, el pequeño personaje opaca todo lo demás. Cuando la trama acumula demasiada información, su presencia funciona como un respiro que el espectador agradece.

Mandalorian y su crossover: ¿demasiado Marvel?

Aquí viene la crítica más honesta: hay un momento en la película donde uno deja de saber si está viendo The Mandalorian o Thor: Ragnarok. Quienes la vean entenderán de inmediato a qué me refiero. Disney tenía tantas ideas nuevas para Mando que recurrir a lo de siempre se siente como una oportunidad desperdiciada. Chiste repetido sale podrido, dicen. Funciona, sí, pero costaba más.

Grogu: el personaje más querible del universo Star Wars

Desde The Mandalorian y El libro de Boba Fett, Grogu ha demostrado que puede robarse cualquier escena. En esta película no es la excepción. Su ternura y su rol de alivio cómico lo convierten en el corazón emocional de la historia. Con 50 años de edad —sí, como Yoda— Grogu tiene mucho por delante, y Disney claramente lo sabe.

Pedro Pascal: el héroe chileno con casco

Para el público latinoamericano, y especialmente el chileno, Pedro Pascal es más que Mando. Con solo aparecer dos minutos, conquista a media sala. El gran chiste del universo Mandalorian —que un mandaloriano jamás puede mostrar su rostro— siempre genera esa tensión morbo entre los fans: ¿cuándo veremos la cara de Pedrito? La película juega con eso, y por esta vez, se le perdona todo.

Nostalgia y personajes clásicos: ¿vuelve Jabba the Hutt?

Un recordatorio importante antes de entrar al cine: la historia de The Mandalorian no ocurre en el mismo período que la saga principal. No esperes ver a Luke, Leia o Darth Vader. Es otro tiempo, otro contexto. Dicho esto, Disney logró tejer un hilo conductor nostálgico que funciona bien y deja la puerta abierta para más.

Veredicto final: ¿vale la pena ver The Mandalorian and Grogu?

Sí, vale la pena. Es una película familiar que cumple con lo básico: buena historia, buena música, un conflicto claro y mucho corazón. No hay que llegar con expectativas de obra maestra —es entretenimiento bien ejecutado que prepara el terreno para más aventuras del dúo.

Si amas a Grogu tanto como yo, la vas a disfrutar igual.

La entrada THE MANDALORIAN AND GROGU: El Thor Ragnarok de una galaxia muy muy lejana.  se publicó primero en Mundo Peliculas.

Una reseña implica distancia: el ejercicio crítico de quien observa desde afuera, puntúa, compara y concluye. Pero hay películas con las que no me gusta hacer eso, porque abordan narrativas que demandan más compromiso, o con las cuales prefiero centrarme en un tema antes que en otros. Esta es una de esas. Además, me llamo Andy; y Andy Sachs no habría escrito solo una reseña… Habría escrito algo más.

| Ojo, que tiene un par de pequeños mini-spoilers..

Don’t be ridiculous, Andrea. Everybody wants this.

Hay algunas preguntas que El Diablo Viste a la Moda instala desde su primera entrega y que no resuelve del todo sino hasta ahora. ¿Hasta qué punto es legítimo entregarse por completo a lo que amas? ¿Dónde termina la pasión y empieza la patología? ¿Y qué pasa cuando descubres que esa línea, en tu caso, hace mucho que cruzaste?

La primera película planteaba algo así. Andy (Anne Hathaway) renunció a Runway porque lo que vio no le gustó: una Miranda (Meryl Streep) capaz de traicionar a Nigel (Stanley Tucci) sin pestañear, de sacrificar a las personas por el cargo. Pero también vio el costo humano de esa entrega: los divorcios, el aislamiento, la frialdad como mecanismo de supervivencia. Era una advertencia sobre lo que la obsesión con el trabajo le hace a una persona. Esta segunda entrega revisita esas interrogantes y llega a una conclusión distinta. No sé si opuesta. Distinta. Y eso es infinitamente más interesante.

You sold your soul the day you put on your first pair of Jimmy Choos

A mi juicio, Andy Sachs no escapó de Miranda Priestly. Eso es lo que creímos durante veinte años, pero la secuela hace clic: Andy no huyó de Miranda, huyó de sí misma. De la versión que le esperaba si se quedaba. De una Andy más vieja que ya podía ver con demasiada claridad.

En esta entrega la encontramos en sus cuarenta y algo, despedida luego del cierre de otro medio: ese fenómeno que ya no sorprende a nadie pero que igual duele cada vez que pasa. Una periodista que lo ha logrado todo y al mismo tiempo nada, que sigue necesitando más no por ambición, sino porque su trabajo es el lugar donde existe con más plenitud. La película lo establece desde el arranque, con una economía narrativa que se agradece: Andy no cambió. Maduró. Y madurar, en su caso, significó dejar de disculparse por lo que es.

Everybody wants to be us.

Hablaré de la escena en el auto, donde Andy y Miranda conversan en Italia. La posición de ambas, y la forma en que hablan, es un eco directo del diálogo en el auto en París de la primera película, pero con una tónica radicalmente diferente. En París, Miranda le mostró a Andy el costo del poder como si fuera una amenaza. En Italia, lo plantea en voz alta, como si fuera una confesión (ya sabida, por cierto). Le dice, entre risas, que ama lo que hace y que no imagina haciendo otra cosa.

El momento más honesto de la película es esa conversación entre dos mujeres donde finalmente se dicen la verdad.

Y acá me pregunto ¿qué hace Miranda exactamente? porque sí, vemos una mujer exitosa, adinerada y poderosa. Pero ¿qué es aquello que ama realmente? ¿Es el poder? ¿Es el cargo? A mi parecer lo que Miranda ama no es la influencia abstracta, sino el trabajo concreto de controlar la narrativa de una industria que, como bien apunta Nigel, mueve millones y define cómo el mundo se ve a sí mismo.

Y es en ese momento donde Andy la mira, no con temor como en París. No con decepción. La mira con reconocimiento. Con admiración. Porque se está viendo a sí misma. Porque ella también lo siente. Porque a ella también le gusta, y 20 años después, al fin deja de pretender que no.

Pero hay algo más en esa escena que vale la pena nombrar: Miranda no está explicando su presente. Está describiendo una decisión que tomó hace décadas y con la que hace mucho dejó de negociar. Ella ya resolvió la pregunta. Ya cruzó la línea, pagó el costo, y llegó al otro lado. Lo que le está mostrando a Andy es nuevamente ese destino posible, pero esta vez Andy decide quedarse.

I love my job, I love my Job, I love my Job…

Lo que El Diablo Viste a la Moda 2 está argumentando, con toda su estética pop, es algo que nuestra época tiende a castigar: que hay personas para quienes el trabajo no es un medio sino un modo de ser, y que eso no es necesariamente una tragedia.

Vivimos en una época que glorifica el equilibrio. Que celebra el límite como virtud. Que desconfía de quien entrega demasiado. Y hay razones válidas para esa desconfianza; la historia está llena de sistemas que explotaron esa entrega y la llamaron «ponerse la camiseta». Pero la película hace algo más sutil que glorificar el sacrificio: muestra a dos mujeres que eligieron con los ojos abiertos, que conocen el costo, que lo han pagado, y que de todas formas eligen seguir pagándolo. No porque no tengan otra opción. Sino porque esa es su opción.

Miranda y Andy se ríen, en esa escena en Italia, de que les importa un rábano si es correcto o sano entregarse así a algo que las traiciona, que las pone al borde, que las obliga a tomar decisiones extremas. Esa risa es la manifestación de una lucidez cómplice.

La pregunta no es si es sano amar de esa manera. La pregunta es si ese amor, aun con sus costos, sigue siendo una elección legítima.

It’s more than just fashion.

Hay una capa adicional que la película instala en su trasfondo y que merece ser nombrado: El Diablo Viste a la Moda 2 también es una historia sobre quién controla el relato. El cierre del medio donde trabaja Andy no es un detalle de contexto. Es la condición de toda la trama. Inversores que no entienden nada tomando decisiones que afectan a quienes lo entienden todo. El capital imponiendo criterios sobre las historias que se cuentan. Siempre hay un pez más grande, lo que no implica que sea el más inteligente de la pecera.

Y esa tensión entre el poder económico y el poder narrativo es exactamente lo que Emily (Emily Blunt) articula en uno de los monólogos. Ella habla sobre lo que representa la ropa de lujo: no es vanidad, no es derroche, es un lenguaje. Un sistema de símbolos que comunica identidad, pertenencia, aspiración. Un statement, en el sentido más literal. Lo que Emily defiende, casi sin proponérselo, es que la moda es cultura. Y que quienes la narran, quienes deciden qué significa cada temporada, qué historia cuenta cada colección, ejercen un poder tan real como cualquier otro. Solo que más difícil de ver, y por eso más difícil de defender ante quienes solo entienden de balances.

En ese sentido, El Diablo Viste a la Moda 2 es también una película sobre las comunicaciones, sobre la moda como industria de poder simbólico, y sobre el valor de quienes realmente saben contar historias en un mundo que cada vez les hace menos espacio.

That’s All

No tengo una respuesta a las preguntas que esta película instala. No sé dónde está la línea entre la pasión legítima y la entrega tóxica a un sistema ingrato y muchas veces traidor. Sospecho que esa línea es distinta para cada persona, y que lo más honesto que se puede hacer es dejar de pretender que existe un mapa universal para encontrarlas.

Lo que sí sé es que El Diablo Viste a la Moda 2 no se disculpa por lo que es. Habita en sus decisiones con el mismo orgullo con que Miranda y Andy habitan las suyas: conociendo el costo, aceptándolo, y eligiendo de todas formas. En una industria que suele tratar las secuelas como productos de riesgo calculado, admito que la decisión de contar esta historia en 2026 es bastante cojonuda.

¿Es buena? Vayan a verla mejor. Pero si les sirve de algo: hay risas, hay emoción y hay Botox. Mucho Botox. Pero también hay mucho amor en su elenco, en sus personajes, y en la continuidad de una historia que si bien nadie pidió, igual agradecemos. Y a veces, eso es suficiente.

El Diablo Viste a la Moda 2, en cines a partir del 30 de abril.

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Entré a ver They Will Kill You sin haber visto absolutamente nada. No tenía idea ni de su director ni de quién la producía… De hecho, cuando me llega la invitación por parte de Warner, solo reconocí a la actriz Zazie Beetz, y era.

El punto es que mi decisión de no haber visto el trailer fue, lejos, la mejor decisión de la vida, porque mi experiencia en la sala habría sido completamente diferente. Así que, en este review de hoy, los invito a disfrutar de “Te van a matar” (They Will Kill You).

The Virgil: Lujo, cárcel y malas vibras

Asia Reaves (Zazie Beetz), recién salida de la cárcel, consigue trabajo como empleada doméstica en The Virgil, un hotel de ultra lujo en Nueva York donde todo se ve demasiado perfecto para ser real. El edificio funciona como una comunidad cerrada para gente con poder y dinámicas de millonarios, que no se explican a primera vista, pero está claro desde el primer segundo que deben ser turbias. 

Y qué razón tenía. A medida que avanza la noche, Asia descubre que el edificio es el núcleo de un culto satánico que sostiene su poder a través de sacrificios humanos. Sin haber firmado contrato ni beneficios como la caja de compensación, pasa a ser parte del sistema y, probablemente, del plato de fondo. Encerrada en una estructura que funciona como trampa, tendrá que sobrevivir sola en un entorno violento, donde cada piso es un problema nuevo y donde todos… la quieren matar.

La decapitación que lo cambia todo

La película parte jugando a ser algo que no es. Te deja cómodo en un thriller bastante reconocible: protagonista con pasado oscuro, edificio de lujo y un misterio que parece avanzar con cierta lógica. Uno entra tranquilo, entendiendo las reglas del juego… hasta que una decapitación lo cambia todo. Desde ahí, They Will Kill You deja de hacerse la ordenada y se tira de cabeza a lo gore, lo tarantinezco… lo absurdo.

La transición es rara, pero funciona. La película suelta la necesidad de explicarse y se pone a jugar con su propio caos. Hay ritmo, hay intención y una sensación constante de que cualquier cosa puede pasar. Acá es donde te tiene que importar un dick la física, la química o la biología. No cuestiones, solo disfruta.

El tropo sociopolítico del kill the rich se cruza aquí con una lógica cercana al sasibetsu, donde el enfrentamiento se construye desde la tensión previa más que desde el impacto mismo. La narrativa posiciona rápido a esta élite como un grupo de privilegiados degenerados, encerrados en su propia depravación y jugando a ser dioses. Desde esa premisa, es inevitable no empatizar con Asia. Aunque al inicio el guion instala cierta distancia hacia ella, en cuanto se activa el conflicto, la relación se reconfigura. Ya no importa tanto quién es ella; importa la amenaza que representan ellos. En ese escenario, la violencia deja de leerse como castigo y pasa a entenderse como respuesta.

En ese enfrentamiento, Asia entra preparada para todo. Se mueve segura, hábil, desafiante. Pero hay detalles que le cambian la lectura, como el hecho de que anda descalza toda la película. Onda, no es menor. Funciona como una forma de exponer al personaje, de volver cada desplazamiento más vulnerable y cada movimiento más incómodo. No sé si será rollo mío, pero mientras la veía huir de sus asesinos, desplazándose por el hotel, cada superficie como que pesaba. Y pensaba en el estrés de hacer todo eso… de sobrevivir a pata pelá.

La honestidad y originalidad se agradecen en tiempos de remakes.

Cuando agarra vuelo, la película se tira de cabeza. Empiezan a aparecer referencias claras: Kill Bill, Ready or Not, John Wick, con un aire medio Afro Samurai dando vueltas (sí, suena “Bloody Samurai” y funciona perfecto).

El resultado es un híbrido medio loco. Artes marciales, comedia negra, gore, incluso algo de western. Todo convive sin demasiada explicación, pero con una lógica clara. La película empuja el ritmo, mantiene la tensión y sostiene la experiencia sin detenerse a justificarse. Me gusta eso de que las películas conozcan su lugar. Que sean fieles a lo que son realmente. Muchas buenas ideas, terminan dando una lata tremenda cuando aspiran a ser lo que no es. La honestidad y originalidad se agradecen en tiempos de remakes.

Las secuencias de acción están bien armadas. Hay ritmo, hay tensión y hay momentos que se sienten derechamente épicos. De esos donde uno queda medio pegado mirando la pantalla pensando “ya, esto está muy bien hecho”.

They Will Kill You, dirigida por Kirill Sokolov y producida por Andy Muschietti y Barbara Muschietti bajo el sello Nocturna, es una de esas películas que se entienden mejor cuando uno deja de tratar de explicarlas. Funciona porque tiene ritmo, porque sabe lo que quiere ser y porque no se complica más de la cuenta.

Así que sí: anda a verla.
Y en serio, entra sin ver el trailer. Después me das las gracias.

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Tras una espera geológica de tres años, los hermanos Duffer regresaron el pasado 26 de noviembre con una nueva temporada, en donde sirvieron monstruos, elenco, FX y una descarga de adrenalina que encuentra su primer peak real al final del episodio cuatro (de eso hablaremos con calma). El resultado es un espectáculo de excesos, donde el presupuesto intenta sellar grietas narrativas y la nostalgia opera como arma de distracción masiva.

Y sí, admito que con los años la serie se había desinflado. Y es que pasaron demasiadas cosas en el eterno hiatus que se tomó la serie. Volver a entusiasmarse con los Goonies Gen Z no fue tarea fácil para mi.

Anyway, hablemos de la serie.

Arreglar ayer para sostener el hoy de Stranger Things

El regreso opta por una maniobra conocida: reescribir el pasado como si se tratara de una actualización tardía. Will aparece en 1983 bajo la vigilancia silenciosa de Vecna, mientras Hawkins es presentado como un pueblo sometido a una ley marcial tan decorativa como ineficaz. La radio pirata se convierte en el canal oficial para vomitar exposición que el guion evita dramatizar, dando forma a un arranque denso, verbal y quizás… poco inspirado.

La apuesta más discutible llega rápido: fingir interés por Holly Wheeler. Su secuestro busca instalar urgencia emocional donde nunca existió vínculo real. La secuencia, acompañada por ABBA, resulta tan efectiva como manipuladora y desemboca en una paliza brutal para Karen Wheeler, confirmando una regla no escrita de la serie: en Hawkins, ser madre implica riesgo vital permanente. Eleven, fiel a su historial, ignora órdenes y reinicia el eterno ciclo de la heroína solitaria caminando hacia el bosque.

Entra el cine y sale el videoclip

La temporada mejora de manera evidente cuando Frank Darabont toma el mando. El cambio de pulso se siente de inmediato: la estética de videoclip da paso a un lenguaje cinematográfico más clásico, más paciente y mejor dirigido. Derek Turnbow deja atrás su condición de caricatura funcional y se convierte en pieza clave del engranaje narrativo.

La mansión Turnbow se transforma en una trampa mortal. Holly recorre la mente de Vecna y se cruza con Max, instalada en los recuerdos reprimidos del villano. Max observa, conecta y deduce con una lucidez que deja en evidencia la inutilidad sistemática de los adultos responsables. Nada nuevo la verdad, pero aquí está bien ejecutado.

Will, al fin hiciste algo

Finalmente, Will Byers justifica su existencia. Tras años operando como receptor del trauma, abandona el rol de víctima para convertirse en el verdugo. El “hechicero” nace en una secuencia clave donde desintegra criaturas a distancia, transformando su conexión con Vecna en municiones y hechizos al estilo D&D. 

Will encarna ahora una paradoja interesante: arma y herida al mismo tiempo. Esa dualidad le otorga densidad dramática y permite que la serie entienda, tras una década de dudas, qué hacer realmente con uno de sus personajes fundacionales. Pareciera ser que llegó tarde, pero siento que era necesario para el dramatismo de la temporada final. 

Ya, sí… me rindo

La temporada de Stranger Things es irregular, estridente y por momentos exasperante. Aun así, me funcionó. Después de un par de capítulos volví a tomarle el ritmo (como la bicicleta). Logró algo que no daba por sentado: que personajes secundarios me importaran (te queremos, Derek Turnbow). Hay decisiones que siguen haciéndome ruido (como Eleven), pero aun así quiero que termine bien. Quiero poder decir: “¡Buena! No la cagaron”.

La experiencia enseña que las series largas tienden a tropezar justo en la meta cuando apuran el cierre. El catálogo del desastre es amplio y no hace falta invocar nombres propios (Game of Thrones o The Umbrella Academy). Por eso, acá hay deseo real: que Stranger Things cierre con dignidad.

Quiero ver a Steve feliz. A Nancy creciendo como una reportera en plan Lois Lane. A Robin viviendo su amor lésbico. Quiero ver a Eleven quedándose con Mike… no, mentira, eso no. En fin… quiero un final que no se avergüence de sus personajes.

Se viene un cierre que ojalá esté a la altura de la espera. Uno que deje ganas de volver a Hawkins en el futuro. No sé, un revival en el año 2035, ponele, cuando nosotros todos seamos ancianos y la nostalgia de esta generación sea pensar en la pandemia. Porque si algo ha demostrado Stranger Things es que el pasado siempre vuelve. La pregunta es si vuelve bien contado.

Agenda bloqueada para las fiestas de fin de año

El cierre llega fraccionado, estratégicamente instalado en medio de las fiestas, reclamando atención total.

Fechas de estreno en Chile

• Volumen 2 (Episodios 5–7): Jueves 25 de diciembre, 22:00 hrs
• Episodio final: Miércoles 31 de diciembre, 22:00 hrs

Nos vemos en el Upside Down, bitches.
Merry Xmas.

La entrada Stranger Things temporada 5: El final ya empezó se publicó primero en Mundo Peliculas.

Y ahí aparece el elefante en la habitación ¿qué está haciendo realmente Marvel con este regreso? Todo indica que el estudio ha roto el cristal de emergencia llamado nostalgia. Ver a Chris Evans nuevamente es un disparo inmediato de dopamina colectiva, pero también instala una pregunta legítima para los fans: ¿esto es avance o repliegue?

Avengers: Endgame ofreció algo inusual en el blockbuster contemporáneo: un cierre definitivo para varios de sus personajes. Un final que respetaba el recorrido del héroe y le otorgaba sentido retrospectivo a toda una saga. Reabrir ese capítulo transforma ese cierre en un simple paréntesis. Si el conflicto central de Doomsday pasa por la paternidad de Steve y la amenaza de perder a su hijo —como sugiere el material filtrado—, el mensaje implícito es claro: las Fases 4 y 5 no lograron construir figuras con el peso simbólico suficiente para sostener la franquicia sin recurrir a la vieja confiable.

La jugada se vuelve aún más delicada si se mira el contexto interno del UCM. Mientras Anthony Mackie intenta consolidar su lugar como Capitán América, Marvel apuesta por un supuesto regreso del Steve Rogers “original”. El texto en pantalla, “Steve Rogers Will Return”, busca separar al hombre del escudo, pero el daño simbólico ya está hecho. En términos culturales, el mensaje se lee distinto: cuando las cosas se ponen difíciles, volvemos a donde fuimos felices.

Los Russo de Guadalupe

Todo parece articularse bajo una misma lógica emocional: padres protegiendo a sus hijos. Steve Rogers, Thor, Reed Richards y otros personajes se enfrentan a amenazas no desde el deber heroico universal, sino desde el miedo íntimo y doméstico. Doomsday empieza a perfilarse menos como una guerra por el destino del multiverso y más como un melodrama familiar con el presupuesto de nuestro PIB nacional. Es una maniobra emocionalmente manipuladora (y eso que soy escorpio). Y, seamos honestos, probablemente les funcione.

Siento que acá hay dos derivadas: Primero, Marvel está genuinamente preocupada por su capacidad de retener atención y conversación cultural. Segundo, está dispuesta a tensionar (e incluso erosionar) la coherencia de sus retiros narrativos con tal de reactivar el entusiasmo. Ver a Steve Rogers luchando por su hijo contra un Doctor Doom con el rostro de su mejor amigo muerto es el tipo de teleserie mexicana que los hermanos Russo pueden vender con total seriedad.

El UCM, por ahora, parece haber dejado de mirar hacia adelante para concentrarse en reescribir su propio pasado. Veamos qué tal siguen las otras filtraciones a ver si algo, nos termina por realmente sorprender.

La entrada Avengers Doomsday: El regreso de Steve Rogers se publicó primero en Mundo Peliculas.

Me tomé el tiempo de escribir esto porque, luego de las 3 horas y 17 minutos de película, me quedé con haaaartas cosas que digerir. Después de leer bastante sobre la última entrega de James Cameron, llegué a una conclusión muy similar a la del completo. Últimamente nos ponemos excesivamente exquisitos con algunas películas, exigiéndoles cosas que van más allá de aquello para lo que realmente fueron hechas: pedirles la profundidad de un drama de autor a productos diseñados para vender juguetes y reventar la taquilla.

Existe una delgada línea entre exigir respeto por el guion y simplemente amargarse la vida esperando que todo sea creado por Nolan. En ocasiones, estas películas cumplen una función simple: desconectar el cerebro y entretener.

Sin embargo, surge la duda: ¿Avatar: Fuego y Cenizas entra en esa categoría? ¿Puede una de las franquicias más exitosas de la historia del cine limitarse a su pirotecnia visual o aspira a dejarnos marcados con su historia y su universo expansible?

¿De qué trata esta vez?

Avatar: Fuego y Cenizas retoma la acción inmediatamente tras los eventos de El Camino del Agua. La familia Sully enfrenta el duelo por Neteyam, con un Jake (Sam Worthington) cada vez más militarizado y una Neytiri (Zoe Saldaña) consumida por la furia. En este escenario de luto, la narrativa introduce a los Mangkwan, el Clan de la Ceniza, liderado por Varang (Oona Chaplin), quienes aportan una moralidad gris inédita en la saga.

Mientras tanto, el coronel Quaritch (Stephen Lang) continúa su cacería, ahora atravesado por dudas existenciales, y Spider (Jack Champion) se convierte en la pieza clave que la RDA —la corporación humana— busca explotar. Todo se transforma en una carrera contrarreloj por la supervivencia, salpicada de nuevos biomas, naves aéreas orgánicas y mucha, pero mucha ceniza. Y cosas en 3D.

Muchos Doritos después…

Seamos honestos: Cameron sabe exactamente dónde poner la cámara. La película exprime cada peso de su presupuesto. Visualmente, es una bestialidad; el fuego, el agua y las criaturas 3D se ven increíbles. El problema es que esos efectos especiales envuelven una trama un poco simplona, famélica… ¿Insípida? Podría ser.

La historia se siente estirada. Son tres horas y diecisiete minutos (no me cansaré de decirlo) que pesan, principalmente por ser un déjà vu constante. Todo resulta bastante predecible. Y eso es algo que una de las franquicias más importantes como esta no puede darse el lujo de permitir.

Los Mangkwan, o la “gente de ceniza”, prometían ser un aporte brutal al lore, pero terminan sintiéndose desaprovechados, casi como una excusa para cambiar la paleta de colores (y vender más juguetes… si es que venden alguno). Lo mismo ocurre con Quaritch: sus conflictos morales se profundizan, sí, pero le dan tantas vueltas que uno termina mirando el reloj y con ganas de gritar a la pantalla: “¡Ya, po’, niña!”.

El desarrollo de la historia de amor prohibido (que nadie pidió) entre Kiri y Spider también se siente extraño. No sé si será porque Sigourney Weaver (Kiri) tiene 76 años y Jack Champion (Spider) 21, lo que lo vuelve incómodo… o sea, sí, son personajes de una peli, son actores, y hemos visto cosas más raras en la TV. Pero igual… no sé. Weird.

Ahora bien, creo que han sido bastante injustos con Jake Sully. Muchos lo critican por tomar decisiones estúpidas, pero olvidan que es militar: entrenado para recibir órdenes y reaccionar mal. Está, probablemente, recien entrando en su etapa de deconstrucción. Pedirle que sea un roble o que siempre tome las mejores decisiones es estéril. Su falibilidad es, de hecho, lo que lo hace humano (o Na’vi, lo que sea).

Quizás, estamos demasiado acostumbrados a exigir perfección a nuestros héroes: que siempre decidan bien, que no fallen, que nunca se equivoquen. De ser así, es un error. Los héroes lloran, pierden, sufren. No tienen que estar siempre en lo correcto. Antes de vencer al villano, se vencen a sí mismos. Mueren para resucitar en una versión mejor.

Uff. En fin.

Avatar: Fuego y Cenizas termina queriendo ser mucho y entregando poco. En el pasado, películas que se pavoneaban con sus grandes efectos especiales funcionaron porque entendieron lo que eran y encontraron un equilibrio preciso entre espectáculo y guion. Respetaron sus bases y construyeron desde ahí. Quizás ese es el problema de Avatar como saga: aun no logran encontrar ese equilibrio.

Ahora bien, no me mal interpreten: dista bastante de ser mala; simplemente carece de novedad. Se respeta como producto de entretenimiento masivo, pero subestima a la audiencia al reciclar conflictos que ya vimos. De no ser por su majestuosidad visual, las ganas de sacar el celular en plena función serían incontenibles (costumbre nefasta, por cierto: no lo haga).

¿Y ahora qué?

¿Me dejó con ganas de más? La verdad, poco. Sabemos que vienen la cuarta y la quinta parte, pero Avatar carece de ese gancho que te hace desvelarte pensando en teorías conspiranoicas. Es como comer una promoción del McDonald’s: te llenas, estaba rica, pero mañana ya ni te acuerdas.

Eso sí, hay un detalle al final que me llamó la atención. Se sugiere que todo lo ocurrido sucede en un punto ínfimo del planeta, como diciéndonos que Pandora todavía tiene mucho por ofrecer y explorar. Pero la pregunta es inevitable: ¿vamos a tener ganas de seguir explorándola cuando esto termine? Solo el tiempo y la taquilla lo dirán.

Avatar: Fuego y Cenizas exige la pantalla más grande posible. Idealmente, debe verse en IMAX 3D para justificar la entrada. Vayan equipados con comidita para resistir el maratón y, por el amor de Eywa, eviten beber mucho líquido.

Avatar: Fuego y Cenizas: Solo en cines.

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Lejos de buscar complacencia, Lanthimos construye una obra que apuesta por el desconcierto, el suspenso sostenido y una mirada crítica sobre la paranoia colectiva, la obsesión y la necesidad humana de encontrar culpables externos.

Un nuevo capítulo en la colaboración Lanthimos–Emma Stone

El eje narrativo de Bugonia se sostiene, una vez más, en la colaboración entre Yorgos Lanthimos y Emma Stone, una dupla que ya funciona como sello autoral. Stone interpreta a Michelle, un personaje enigmático que se convierte en el centro de una espiral de sospechas y delirios conspirativos.

A su alrededor destacan Jesse Plemons y Aidan Delbis, quienes dan vida a dos hombres de clase media baja cuya interpretación resulta clave para sostener el tono del filme. Desde sus primeras escenas, la película instala un clima de thriller constante, donde cada acción parece esconder una amenaza latente y ninguna certeza termina de consolidarse.

Obsesión, venganza y paranoia: el motor del relato

La historia se activa cuando los personajes de Plemons y Delbis desarrollan la convicción de que Michelle es un ser de origen extraterrestre. Esta creencia se intensifica tras vincularla con el coma de la madre de uno de ellos, detonando una lógica de persecución que cruza obsesión, resentimiento y necesidad de redención.

El secuestro de Michelle no responde únicamente al impulso de venganza. Su plan es utilizarla como carnada para forzar una negociación con un supuesto “embajador” fuera de la Tierra, con la expectativa de ser llevados al espacio. Bajo esa lógica delirante, el objetivo declarado es “evitar” una invasión que destruiría el planeta.

Lanthimos no juzga directamente a sus personajes; los observa con una frialdad quirúrgica que potencia la incomodidad y refuerza la lectura política y social del relato.

La abeja como metáfora central: una lectura sobre la humanidad

Uno de los aciertos más interesantes de Bugonia está en su construcción simbólica. Antes del quiebre narrativo, la película introduce la figura de la abeja como metáfora visual y conceptual.

La vida del insecto —basada en la polinización, el trabajo colectivo y el esfuerzo constante— se presenta como un espejo incómodo para la humanidad: seres que trabajan sin cuestionar, sin opción de desviarse del sistema, atrapados en una lógica productiva implacable. Esta imagen funciona como una crítica silenciosa pero contundente sobre la fragilidad del orden social y la incapacidad humana para escapar de sus propias estructuras.

Una reinvención inteligente de un remake coreano

Es relevante señalar que Bugonia es una reinterpretación de la película surcoreana Save the Green Planet! (2018). Lejos de limitarse a replicar su premisa, Lanthimos toma el material original y lo resignifica desde su propio lenguaje: más austero, más perturbador y profundamente político.

El resultado es una obra que dialoga con su origen, pero que se sostiene por sí sola como una pieza autoral, coherente con la filmografía del director y su obsesión por los sistemas de poder, la alienación y la violencia simbólica.

Provocadora y necesaria

Bugonia confirma que Yorgos Lanthimos sigue siendo un cineasta dispuesto a incomodar. Su propuesta no busca respuestas claras ni alivio narrativo. Propone tensión, incomodidad y reflexión. Un cierre de año que no pretende agradar a todos, pero que deja huella en quien esté dispuesto a entrar en su lógica.

La película ya se encuentra en cines y se instala como una de las experiencias más desafiantes del cine de autor reciente

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Freddy, Bonnie, Chica y Foxy vuelven al centro del horror

Los animatrónicos icónicos de la primera entrega, Freddy, Bonnie, Chica y Foxy, regresan con un rol protagónico mucho más marcado. La película entiende su valor simbólico dentro de la saga y los utiliza como motores narrativos y visuales, reforzando la identidad de Five Nights at Freddy’s sin perder ritmo.

Una historia que conecta directamente con el videojuego

Aunque la primera película no seguía de forma estricta el canon del videojuego, FNAF 2 logra un equilibrio más preciso entre adaptación cinematográfica y fidelidad al material original. La historia retoma los hechos meses después de que Abby (Piper Rubio) logra sobrevivir a los eventos ocurridos en Freddy Fazbear’s Pizza, mientras Mike (Josh Hutcherson) sigue cargando con las consecuencias.

Tras la caída de William Afton / Spring Bonnie (Matthew Lillard), la amenaza evoluciona. Su legado de violencia no desaparece y da paso a nuevos conflictos, destacando la introducción de Puppet, personaje clave del videojuego, ahora con mayor peso dramático y un propósito claro: la venganza.

Un acierto absoluto para los fans de Five Nights at Freddy’s

El gran valor de esta secuela está en sus referencias constantes al videojuego. Desde el uso de cámaras de seguridadhasta la mecánica de sobrevivir hasta el amanecer, la película recrea la experiencia del juego con inteligencia. El espectador comparte la tensión, la ansiedad del tiempo y el miedo a ser descubierto, elementos esenciales del éxito de la saga.

Además, quienes conocen la cultura que rodea a Five Nights at Freddy’s —memes, parodias y guiños virales— encontrarán momentos que alivian la tensión con humor bien dosificado, generando complicidad con el público fan.

Un reencuentro que emociona al cine de terror

Para los seguidores del horror clásico, hay un guiño especialmente potente: Matthew Lillard y Skeet Ulrich, recordados por Scream (1996), vuelven a formar parte del mismo universo cinematográfico. Aunque en esta entrega no comparten escenas, todo apunta a un eventual cruce en una tercera película, un elemento que despierta expectativa y nostalgia entre los fanáticos del género.

Veredicto

Five Nights at Freddy’s 2 cumple con lo que promete: más terror, más referencias y una narrativa pensada para quienes crecieron con el videojuego. Una secuela consciente de su audiencia, que entiende su franquicia y sabe cómo expandirla sin perder identidad.

La película ya se encuentra en cines, lista para ser disfrutada por fans del terror y seguidores de la saga.

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Esta segunda versión audiovisual respeta el espíritu del material original y lo actualiza con una lectura más directa sobre el rol de la clase media, expuesta como moneda de cambio dentro de un sistema que convierte la precariedad en entretenimiento.

Cuando sobrevivir se vuelve un show

La historia sigue a Ben Richards, un trabajador común que, tras perder su empleo, enfrenta una carrera contrarreloj para financiar el tratamiento médico de su hija. La pregunta es brutal y directa: ¿hasta dónde puede llegar una persona cuando el sistema la empuja al límite?

La respuesta llega con una decisión extrema. Richards se inscribe en “The Running Man”, un reality show donde el premio supera los mil millones de dólares, siempre que el concursante logre sobrevivir 30 días mientras es perseguido por asesinos profesionales. El resultado es un espectáculo masivo, consumido por millones de espectadores que celebran la violencia como si fuera deporte.

Distopía social y descontento político

A medida que avanza la película, El Sobreviviente expone un malestar social transversal. La narrativa insiste en una idea incómoda: todo parece cambiar, pero en el fondo nada cambia. El poder se recicla, la política se disfraza de espectáculo y la audiencia participa activamente del circo. La sensación de déjà vu no es casual. La película dialoga de forma directa con el presente.

Manipulación digital, fake news e inteligencia artificial

Uno de los aspectos más perturbadores del film es su lectura sobre la manipulación digital. Los concursantes deben grabar mensajes diarios, pero la producción del programa posee tecnología capaz de alterar esos registros. La consecuencia es clara: el público consume versiones editadas de la realidad, construidas para reforzar narrativas falsas y moldear la opinión pública.

La referencia a las fake news, la inteligencia artificial y la distorsión de los discursos no es sutil. Es un golpe directo al estómago, especialmente en un contexto donde la verdad se negocia en tiempo real.

Estilo, referencias y sello autoral

Aunque se trata de un remake, Edgar Wright no renuncia a los guiños a la versión original, incluyendo referencias indirectas a Arnold Schwarzenegger, protagonista del clásico de los 80. Sin embargo, el director impone su sello: montaje ágil, humor sarcástico y una estética que mezcla videojuego, sátira mediática y ciencia ficción postapocalíptica.

Con 133 minutos de duración, la película se siente sorprendentemente dinámica. El humor funciona como válvula de escape, aligerando el discurso político sin restarle filo. Es una experiencia entretenida, pero nunca complaciente.

Mi veredicto

El Sobreviviente es una película necesaria. Un thriller distópico que confirma que la ciencia ficción rara vez habla del futuro, sino del presente llevado al extremo. Edgar Wright toma el material de Stephen King y lo convierte en un espejo incómodo, donde el espectáculo, la desigualdad y la manipulación mediática conviven sin disimulo.

Porque, al final, la pregunta no es si esta historia es exagerada. La pregunta real es cuánto nos falta para que deje de ser ficción.

Solo en los cines del país

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